LE CRITICON

TRISTE Y SOLITARIO

Antecedentes. Ganadora del Goya a la Mejor Película, La soledad es el típico producto de festivales montado sobre zuecos de plomo. Y es que a la trama le cuesta dar dos pasos seguidos, los segundos se vuelve minutos y cada plano es una penitencia a la ansiedad.
Con una estética sobria, casi entrando en un terreno minimalista, los diálogos son parcos, casi desganados y nunca llegan a comunicar nada. Con una estética digna del más anesteciado Alexander Sokurov, el directo optó por escapar a todo movimiento de cámara, la montó sobre un trípode y a sudar. Tampoco recurrió a ninguna banda sonora, el único compás de fondo lo entrega el paisaje urbano.

De qué va. Historias de mujeres solitarias. Adela es una joven separada que vive en un pueblo con su hijo de un año. Un día decide ir a probar suerte a Madrid y alquila un piso compartido. Antonia es una abuela que tiene un compañero de su edad y tres hijas mayores que la hacen el centro de sus vidas.

Al hueso. Como hay películas para ver, también hay otras para experimentar o para presumir. Este es un filme que intenta transmitir la soledad, pero en lugar de usar un lenguaje convencional, prefiere expresarse a través de la soledad misma, cuya pronunciación más directa es la incomunicación. Esto hace que el filme pierda ligereza y como en un eterno loop, termine por morderse la cola. En lo visual la mayor innovación es un sistema denominado polivisión, que consistente en fijar dos cámaras en dos puntos distintos de un mismo espacio escénico, para después proyectar ambas imágenes simultáneamente sobre la pantalla dividida en dos mitades. Claro que es bonito, pero a la tercera vez que se lo utiliza empieza a perder frescura y se vuelve monótono, repetitivo.

En definitiva. El que quiere divertirse, distraerse o cualquiera de las funciones básicas para las que está destinado el cine, no vaya. Los que quieran alardear o hablar de técnicas inexactas, tienen una gran oportunidad.
Score: 5/10

TITULO: La soledad
ORIGEN: España
AÑO: 2007
DURACION: 130 minutos
DIRECTOR: Jaime Rosales
REPARTO: Sonia Almarcha Petra Martinez, Miriam Correa Nuria Mencia, María Bazán, Jesús Cracio
GUION: Jaime Rosales. Enric Rufas
MÚSICA: No tiene
FOTOGRAFIA: Oscar Duran

Más comentarios aquí

SEGUIR LEYENDO...

A BRODWAY [pre-malqueridos]

Tim Burton y la opera en el cine:

Si The Nightmare Before Christmas -1993 (a.k.a El extraño mundo de Jack) era un rompedero de huevos.

Corpse Bride - 2005 (a.k.a La novia cadaver) era para matarse.

Por qué creen que Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street - 2008 (a.k.a Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet) puede ser interesante.

Pregunta Final ¿Si a Tim Burton le gustan tanto los musicales? Por que no se deja de romper las pelotas, se instala en Broadway y de paso, se lleva al boludito de Johnny Depp al hombro. Ssssssss

SEGUIR LEYENDO...

CHICA PERSA

Antecedentes. Persépolis está basado en una novela gráfica en blanco y negro, escrita e ilustrada por Marjane Satrapi (Rash, Irán, 1969). Este relato autobiográfico consta de cuatro tomos, aunque después se editó un volumen integral que los abarcó en su totalidad. El primero está centrado en la revolución y el inicio de las disputas bélicas (1979-1980).

TITULO: Persépolis
ESTRENO: 24 de abril (en Argentina)

ORIGEN: Francia
AÑO: 2007
GENERO: Animación, drama.
DURACION: 95 min
DIRECTOR: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
Doblaje: Chiara Mastroianni (Marjane adolescente y adulta), Catherine Deneuve (Tadji, madre de Marjane), Danielle Darrieux (abuela), Simon Abkarian (Ebi, padre de Marjani), Gabrielle Lopes (Marjane niña), François Jerosme (tío Anouche).
GUIÓN: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud; basado en las novelas gráficas de Marjane Satrapi.
MÚSICA: Olivier Bernet
WEB OFICIAL: http://www.persepolislapelicula.es/

En el siguiente reflexiona sobre la guerra y abarca desde 1980 a 1984. El tercero trata sobre el exilio y la emigración (1984 al 1989). Y en el cuarto la autora retrata su vuelta a irán. La propia Marjane se encargó de dirigir el filme junto al joven cineasta y artista del cómic Vincent Paronnaud.
Esta novelista es la única hija de una familia disidente de Teherán, que adhería a los principios revolucionarios antes de que adoptaran un carácter islamista. Todos los integrantes de la casa, sin excepción, luchaban contra la represión, las prohibiciones ideológicas, las doctrinas fundamentalistas, la imposición del velo femenino y el estallido de la guerra Irán-Iraq, que el nuevo régimen utilizó para consolidarse en el poder.

De qué va. Marjane tiene nueve años y a través de sus ojos se narra la historia del pueblo Persa. Desde la asunción del shah Mohammad Reza Pahlavi, aliado de los Estados Unidos, su derrocamiento y creación de la República Islámica bajo el gobierno del ayatola Khomeini. Siguiendo con el exilio, la barbarie, los ocho años de guerra con iraq y el arraigo del régimen ortodoxo. Para escapar a toda esta locura, de adolescente viaja a Austria. Allí deberá enfrentarse a la soledad, sus propios temores y a ser considerada como una loca religiosa.

cómic original de Persépolis

Al hueso. El cine de animación francés, a diferencia del puritanismo compasivo que mueve a Pixar, Disney y DreamWorks, hace películas para adultos (no, no hay sexo), se debaten razones, se cuestiona la ética y cada centímetro del metraje tiene alguna justificación. Esta claro, la intención es divertirse pero también reflexionar.
El caso de Persépolis es una pequeña obra de arte rodada en un blanco y negro opresivo, algo que se había llevado al extremo con el policial Renaissance (2006) de Christian Volckman. Los dibujos de tipo cómic, en algún punto comparable al humor y el estilo de Maitena, parecen aniñados, pero la solidez de la narración hace olvidar este detalle menor. Pese al dolor y el sufrimiento que recorren la trama, la protagonista en ningún momento juzga o se martiriza (algo que bien hubiera aprovechado Hollywood para movilizar el lagrimal). O cuando plantea el choque de oriente con occidente, evita todo maniqueísmo y no pretende demostrar las ventajas de una y el atraso de la otra.
Acaso el aporte más original de Persépolis sean sus valores socio-políticos. De como una sociedad herida de muerte por una guerra interminable tiene fuerzas para seguir adelante y sueña con una reconstrucción.

En definitiva. Para ver con la mirada de un niño pero con el corazón de un adulto. Una historia valiente, creíble que no deja caer la tensión del relato en ningún momento.
Store: 8/10

Bonus Track

Reportaje a Marjane Satrapi,con videos y dibujos originales (en inglés)

SEGUIR LEYENDO...

VIENE SONANDO

Al quebrar la sociedad Fugees cualquier oído sensible hubiera sospechado que la carrera de Lauryn Hill se iba a disparar por los techos. Más después de escuchar The Miseducation of Lauryn Hill (1998) un disco de R&B con la quietud de lo intenso. Pero inesperadamente la morocha se estacó.
En 2002 editó su MTV Unplugged y se terminó. Hoy regresa con Mr Hill, un disco ameno, por el cual no va a ser recordada pero le sirve para que nadie se olvide de ella. Para cumplir con ese berretín de álbum con una larga lista de temas, recurre a su pasado (Cowboy’s, How Many EMCee’s, Guantanamera, Freedom y un remix de The Sweetest Thing) para hacer bulto. Que va hacer mi negra, cuando no hay no hay y punto.

El surfer hawaiano Jack Johnson es un muchacho divino. Va con su guitarrita a todos lados y te clava esos sonidos tan profundos mientras pierde la mirada en el horizonte. Bueno basta, por favor. Cuantos discos va a sacar con el mismo estilo playero. Te digo, en Sleep Through The Static te fuiste al carajo Jack. Chau.

A los chicanos de The Mars Volta se la agotó la batería de ruiditos raros y para The Bedlam in Goliat el Oscuro no le renovó el pacto de electricidad. Se la pasan a los gritos y no logran embocar una sola melodía que valga la pena ensayar. Igual, hinchaban un poco las pelotas, no.

Anda circulando un bootleg (edición no autorizada) de DJ Shadow & Cut Chemist, que no tiene desperdicios. The Hard Sell fue grabado en Barcelona y en entre pinchada y otra, se meten The Doors, Queen, Portishead y ritmos de flamenco. Una pinturita.

Cumplidora como pocas, Sia (Sia Fuller, no) logra lo que pocos con Some People Have Real Problems, que den ganas de esucharlo de punta a punta. Y eso que cuando uno mira la tapa del disco de esta rubiecita australiana tiene ganas de salir corriendo: mezcla de Xuxa con Diego Torres. Pero cuando entran a pasar los temas, mama mía, esa vocecita musical, los arreglos de jazz. Te da cosita, viste.

Los Boy Omega son una banda de suecos que dejan un rastro de melancolía en cada nota. Hace un tiempo atrás había lanzado un E.P (The Best Time Of The Year) que prometía. Pero quedó en nada. Un año más tarde desempacan Hope on the Horizon con vario de aquellos simples. Un trabajo sincero, que pierde algo de fuerza en algunos tramos y en otros vuelve a recuperar la garra. No apto para musicalizar una tarde gris de domingo.

Para el que todavía no los descubrió Dengue Fever es un sexteto que combina rapsodias camboyanas, con tonos de jazz, en un ecosistema psicodélico. Su nuevo lanzamiento, Venus On Earth es para escucharlo sólo o acompañado. Ideal para ocasiones especiales. NO te falla. Una barbaridad.

I'm Sixteen Dengue Fever

SEGUIR LEYENDO...

TE QUEMA EL COCO

Hunter S. ThompsonSelf Portrait, In White Whale, Las Vegas, circa 1970s

A Hunter Stockton Thompson jamás se le metió por el coco que pasaría a la historia como el creador del periodismo “gonzo”. Se lo recuerda como un tipo talentoso, pero también como alguien ventajero, borrachín y camorrero. Su toque de iluminación lo recibió en la revista "Rolling Stone" donde trabajó entre 1969 y 1974. Y aunque prefería ser nombrado con el honorífico titulo de "Doctor", no tenía un doctorado ni era médico.

Una nota sobre la campaña presidencial de 1972 fue el disparador de su novela "Miedo y asco en Las Vegas", que fue llevada al cine por Terry William, con la participación de Benicio del Toro y Johnny Depp. En sus páginas, el eterno periodista, álter ego del autor en todas sus novelas, escoltado en esta ocasión por un abogado, se lanza con su Chevrolet descapotable a la conquista de Las Vegas.

Considerado por muchos como el fundador del periodismo beatnik, fue testigo presencial de la politización del rock (cubrió las marchas contra Vietnam y la campaña de Nixon del ’72) y se infiltró en la banda de motoqueros Hells Angels, experiencia que le sirvió para componer un libro llamado Angeles del infierno: la extraña y terrible saga de las bandas forajidas de motociclistas, en 1966. Cuando estos muchachos (que se encargaban de la seguridad en los conciertos de la época) se enteraron de la traición de Thompson le exigieron un dinero y como el pago siempre era menos a lo acordado, terminaron por mandarlo varias semanas a un hospital.

Su herramienta de trabajo consistía en una de las primeras máquinas de fax. Quienes lo conocieron dicen que la llevaba a todas partes y que era célebre por entregar sus artículos a última hora, casi ilegibles, a las oficinas de la revista ubicada en San Francisco, siempre demasiado tarde para editarlos y corregirlos, pero justo a tiempo para publicarlos.

El primer uso de la palabra “gonzo” para describir el trabajo de Thompson fue de su colega Bill Cardoso, quien lo conoció en un micro que los llevaba a cubrir el comienzo de las elecciones presidenciales estadounidenses en New Hampshire y calificó un texto de Thompson de “gonzo puro”. La anécdota sobre el origen del concepto es más glamorosa y data del año 1970, cuando Thompson escribió una crónica llamada El Derby de Kentucky es Decadente y Depravado para una pequeña revista deportiva. Y cuando su editor le solicitó la reseña, le entregó los apuntes que había tomado, sin corregirlas ni organizar la información. Lo curioso es que ese mismo desorden fue publicado y recibió la felicitación de su jefe.

Aunque en aquel entonces nadie registró el hecho, fue el primer artículo en donde Thompson utiliza las técnicas de los que posteriormente se convertiría en el Periodismo gonzo. Un estilo que plantea un acercamiento directo al objeto (la noticia), llegando hasta el punto de influir en ella, y haciendo del reportero una parte importante de la historia, como un actor más.

Lo desgraciado del caso es que la historia no tuvo un final feliz. En un comunicado de prensa Juan Thompson, hijo del fallecido autor, informó que "el 20 de febrero de 2005, el doctor Hunter S. Thompson terminó con su vida disparándose en la cabeza en su recinto fortificado en Woody Creek, Colorado. Hunter guardaba celosamente su intimidad y rogamos que sus amigos y admiradores respetan esa intimidad y la de su familia". Que así sea.

Más en

Diario el Mundo

Thompson en IMDB

Galería de fotos

Organización Gonzo

Artículos y más links

SEGUIR LEYENDO...

BANDERA PLANCHADITA, PLANCHADITA

Antecedentes. Una de las especialidades del director Paul Haggis es dirigir o escribir guiones para películas que se suponen transgresoras pero que en realidad sólo escandalizan al público norteamericano. Todo un clásico a la hora de las nominaciones, ganó una estatuilla por Crash (2004) y llevó los textos de Million Dollar Baby (2004) más los bodrios patrióticos de Flags of Our Fathers (2006) y Letters From Iwo Jima (2006), estas tres últimas a las órdenes del fosilizado Clint Eastwood.El caso de In the valley of Elah vuelve con los rollos militares de “la mea culpa”. Esta vez la sociedad se golpea el pecho por la guerra de Irak.

TITULO: La conspiración (en Argentina)
ORIGINAL: In the valley of Elah
ESTRENO: 6 de marzo (en Argentina)
ORIGEN: Estados Unidos
AÑO: 2007
DURACION: 120 minutos
DIRECTOR: Paul Haggis
REPARTO: Tommy Lee Jones (Hank Deerfield), Charlize Theron (detective Emily Sanders), Frances Fisher (Evie), Susan Sarandon (Joan Deerfield), James Franco (sargento Dan Carnelli), Jonathan Tucker (Mike Deerfield), Jason Patric (teniente Kirklander), Josh Brolin (Buchwald), Wes Chatham (cabo Penning), Jake McLaughlin (Gordon Bonner), Mehcad Brooks (Ennis Long).
GUIÓN: Paul Haggis
WEB OFICIAL: www.inthevalleyofelah.co.uk

De qué va. El señor Hank (Tommy Lee Jones) es un veterano de guerra con pasta de investigador, que indaga la desaparición de su hijo Mike, soldado que volvió de Irak y que inexplicablemente nadie sabe donde se metió. Con la ayuda de la detective Sanders (Charlize Theron) y el apoyo de su esposa (Susan Sarandon), irá recolectando pistas hasta desenmarañar el ovillo que plantea la trama.

Al hueso. Desde que estalló la Segunda Guerra Mundial, hasta Vietnam, pasando por todas las incursiones armadas de los marines en los últimos veinte años, se hicieron miles de películas sobre el papel de policía mundial (como lo describe Michael Hardt & Antonio Negri en Imperio) que desempeña los Estados Unidos. Que lo de Irak es una vergüenza injustificada y que George W. Bush es un atorrante, no hace falta ver In the valley of Elah para darse cuenta. Aunque parece que muchos demócratas y republicanos se avisparon de esta verdad a gritos gracias a la astucia de Paul Haggis, que siempre está parado justo donde cae la pelota.

En definitiva. Una dirección técnica impecable, un elenco de lujo, más la prolijidad suprema puesta en cada detalle, no alcanzan para apuntalar un filme que por momentos corre, en otros va al trote pero también se tropieza y cae. Una película correcta, que equivocó de pedal: cuando tenía que pisar el acelerador apretó el freno. Y todos se durmieron.
Score: 5/10

SEGUIR LEYENDO...

EL MACHO ESTA DE VUELTA

Antecedentes. Se sabe, el señor Silvester Stallone es un confeso admirador de las políticas de Estado llevadas a cabo por George W. Bush. Al señor Silvester Stallone le simpatizan los gobernantes republicanos. Conclusión. Al señor Silvester Stallone le gusta la guerra. Y eso es lo que hace en sus películas. Se inventa un enemigo, se carga dos o tres ristras de balas al hombro y sale a tumbar muñecos.

TITULO: John Rambo
ORIGINAL: John Rambo
ESTRENO: 21 de febrero (Argentina)
ORIGEN: Estados Unidos
AÑO: 2008
DURACION: 91 minutos
DIRECTOR: Silvester Stallone
REPARTO: Sylvester Stallone, James Brolin, Kim Dickens, Bruno Campos, Carrie Southworth
GUION: Silvester Stallone
WEB OFICIAL: www.mangafilms.es/johnrambo/

No es casualidad que el auge de su personaje más sanguinario, el teniente John Rambo, haya alcanzado su mayor grado de notoriedad durante la década de los 80’, época en la que Roland Reagan (1981-1987) ocupaba la presidencia de los Estados Unidos. Incluso este vaquero devenido en político llegó a decir “Rambo es un republicano perfecto”. Tampoco es casualidad que cuando George Bush (1989-1993) padre se hizo cargo del gobierno y sin perder tiempo lanzó una ofensiva contra Irak, el musculoso de boca torcida llevó a su personaje a las arenas del desierto para ajusticiar a los hijos de Alá. Da la casualidad que al final del mandato de George Bush (2001-200_) hijo, Stallone vuelve a la carga con la última bala en su cargador: John Rambo.

De qué va. El ex boina verde está radicado al norte de Tailandia y vive cazando serpientes para un show. Hasta que un grupo de misioneros vienen a buscarlos para que los conduzca a Birmania, para dar asistencia médica a los redientes que son brutalmente asesinados por la milicia.

Al hueso. El soldado regresa al lugar que mejor conoce, la jungla vietnamita, territorio del que acaso jamás debió salir. Y como los tiempos que corren son feroces, el ojo de su director y guionista, el siempre inflado Silvester Stallone, no se permite la más mínima sutileza. Como en un filme de Snuff, donde la única motivación es contemplar mutilaciones reales, en la cuarta parte de Rambo todo es brutalidad. Desde soldados que vuelan despedazados por los aires, criaturas que son aniquiladas a culatazos, miembros que son amputados de un disparo y la lista de atrocidades no para.
Por momentos pareciera un videojuego siniestro en donde el espectador está al mando de un personaje que debe exterminar a todos los que se pongan frente a la cámara. Cuando la justificación del realismo transgrede ciertos límites (la masacre en primer plano de unos niños no era necesario) la violencia desmesurada se convierte en pornografía. El resto es pura anécdota. Bien filmada, con un guión creíble y mucha sangre.

En definitiva. Para personas con mentalidad republicana. Para quienes aman la guerra. Para quienes piden mano dura. Para quienes lustran su escopeta todas las noches.
Score: 5/10

SEGUIR LEYENDO...

EL INFIERNO TAN TEMIDO

Después de ver No country for old Man (2007) de los hermanos Cohen, esperé con paciencia los créditos finales para descubrir quien era el autor de un argumento tan demencial. Así me enteré que era obra de un tal Cormac McCarthy (sí, hasta entonces lo ignoraba). Así fue que recordé que apenas unos días atrás un amigo me recomendó una novela de corte apocalíptico llamada “La carretera” que germinaba en los vodeviles culturales. Por este trabajo el tipo ganó nada menos que el Premio Pulitzer 2007 y en Argentina se consigue una traducción de Luis Murillo Fort, de editorial Mondadori, que cuesta 32 mangos.

Para los críticos (que siempre exageran un poco) “La carretera” es considerada una de las mejores novelas que retratan un holocausto en la tierra. La trama gira en torno a un padre y un hijo que franquean transversalmente Estados Unidos, en un mundo de cenizas, con un sol a punto de extinguirse y la amenaza de una nueva era glaciar sobre sus espaldas. Encima, casi no hay gente en la tierra y los pocos sobrevivientes se devoran unos a otros porque nada puede crecer en una naturaleza intoxicada.

Dueño de un carácter bastante insular, McCarthy suele esquivar todo tipo de entrevistas. En una de las pocas que concedió en los últimos años, comentó acerca de su nuevo libro “es una declaración de amor a John Francis, mi hijito de ocho años". Y aunque los puritanos se santiguen, confesó que "disfruto mucho siendo un best-seller”. El escritor tiene hoy 75 años, y parece que no volverá a hablar con la prensa por mucho tiempo.

Aunque lleva escritos una docena de libros y se adaptaron varias películas con sus textos, recién ahora el mundo literario le dedica su deslustrada sonrisa. En el New York Times ven muchos puntos en común con William Faulkner, de quien aseguran, tomó prestado ese vocabulario furtivo, la puntuación escasa, el recurso del dialecto y el sentido del mundo concreto.

En cambio, el teórico literario estadounidense Harold Bloom lo considera uno de los cuatro mayores novelistas de su tiempo, junto a Thomas Pynchon, Don DeLillo y Philip Roth. Además de Faulkner se lo suele comparar con Herman Melville, aunque por la importancia que en su prosa tiene tanto el viaje como el río, se le podría asociar a Mark Twain, y por la causticidad y precisión de su pluma, porque no a Jim Thompson.

Habrá que seguirlo de cerca y revisar algunos de sus títulos editados en el país. Por lo pronto, todos los cañones apuntan a "La carretera", que ya tiene fecha de estreno en la pantalla grande para fines de este año. Sus protagonistas serán el cuervo Viggo Mortensen, Charlize Theron, como marido y mujer. La dirección está a cargo de John Hillcoat, quien tiene el crédito abierto luego de hacer el muy recomendable wenster The Proposition (2005).

Link de interés

Diario el mundo

Diario Página 12

Especial New York Time

SEGUIR LEYENDO...

CUIDAD DE NADIE

TITULO: Ciudad de los hombres
ORIGINAL: Cidade dos Homens
ESTRENO: (sin fecha)
ORIGEN: Brasil
AÑO: 2007
DURACION: 110
DIRECTOR: Paulo Morelli
REPARTO: Douglas Silva, Darlan Cunha, Jonathan Haagensen, Rodrigo dos Santos
GUIÓN: Paulo Morelli, Elena Soarez
WEB OFICIAL:www.cidadedoshomens.com.br/pt

Antecedentes. En el mundo del espectáculo -música, maestro- conseguir un triunfo es tarea para unos pocos. Esta conquista duplica su valor cuando la disputa es en territorio ajeno (el gol de visitante vale doble).Es decir, si un director de cine llega con su rollo a Hollywood y logra el reconocimiento del público y la crítica, nadie puede cuestionar su talento.

Cuando los aplausos se enfrían, su creador puede decidir cerrar el guión y buscar un nuevo desafío o, seguir machando la cáscara de la fama.
Algo de esto último le ocurrió al talentoso Fernando Meirelles, quien luego de los elogios cosechados por Cidade de Deus (2002), se encargó de adapatar para la televisión Cidade dos Homens (2002 – 2005), una serie que tuvo cuatro temporadas exitosas, basadas siempre en el acreditado filme. No conforme con esto, cedió los derechos para que se hiciera una película que cargara el mismo título de la serie.

De que va. Narra las desventuras de Acerola y Laranjinha, dos amigos de toda la vida que viven en una de las fabelas más peligrosas de Río de Janeiro. Mientras dos bandos se disputan el control del cerro principal, estos chicos intentaran hallar quienes fueron sus verdaderos padres y se verán envueltos en más de un tiroteo.

Al hueso. Como un paria sin destino o una liendre sin cuero, Cidade dos Homens pretende sacar algún rédito de la exitosa Cidade de Deus, de Fernando Meirelles. Así, se vende como una continuación, derivación o cualquier otro cordón que la ligue a su antecesora. Pero el techo le queda demasiado alto y al no poder alcanzarlo, se dedica a dar pequeños saltos en el lugar, para intentar llenar el tiempo con una violencia estilo CNN y postales Made in Rio.

El gran tropezón llega por el lado de sus personajes, quienes carecen de la profundidad y la ambigüedad moral de los anteriores. Caracterizaciones tibias, sin picardía, puro material de exportación. Como si el director intentara comunicar al mundo que “los brasileros son derechos y humanos”.

En definitiva. Un filme para mirar sin ver, como esas novelas de la tarde en donde de antemano, se sabe como van a terminar.
Score: 4/10

SEGUIR LEYENDO...

Generación Beat (intro)

La generación beat (o simplemente los beatnik) fue uno de los movimientos literarios más influyentes en la historia de los Estados Unidos, en la década del 40. Del útero de esta bohemia oriunda de la cuidad de San Francisco (¿franciscano? Sería el adjetivo), nació el hippismo y el concepto de contracultura, como tradición de resistencia intelectual.

Su evangelio formativo se caracterizaba por desplazamientos kilométricos entre varios estados, el uso de drogas para vulnerar la conciencia, las parrandas sin intervalos diurnos, una desprejuiciada libertad sexual y un sistema de escritura automática, que guardaba muchas similitudes con el Surrealismo. Su objetivo era desmantelar los valores puritanos del americano aristócrata (que se engloba bajo las siglas W.A.S.P., por White, Anglo-Saxon Protestant).

El grupo fundador estaba constituído por Jack Kerouac, Neal Cassady, William Burroughs, Herbert Huncke, John Clellon Holmes y Allen Ginsberg. En 1948 se unieron Carl Salomon y Philip Lamantia; en 1950 Gregory Corso; y en 1954 Lawrence Ferlinghetti y Peter Orlovsky. Las obras canónicas de este movimiento son: “En el camino”, de Jack Kerouac y Aullidos, de Allen Ginsberg, que fueron adoptados como un símbolo universal de la libertad total.

El video, filmado en el café literario City Light, en pleno barrio italiano de San Francisco, era el punto de encuentro obligatorio para todos los beatniks. El mismo, es una charla debate entre Allen Ginsberg y Neal Cassady, dos de sus miembros originarios.

SEGUIR LEYENDO...

NUEVE POR TRES

TITULO: Los nueves

ORIGINAL: The Nines

ESTRENO: (sin fecha en Argentina)

ORIGEN: Estados Unidos

AÑO: 2007
GENERO: Ciencia ficción

DURACION: 99 minutos

DIRECTOR: John August
REPARTO: Ryan Reynolds, Hope Davis, Elle Fanning, Melissa McCarthy, David Denman, Sean Andrews, Ellen Treanor.
GUIÓN: John August
MÚSICA: Alex Wurman
FOTOGRAFÍA: Nancy Schreiber
WEB OFICIAL: www.lookforthenines.com

Antecedentes. Los pases de guionista a director son más frecuentes de lo que uno puede suponer. Y John August no es ninguna excepción. Fue guionista de Tim Burton en “Charly y la fábrica de chocolate” (2005), “Big Fish” (2003) y compuso las letras de “Corspe Bride” (2005). Ahora se largó sólo y para ver como se desenvolvía, le entregaron un moderado presupuesto y figuras de segunda línea. Por lo visto, se puede afirmar que aprobó el examen y en un futuro, lo veremos en un reto mayor.

De qué va. Tres historias con un mismo protagonista que se van mezclando en forma paralela, llegando a cuestionar el sentido de la realidad.

Al hueso. Si uno quisiera ser determinante, podría concluir que el filme es una mezcla entre “Lola Rennt” (1998) y “The Truman Show” (1998). La pregunta es ¿puede salir algo interesante de esta mezcla? La película fraccionada en tres sectores, adhiere a la idea hegeliana de un pasado finito (lo que sería la tesis o primer acto) que se funde con futuro infinito (antítesis o segunda parte) y de la fundición de los extremos surge el presente o el todo (que haces las veces de una síntesis continuamente emergente).
La primera media hora arranca con toda la vitalidad. Uno piensa, si esto sigue así, estamos ante una obra de considerable valor. Pero la segunda parte empieza a perder fuerza y termina por hundir al espectador en el fondo de la butaca. Para el cierre vuelve a recobrar la marcha, pero no es lo suficientemente convincente como para recuperar el agotamiento que causó el entreacto.

En definitiva. Una historia que intenta algo diferente a los modelos convencionales. Con una idea filosófica que cuestiona la existencia y la posibilidad de un dios. Muy entretenida y con la dosis justa de intriga.
Score: 7/10

SEGUIR LEYENDO...

Cubo mágico de Pinhead

Ingeniosa publicidad de PlayStation 2. Los principistas podrán argumentar que con un Photoshop y algo de técnica se puede lograr cualquier barbaridad, y es cierto. Pero hay que estar tronado, para imaginar esta situación digna de Hellraiser o el cubo mágico.

SEGUIR LEYENDO...

Saludando a Oscars (parte I)

Cualquier persona sensata sabe que los premios Oscar constituyen un circo globalizado que funciona como una promoción directa de sus manufacturas, en este caso, las películas. También se sabe que los televidentes están cada vez más preocupados por el vestido de quienes desfilan por la pasarela, que por el contenido de los títulos en competencia. Prueba de esta decadencia es que la ceremonia -otrora todo un acontecimiento familiar- ya no se transmite más por canales de aire y se disputa un bocado de puntos en la despiadada grilla del cable.
Pese a todas estas consideraciones adversas, un breve recorrido por los principales títulos en competencia.*

Películas:
Expiación, deseo y pecado (o simplemente “Atonement”)
Aburrida de principio a fin. Se podría calificar como la paradójica historia sin historia. A Keira Knightley, como ocurrió con la insulsa Scarlett Johansson, mejor guardarla por un tiempo, porque cansa verla en todos lados.

Juno (“La vida de Juno”. Nunca la van a dejar tal cual es) Comedia de situaciones muy lavada, que a los diez minutos empieza a desteñir. Su virtud (o acaso su traspié) no llega a emocionar ni tampoco a mover una sonrisa. Ideal para ver un sábado a la tarde con los chicos, en casa, por supuesto.

Michael Clayton (idem) Está bien. Pero nadie va a recordar de que se trataba al salir del cine. El argumento….este… Georgeo Clooney, en fin.

Sin lugar para los débiles (“No country for old man”) La más prometedora de todas. Vuelven los mejores Cohen, esos de Simplemente sangre. Despiadados, salvajes, sin tregua y con esos finales al estilo Barton Fink (1991).

Petróleo Sangriento (“There Hill be blood”) La única que puede meter fuerza. Aunque todavía es una incógnita.

*N. del A. ¿Como se justifica semejante despliegue? La verdad es que no lo se.

SEGUIR LEYENDO...

PUERTO A LA MELANCOLIA

Confirmado, en abril Portishead (no confundir con la marca de ropa) edita su postergadísimo tercer disco en estudio; no olvidar que PNYC (1998) es en vivo y si bien los temas suenan diferente, no ofrecía material fresco.

Según el sitio oficial la placa se va a titular Third (es el tercero, como dije). Un dato a tener en cuenta, los chicos de Bristol están rodando por Europa y ese es un buen síntoma. Quien te dice que algún día la nave no aparece por Ezeiza y se quedan a tomar el té.

La pregunta que ronda las orejas de sus seguidores es si el trabajo estará a la altura de los anteriores o piensan hacer la fantochada Massive Attack: volver con un disco al estilo 100th Window (2003) que en lugar de acumular prestigo, resta credibilidad.

Es de turro admitirlo pero los pergaminos de Portishead vencieron hace tiempo y hoy, sólo cuentan para el recuerdo. Lo que implica que no pueden volver con el “raspadisco” o el gritito de conchunda que mete la Gibbons. Tienen que ensayar algo diferente y el sonido que logren, necesariamente, tiene que adaptarse a los códigos de esta generación.

Supongo que para rozar la gloria deberían hacer algo semejante a lo que Aloan hizo con Better In Springtime (2007), pero bueno, ya lo hizo Aloan. ¿O ahora graban con seudónimo? No me jodan.

SEGUIR LEYENDO...

El regreso de la montaña

TITULO: Crimen y lujuria

ORIGINAL: Lust caution (Se, jie)

ESTRENO: 13/03 (Argentina)

ORIGEN: Taiwan

AÑO: 2007

DURACION: 156

DIRECTOR: Ang Lee
REPARTO: Tony Leung, Joan Chen, Wei Tang, Lee-Hom Wang, Johnson Yuen, Chih-ying Chu, Anupam Kher

GUIÓN: James Schamus, Hui-Ling Wang (Historia: Eileen Chang)
MÚSICA: Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA: Rodrigo Prieto
WEB OFICIAL: http://www.deseo-peligro.es/

Antecedentes. Después del éxito de Secretos en la Montaña (Brokeback Mountain - 2005) Ang Lee muestra sus cartas. Lo más llamativo es el regreso del director taiwanés a oriente. Pero el tipo no se quiere casar con nadie y va mechando. Una en chino (Crouching Tiger, Hidden Dragon - 2000) por dos en gringo (Chosen - 2001, Hulk - 2003) y así parece que cierra la ecuación.

De qué va. Para el que no quiere profundizar en la trama, alcanza con saber que está basada en un relato corto de Eileen Chang (1920-1995), en donde se narra la conspiración para asesinar a un presunto colaborador de los japoneses, durante los años 40, tras la II Guerra Mundial. Cortito.

Al hueso. Por la ambientación parece un filme de Wong Kar Wai. Y no sólo porque la protagoniza Tony Leung (In the Mood for Love - 2000, 2046 - 2004) sino también por la lluvia que cae desde los techos, ese erotismo que humedece los cuartos, el deseo como naturaleza (diría Georges Bataille) y sobre todo, por la lentitud de la narración.
En líneas generales la historia es atrapante aunque utiliza demasiadas escenas para resolver una situación. Algo bastante grave si lo juzgamos desde una butaca occidental, que por cierto, fue “Mcdonalizada” por esa idea de rápido y sin demoras. Pero como esto es cine y no comida, el axioma puede no aplicarse.

En definitiva. Para ver con tiempo, si es posible en el cine y con ganas de disfrutar un relato áspero, que sacude con escenas de sexo fuerte, aunque sin golpes bajos, todo presentado con mucha elegancia.

Score: 6/10

SEGUIR LEYENDO...

Suscribirse a: Entradas (Atom)