MUNDO RODANTE

La ilusión es la medicina sanadora de los desamparados. Los infortunados se aferran a ella como el conquistador a sus medallas o el dormilón a su almohada, porque es la única riqueza terrenal que no se agota con el uso. De estas alegrías y otras desdichas trata el filme uruguayo El baño de mi papá, donde se describe con generosa sinceridad el valor del sacrificio.

No es casualidad que la película tenga dos padres rioplatense, uno es Enrique Fernández, quien baraja con pulso de tahúr la sensibilidad de un pueblo acostumbrado a la respetuosa oposición. El otro es César Charlone, que aporta la experiencia fotográfica recibida en Cidade de Deus (2002). Porque salvo cinco o seis actores profesionales, el resto son lugareños que jamás se plantaron frente a una cámara. El gran mérito es que lo hacen con total naturalidad, porque el papel que les tocó es el que representan diariamente con sus familias. En el oficio de los directores se descubre en la forma en que los personajes se dirigen a cámara y entablan diálogos con despreocupación, sin estar pendientes de aquel ojo omnisciente que fiscaliza sus gestos.

De qué va. Beto trabaja como bagallero: compra mercaderías en Brasil y las carga en bicicleta por 60 kilómetros para venderlas en su pueblo. Cansado de estos viajes agotadores, decide realizar el negocio de su vida para que él y su familia no pasen más penurias.

Al hueso. La historia nace en el año 1988, fecha en la cual el entonces Papa Juan Pablo II se traslada al Uruguay. Uno de los destinos previstos por el Sumo Pontífice es la ciudad de Melo, en el departamento de Cerro Largo, que limita con el Brasil. En un barrio de gente humilde, las esperanzas están depositas en aquella visita, como si se tratara de un mesías. Lo nobleza del relato residen en su enfoque casi ingenuo. Porque apreciado desde una lógica burguesa es casi absurdo imaginar que un Papa se encamine a una barriada periférica carente de atractivos y seguridad. Pero sus habitantes creen en los milagros y consideran aquella visita como una señal divina.

Quizás lo más provechoso que tenga El baño de mi papá sea la forma en la que los lugareños se relacionan con su entorno. Acaso sin proponérselo, recrean la esencia de una polis griega. Esta pequeña comunidad se presenta como una unidad política, social y económica autosuficiente, donde no existen relaciones de dependencia que aten a los trabajadores, gobernadores ni estadistas. Aunque sí hay una fuerza del orden que impone su autoridad sobre el resto. Mientras que el bar es una suerte de ágora en donde los hombres se sientan a deliberar asuntos regionales y filosofar sobre la carga de su existencia.

En definitiva. Una historia bella, contada magníficamente y aprovechando un paisaje que tiene la belleza de lo precario. Para disfrutar y reflexionar sobre la condición de los sueños.
Score 7/10

TITULO: El baño de papá
ESTRENO: sin fecha en Argentina
ORIGEN: Uruguay, Brasil y Francia
AÑO: 2007
DURACION: 97 minutos
DIRECTOR: Enrique Fernández y César Charlone
REPARTO: César Troncoso (Beto), Virginia Méndez (Carmen), Virginia Ruiz (Silvia), Mario Silva (Valvulina), Henry de León (Tica), José Arce (Nacente), Nelson Lence (Meleyo), Rosario Dos Santos (Teresa), Hugo Blandamuro (Tarta), Alex Silva (Gordo Luna), Baltasar Burgos (capitán Álvarez)
GUION: Enrique Fernández
MUSICA: Luciano Supervielle y Gabriel Casacuberta
FOTOGRAFIA: César Charlone
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EN FALSA ESCUADRA

La esencia de cualquier filme policial es lograr que el público se involucre en las investigaciones. Pero mantener la tensión no es nada simple. Para ello es necesario administrar las pistas con discreción, cosa de que no se descubra la trama en los primeros avances ni sea tan compleja que se pierda todo interés en seguirla. Como para que la experiencia sea aun más estilizada, Anamorph le agrega una mano de pintura extra al guión: el arte como asesinato.

La película de Henry Miller (cualquier coincidencia con el escritor, es pura casualidad) se apoya en una técnica de la perspectiva para mostrar que la belleza reside incluso en las mayores atrocidades. La anamorfosis es una disciplina usada en pintura que se basa en la deformación reversible de una imagen producida mediante un procedimiento óptico o matemático.

Una mirada un poco más presumida podría relacionar el arqueo de Anamorph con el concepto adorniano (léase Theodor Wiesengrund Adorno) de la autonomía en la obra de arte. Ya que en este caso, la dualidad artista/homicida se corresponde con alguien que crea un objeto social: arte/homicidio, que se relaciona primero con el resultado artístico y más tarde, con el propio sujeto, pero como un hecho cultural y no como una vulgar imitación de la existencia. La noción de belleza salvaje que plantea Miller, no está ligada a un goce estético, nacido de la exaltación de los sentidos, sino precisamente, a la oposición de lo que no es. A través de la afirmación de lo negativo se desemboca en lo nuevo, lo moderno, que a pesar de ser hermano de la muerte, es la única posibilidad de cambio para una sociedad acostumbrada al automatismo estético.

De qué va. El detective Stan se obsesiona con un criminal que mutila a sus víctimas y las convierte en objetos de arte inanimados. Para resolver este cuadro deberá recurrir a los fantasmas de su pasado, que regresan con todos sus tormentos al presente.

Al hueso. El principal desliz que comete Anamorph es que la historia se cuenta hacia adentro. Las dudas y conflictos por los que atraviesa el protagonista son de carácter existencial, por lo tanto, difíciles de asimilar. Las claves para descifrar sus padecimientos no abundan y cuando surgen, están recubiertas bajo la forma de enigmas aun más intrincados. Pese a todos estos cruces, el filme busca la complicidad del espectador para guiarlo por los pasadizos de la mente y en algunos momentos lo consigue. Pero claro, convegamos que no se trata de una trama comercial al estilo Se7en (1995), en donde la persecución y posterior castigo del psicópata es el hilo conductor. Si hubiera que trazar un paralelismo sería con Zodiac (2007), curiosamente, otro filme de David Fincher, donde la acción cede el lugar a la palabra para lograr un enfoque menos efectista y más especulativo.

En definitiva. Para quienes disfrutan de tramas complejas, donde el mínimo detalle puede ser el disparador de un crimen o bien, de su resolución. Con un elenco de buena factura, totalmente comprometido con el guión.
Score 6/10

TITULO: Anamorph
ESTRENO: sin fecha en Argentina
ORIGEN: EE.UU.
AÑO: 2007
DURACION: 103 minutos
DIRECTOR: Henry Miller
REPARTO: Willem Dafoe (Stan), Scott Speedman (Carl), Peter Stormare (Blair), Clea DuVall (Sandy), Amy Carlson (Alexandra Fredericks), Mick Foley (vendedor de antiguedades), Debbie Harry (vecina)
GUION: Henry Miller, Tom Phelan
MUSICA: Reinhold Heil, Johnny Klimek
FOTOGRAFIA: Fred Murphy
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PLANTAS SOCIALISTAS

Nadie sabe realmente de dónde provienen, incluso muchas personas ignoran por completo sus cualidades. Algunos científicos vinculan su origen con la antigua Unión Socialista Soviética, donde por casualidad, un biólogo y un ingeniero, mientras mantenían una conversación informal, se les ocurrió cruzar dos o más especies vegetales para obtener una que fuera resistente a todos los climas. Porque no hay duda de que si los trífidos fueran un producto de la evolución terrestre, se podría rastrear a sus predecesores.

Mientras la población mundial crece a ritmo vertiginoso, la producción de alimentos no da a basto para satisfacer las necesidades de todos. Lo que implica que cada vez es más complicado distribuir los recursos equitativamente. Según un informe de la ONU, en el año 1800 había 978 millones de personas, cincuenta años más tarde, el número subió a 1.262 millones y las cifras se potencian anualmente. Actualmente, en el planeta hay cerca de 6.700 millones de habitantes. El defasaje se produce no por una mayor cantidad sino porque se mueren menos individuos. El promedio de vida hoy en día es de 70/80 años, mientras que en 1800 no superaba los 40/50.

El primer gran potencial que se les descubrió a los trífidos es que de sus semillas se podía obtener un aceite más puro y nutritivo que el de oliva. Y el siguiente es que se podían injertar sus tallos con otras familias [ver imágenes trífidos] para obtener curiosos engendros botánicos. Ese fue el comienzo de una serie de hallazgos que parecen no tener fin. Así, pronto se supo que el filamento de sus hojas restituye la fertilidad a mujeres, porque sinergiza las glándulas endocrinas. Sus hojas pueden curan malaria, dengue, fiebre amarilla y cicatrizan las heridas más profundas en cuestión de horas. Basta con hervir sus raíces para que su jugo estimule la circulación sanguínea, mejore el metabolismo y optimice el funcionamiento del sistema cardiovascular. Además de prevenir la formación de colesterol y facilitar la eliminación de grasa corporal.

Son tan resistentes que crecen en el hielo, la tundra y los climas áridos, llegando a alcanzar la altura de seis metros en pocas semanas. El único inconveniente que se les atribuye es que han desarrollado extremidades para movilizarse por cualquier terreno. Para impedir su fuga, es preciso recortar aquellos tallos que asoman en la superficie. Además, si no se cosechan sus semillas periódicamente, los trífidos logran procesar un dardo venenoso que escupen a varios metros de distancia. En algunos laboratorios de Francia, Alemania y El Reino Unido, se está elaborando un antídoto para inmunizar a humanos y bestias, pero los resultados no son demasiado alentadores. Los trífidos constituyen un gran aporte al terreno de la nutrición y la salud, aunque no cualquier agricultor está capacitado para explotarlos. En algunas regiones asiáticas, se dictan cursos especializados para estancieros. Allí se aclara que los trífidos, no son recomendables para casas particulares o fincas controladas artificialmente.

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DE GUANTES BLANCOS

La curiosidad puede ser el motor de valiosos hallazgos o el pretexto para saborear rotundas decepciones. El germen de estas dos posibilidades está inmerso en el tejido de Funny Games US, una nueva versión que el propio Michael Haneke realizó de su clásico del año 1997. Y aunque en literatura es frecuente que se vuelva a publicar una obra “revisada por el autor” o que en cine se conozca una versión denominada “corte del director”, que un artista vuelva a filmar dos veces el mismo guión, es algo que en un principio resulta chocante y a largo plazo, despierta alguna intriga.

La ecuación a despejar era el cambio. Qué había quedado en pie y cuanto se actualizó del original. Pero para sorpresa de muchos y consuelo de unos pocos, el director austriaco volvió a dar la nota. Porque en lugar del habitual quita/pone, optó por una copia textual del metraje anterior. Lo que implica que salvo los actores, el resto no sufrió alteraciones aparentes.

La obsesión de Haneke, sólo comparable a la de su colega Stanley Kubrick, no reconoce fronteras y cuando decide imitar algo lo lleva hasta el límite de lo absurdo. No sólo utilizó una casa gemela, con el mismo portón de entrada, idéntica cocina y habitaciones, sino que también copió la música del comienzo y hasta los planos detalle de cada situación. Lo que se dice, un auto plagio perfecto. La pregunta que uno sale a buscar y no encuentra es ¿Cuál es el sentido de hacer dos veces lo misma mueca?

De qué va. Anna (Naomi Watts), George (Tim Roth) y su hijo Georgie (Devon Gearhart) se dirigen a la casa de veraneo a la que concurren todos los años. En aquel barrio de mansiones con embarcadero propio y pileta, los vecinos se conocen y todo es muy apacible. Hasta que unas visitas inesperadas se apersonan en la casa.

Al hueso. Si hubiera que encontrar un justificativo para una carga de infamia tan grande, se podría concluir que lo que se muestra en el filme no es lo que representa. El concepto subyacente es la conversión de los valores burgueses de familia y hogar, en pos de una sociedad cada vez más individualista y menos tolerante del prójimo. Este odio enajenado se materializa en el deseo de extirpar todo aquello que altere la propia intimidad. Pero la violencia no es real, porque sólo se manifiesta en el terreno de las ideas a través de la dualidad: intelecto – nervio. En esta suerte de ying yang que conforman Paul y su amigo Peter, funciona como los polos opuestos de la conciencia. Mientras Paul representa la perversidad de la inteligencia, Peter es la brutalidad dominada por la falsa conciencia. La mayoría de las veces, el entendimiento doblega a la fuerza y lo obliga a incurrir en pensamientos espeluznantes como ajusticiar al propio hijo o mutilar a la pareja.



Mucho menos pretenciosa, Haneke considera a Funny Games como una representación de la violencia en los medios de comunicación “la alienación es un problema muy complejo, pero la televisión está certeramente implicada en él. Nosotros, por supuesto, no percibimos ya la realidad, sino, en su lugar, la representación televisiva de la realidad. Nuestro horizonte de experiencias es muy limitado. Lo que sabemos del mundo es poco más que el mundo mediático, la imagen,” sostiene el director.

En definitiva. Sólo para aquellos que no vieron la original, con escenas de gran crudeza aunque sin violencia explícita, que en algún punto, se asemejan con los postulados de “La naranja mecánica”.
Score 7/10

TITULO: Funny Games US
ESTRENO: sin fecha en Argentina
ORIGEN: USA, Francia, Alemania e Italia
AÑO: 2007
DURACION: 111 minutos
DIRECTOR: Michael Haneke
REPARTO: Naomi Watts (Anna), Tim Roth (George), Michael Pitt (Paul), Brady Corbet (Peter), Devon Gearhart (Georgie), Boyd Gaines (Fred), Siobhan Fallon Hogan (Betsy), Robert LuPone (Robert), Susanne Haneke (cuñada de Betsy), Linda Moran (Eve)
GUION: Michael Haneke
FOTOGRAFIA: Darius Khondji
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SER O NO SER

El 9 de mayo de 1805 fue una tarde lluviosa en Weimar, una ciudad del Bundesland de Turingia en Alemania. Ese mismo día, moría el poeta, historiador, filósofo, dramaturgo y quien sabe cuántas cosas más, Friedrich Schiller, de una pulmonía causada por un severo cuadro de tuberculosis. Apenas 203 años después, la Fundación Clásicos de Weimar desistió de seguir buscando el cráneo auténtico, tras determinar que ninguna de las dos calaveras depositadas en la cripta real corresponden al literato.

La autopsia practicada unas horas después de su fallecimiento reveló que el pulmón izquierdo estaba completamente destrozado, al igual que los demás órganos internos. El bazo y la bilis exteriorizaban una substancial hinchazón y los riñones habían desaparecido por completo. La única pieza intacta fue el corazón, que no pudo resistir tanto esfuerzo. Según datan los cronistas de la época, se escuchó decir a uno de los galeno “es todo fango por dentro, este hombre debería estar muerto desde hace cien años”.

Esta disputa que lleva años, surgió porque Schiller fue enterrado en una fosa común en 1805 y, veintiún años después, se intentaron rescatar sus restos de una parva de cadáveres. La identificación se hizo a partir de la máscara de yeso que el artista Jagemann le hizo en el lecho de muerte, lo que redundó en una tarea innoble, pues la situación en la fosa era de "caos y podredumbre", como lo describió en su momento el alcalde de la ciudad, Carl Leberecht Schwabe.

Una versión menos fidedigna sostiene que en 1826, su amigo Johann Wolfgang von Goethe entró furtivamente a la Biblioteca Anna Amalia, donde en un principio, se alojaban los restos de Schiller y se hizo con su cráneo. Esta guapeza sólo se lo reveló al barón Wilhelm von Humboldt, que como no podía ser de otra forma, no supo guardar el secreto. De acuerdo a la confidencia de Wilhelm, Goethe empleó el cráneo para practicar algunas pruebas. Los huesos de Schiller se conservaron inicialmente en el osario del Jacobsfriedhof en Weimar. Se sospecha que actualmente el cráneo es hoy propiedad de los descendientes del autor de Fausto.

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OBJETO INALCANZABLE

La luna, aquel cuerpo radial armado de cuatro rostros, que disparó la imaginación de poetas y astrónomos, sigue velando su intimidad a la órbita de los hombres. En un intento más por transgredir su silencio atmosférico, una nueva exploración terrestre intentará dejar su huella en la superficie de aquel planeta. Pero la expedición, en lugar de plantar una bandera se propone multiplicar nombres.

Lo dicho no corresponde a un capítulo inédito del escritor Kim Stanley Robinson, sino a un hecho científico. Todas aquellas personas que por motivos personales no pudieron viajar hasta el citado astro, al menos podrán enviar su nombre para que rebote eternamente en la galaxia. Según reza el comunicado de la NASA, hasta el 2 de junio los interesados tendrán tiempo para sumar sus datos en el sitio “Send Your Name to the Moon”. El objetivo es quedar registrado en un microchip, el cual será colocado a bordo de la sonda LRO (Lunar Reconnaissance Orbiter). El vehículo espacial será lanzado a finales de este año, y estará dedicado a investigar la superficie y su entorno, para preparando la llegada de los astronautas.
Todos aquellos suscriptores, recibirán un certificado de agradecimiento por participar del proyecto. A la carga Barracas.

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AMO Y ESCLAVO

Por su exacerbada lealtad, el mayordomo es un personaje que captó la admiración del cineasta. Entre la obsecuencia y la codicia, estos fieles servidores del buen aristócrata están atentos al mínimo detalle y son capaces de cualquier sacrificio para cumplir con sus obligaciones. A la extensa lista de caracterizaciones hechas en la pantalla grande, se arrima Bernard and Doris, un filme que se apoya en una historia tan descabellada como real.

Desde aquel Hugo Barrett (Dirk Bogarde) de The Servant (1963), al James Stevens (Anthony Hopkins) de The Remains of the Day (1993), pasando por el Alfred de Batman, todos ejemplares del lacayo fiel. Y en algún punto, hacen honor a la tipificación hegeliana del amo y el esclavo. Quizás se cierto que la clave para entender este tipo de relaciones sea la lucha por la autonomía. Porque mientras el sirviente busca el reconocimiento del otro, el noble solo distingue en aquella figura circunspecta un reflejo de su propia muerte. La síntesis de esta dialéctica se completa cuando el casero vence el terror a la muerte y se convierte en dueño de su voluntad. Y cuando el noble, que no tiene nada que demostrar, encuentra alguien que pueda vivir por él.

De qué va. El relato está centrado en Doris Duke (Susan Sarandon), heredera del imperio tabacalero estadounidense American Tobacco Company, quien a los 13 años de edad, tras el fallecimiento de su padre, J. B. Buck Duke, se convirtió en la persona más acaudalada del mundo. Y en el polémico Bernard Lafferty (Ralph Fiennes) un doméstico considerado todo un aprovechador profesional.

Al hueso. Para lograr un filme interesante, se requiere una historia que merezca ser ilustrada y actores que no desluzcan su función. Bernard and Doris cumple estos menesteres sin excesos y con prudencia. El argumento, no por conocido, pierde algún atractivo. Incluso, hubo varias versiones, como aquella Too Rich: The Secret Life of Doris Duke (1999), protagonizada por Lauren Bacall y Richard Chamberlain, que está lejos de esta versión.

Acaso el mayor acierto de su director, el siempre sobrio Bob Balaban, es no intentar justificar a ninguna de las partes. En su lugar, dedicó su atención a explorar los pasadizos de una relación que escapa a los carriles convencionales, porque se maneja entre la devoción mutua y el deseo insatisfecho. Y como el dinero y las traiciones, vuelven a una persona tan solitaria, que termina por confiar únicamente, en su círculo de incondicionales. Y en lugar de apuntar con el dedo y recalcar que ella era una ninfómana insaciable y él un homosexual reprimido, mostró a Doris y Bernard como dos verdaderos compinches.

En definitiva. Tan alocada como cierta, con excelentes caracterizaciones, para ver y disfrutar, incluso, para quien sabe como termina.
Score 6/10

TITULO: Bernard and Doris
ESTRENO: sin confirmar
ORIGEN: EE-UU.
AÑO: 2007
DURACION: 105 minutos
DIRECTOR: Bob Balaban
REPARTO: Vincent Bagnall (chofer), Haig Dick (Buck Duke), Ralph Fiennes (Bernard Lafferty), Don Harvey (guardia de seguridad), James Rebhorn (Waldo Taft), Nick Rolfe (Ben Duffy), Susan Sarandon (Doris Duke)
GUION: Hugh Costello
MUSICA: Alex Wurman
FOTOGRAFIA: Mauricio Rubinstein
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NADA ES REAL

¿La realidad es igual para todo el universo o cada ser construye un mundo a semejanza de su imagen? Si nos atenemos a la definición psicoanalítica de la realidad dirá que “es aquello que parece ser”; para un científico será “existencia real y efectiva de algo”; mientras que para un esquizofrénico como Philip K. Dick “aquello que cuando dejamos de creer en su influencia, tampoco desaparece”.

En los noventa, con el auge de Matrix se puso en boga la idea de que todo es una ilusión óptica que nos impide aceptar las cosas tal y como son. En el filme se plantean dos tipos de existencia: la ilusoria y otra tangible. Pero esta alegoría no fue un invento de los hermanos Wachowski. 427 años antes de Cristo, Platón, en el VII libro La república, sugería a través del mito de la caverna, la existencia del mundo sensible (conocido a través de los sentidos) y el mundo de las ideas (solo alcanzable mediante la razón). Dos realidades para una misma visión.

Desde el costado más exacto, se puede argumentar que, para recibir información, el cuerpo humano se nutre de una fuente externa (los sentidos) y una interna (la memoria) ¿Pero qué ocurre cuando uno de estos canales emite una interpretación ambigua? Se produce una distorsión de la realidad. Las falsas percepciones pueden ser de carácter fisiológico, producto de una reacción química que se trasmite de los ojos al cerebro, como cuando nos encandila una luz potente. O de carácter cognitivo: cuando las vías del tren parece que se van uniendo a los rieles.

Para los neurólogos, el problema radica en cómo percibimos la realidad. Muchos especialistas sostienen que las imágenes que recibimos, son una adaptación de los sentidos, que construye en nuestra mente una aproximación de lo que nos rodea. La causa de esta disociación se debe a una imperfección en nuestro sistema sensorial. Porque el mundo tridimensional es procesado en dos dimensiones por nuestro cerebro. Y, al no poder reproducir con exactitud los objetos del entorno, el sistema visual deber recurrir a trucos para percibir el ancho, el alto y la profundidad.

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NI EL TIRO DEL FINAL

Hay personas que pueden sobrellevar la carga más pesada sin la menor animosidad y otros, a quienes el peso de sus determinaciones les impide avanzar en línea recta. No es que el primero sea superior al otro, simplemente, aprendió que para ser feliz hay que saber olvidar. Parte de este experiencia se despliega en Klopka, un filme de origen Serbio.

La historia pone sobre el tablero la siguiente pieza metafísica ¿somos capaces de asesinar? Y para resolver este acertijo elige al hombre más bondadoso del universo y lo enfrenta a una situación irreversible. Este individuo deberá decidir qué es más importante para su bienestar, hacer aquello que le dicta la conciencia o seguir los impulsos de su corazón.

El director Srdjan Golubovic, que no desconoce la belleza de la melancolía y la desesperación de los planos cerrados, va guiando al espectador por un callejón de interrogantes filosóficos y dudas existenciales. Algunas, serán resueltas con despojada sinceridad, otras, permanecerán vacantes para que cualquiera pueda tomarlas y resolver estas adivinanzas en el asiento de su memoria.

De qué va. Mladen, su esposa Marija y su hijo Nemanja conforman una familia pobre pero dichosa. El trabaja en la construcción, ella es maestra en un colegio y con eso les alcanza para seguir adelante. Pero la vida les tendrá reservada una ingrata sorpresa y cada uno, la enfrentará a su manera.

Al hueso. Klopka (aka The Trap) puede ser visto como un policial negro ambientado en la Serbia post Milosevic. Y, aunque en Belgrado no existen muros físicos que separen a la población, la diferencia entre ricos y pobres, define el panorama político de aquella región. De un lado, las personas honestas, que no tuvieron la oportunidad o la ferocidad necesaria para soñar con la riqueza. Y en la zona residencial, la dirigencia corrupta que sólo piensa en el poder y en no descuidar sus espaldas, porque alguien más codicioso puede estar tras sus logros.

El filme plantea con inteligencia que en la Serbia actual, una clase no puede existir sin la otra. Porque constantemente, estas dos realidades antagónicas se cruzan. Lo que da como resultado la violencia, pero también la generosidad y el orgullo. Como en un juego de dados, en algunos pasajes Klopka se demora varios turnos para hacer su movida y en otros, saltea varios casilleros de golpe. Engañosamente calma como el mar al anochecer.

En definitiva. Con un inicio atrapante, un desarrollo pausado y un cierre de gran idealismo, sirven para coronar una historia bien contada, con diálogos ingeniosos y buenas actuaciones.
Score 6/10

TITULO: La trampa (The trap)
ORIGINAL: Klopka
ESTRENO:
ORIGEN: Serbia-Alemania-Hungría
AÑO: 2007
DURACION: 106
DIRECTOR: Srdjan Golubovic
REPARTO: Nebojsa Glogovac (Mladen), Natasa Ninkovic (Marija), Miki Manojlovic (Kosta Antic), Anica Dobra (Jelena), Bogdan Diklic (Dr. Lukic), Vojin Cetkovic (Vlada)
GUION: Melina Pota Koljevic, Srdjan Koljevic, Nenad Teofilovic
MUSICA: Mario Schneider
FOTOGRAFIA: Aleksandar Ilic

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NAUFRAGIO EMOTIVO

Encontrar el punto justo en una comedia dramática requiere el mismo criterio que para coordinar un plato elaborado. Si le falta sabor o le sobra emoción, todo se va al tacho, porque el paladar de los comensales tiene su punto de sensibilidad. A esta prueba de sabores se enfrenta P.S. I Love You, una historia con envoltura de simpatía y corazón de llanto.

Si hay un recurso que este filme sabe manejar con prudencia son los tiempos del amor y las adversidades. Aunque en algunas escenas estos sentimientos se mezclan, nunca llegan a superponerse. Lo cual es un gran mérito, porque hay momentos para reír, otros para entristecer y en la distancia que separa la delicia del suspiro, se corre una cortina de situaciones neutras. Como para que nadie salga escurriendo el pañuelo ni agarrándose la panza.

Además de un elenco que sabe jugar con los gestos y conoce al dedillo el decálogo de la novela rosa, detrás de ellos hay un director como Richard LaGravenese, que cierra el ángulo para que no se filtren los golpes bajos o el romanticismo de salón. Un detalle de agradecer son los diálogos, que no intentan subestimar al espectador ni tampoco hacerlo sentir que para disfrutar de la trama, hay que manejar un código doméstico.

De qué va. Desde hace nueve años que Holly está en pareja con Gerry, un joven irlandés muy entrador. Mientras hacen planes para tener hijos y mudarse a una casa más grande, el muchacho fallece inexplicablemente. Holly deberá rehacer su vida con la ayuda de sus amigas y también, con el apoyo de Gerry.

Al hueso. Hay fórmulas de manual que nunca fallan y aunque todos las conocen, no son tan simples de llevar a la práctica. Una de las máximas indica que para despejar la tormenta de melodrama nada como un chiste a tiempo. Pero lograr un gag efectivo no implica burlarse de los defectos ajenos, escarnecer al más débil o abusar del humor escatológico. P.S. I Love You logra colar algunos gags memorables, que sin ser ofensivos, divierten. Como cuando Lisa (Denise Hennessey) encara a todos los hombres solteros de una fiesta y con una sonrisa sugestiva les pregunta ¿estás casado? ¿sos gay? ¿tenés trabajos? El problema que no todos cumplen estos requisitos y la ex Friends, termina por huir despavorida.

El punto más flojo, porque convengamos que siempre los hay, es la música. La banda de sonido está muy mal aprovechada. La correcta elección de un tema asociado al contexto podría haber potenciado el efecto amor/ tragedia/furor. Pero en lugar de instalar un hit en las múltiples situaciones en donde los personajes cantan o escuchan discos, escogieron tracks que debilitan la ambientación, no aportan ninguna sensación y pasan desapercibidos. Qué va hacer, nadie es perfecto.

En definitiva. Una historia para disfrutar sólo o en pareja, con buenas actuaciones y la delicadeza necesaria para divertir y lagrimear.
Score 7/10

TITULO: Posdata te amo
ORIGINAL: P.S. I Love You
ESTRENO: 28 de febrero (en Argentina)
ORIGEN: EE.UU
AÑO: 2007
DURACION: 126 minutos
DIRECTOR: Richard LaGravenese
REPARTO: Hilary Swank (Holly Kennedy), Gerard Butler (Gerry Kennedy), Lisa Kudrow (Denise), James Marsters (John McCarthy), Jeffrey Dean Morgan (William), Gina Gershon (Sharon McCarthy), Kathy Bates (Elizabeth), Dean Winters (Tom), Harry Connick Jr. (Daniel Connelly)
GUION: Richard LaGravenese y Steven Rogers; basado en la novela de Cecelia Ahern
MUSICA: John Powell
FOTOGRAFIA: Terry Stacey
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CON ACENTO FRANCES

Será porque resulta simpático echarle la culpa de todo a la modernidad o porque el inglés se convirtió en un referente lingüístico, que la chanson francesa fue perdiendo parte de su pelaje. Una de sus exponentes contemporáneas es la áspera Camille, que acaba de grabar un nuevo disco íntegramente en inglés. Pero si la globalización te quita, algo a cambio también te da. La influencia del género se hace sentir en otras artistas, como Adele, la joven promesa del Reino Unido, o la recuperada Madita, que desde Austria dispara con Too.

Pero volviendo a Camille, quien cobró notoriedad por ser una de las integrantes del groupe Nouvelle Vague, que se dedica a desempolvar versiones ajenas para agregarles un toque francés. Pero cuando está sola, la enigmática Camille Dalmais logra colar una tajada de sol en un día de lluvia y con su vanidad, ventilar la transpiración del verano. Y si hasta aquí no hizo más que llenar al mundo con promesas que nunca se concretaban, en Music Hole (2008) su tercer trabajo en estudio (hay un cuarto en vivo) logra definir su identidad musical y dejar de lado esa tibieza de exegeta que mostró en sus discos anteriores. A mitad de camino entre lo experimental, la canción naïf y la electrónica, la cantante ofrece una combinación de sabores intensos.

Como para cautivar al oyente más reacio, el disco arranca con la soltura de Gospel With No Lord, una pequeña muestras de lo que vendrá y sin dejar que la melodía se atragante, salta a la bossa nova de Canards SAuvages. Pero al experimentar cierta comodidad y pretender anticipar las intenciones musicales del intérprete, en The Monk, Camille mete el primer cambio de marcha, donde incursiona en la opera clásica y paso siguiente, en Money Note, desorienta con un mantra bursátil. Acaso la mejor combinación de tonalidades se logre en Katie's Tea, un track con un final de película. Un disco para escuchar sin ser visto, una sinfonía para ver sin ser escuchado.

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SIN PALABRAS

Al momento de escoger un filme, el espectador pone en juego una serie de variables. En esta elección hay gran cuota de intuición, una parte de esperanza y una ciega confianza que avala esta decisión. Muchas veces, esta apuesta sorprende por lo inesperado y otras, no hace más que confirmar un mal pálpito. Si alguien trazó un pronóstico para ver Untraceable, lo mejor es que evite la influencia de estas líneas.

Que hubiera sucedido si al siniestro Jigsaw (Saw, aka El juego del miedo) un alma caritativa le hubiera enseñado los secretos informáticos para controlar sin ser visto. Respuesta. El resultado sería Untraceable. Un filme carente de toda aspiración estética, cuya única ambición es empañar con sangre, la imperfecta visión de los adolescentes. La especulación que habita en cada fotograma es, si Saw (2004/5/6/7) estiró sus atrocidades a cuatro filmes consecutivos, pudo ganar plata y tiene miles de seguidores, porque no hacer uno que sin ser idéntico, al menos, resulte parecido.

De qué va. Un departamento del FBI que se dedica a detectar fraudes informáticos se enfrenta con un psicópata que opera a través de la web y es imposible detectar sus movimientos.

Al hueso. Pero no todo está perdido. La primer media hora ofrece cierto suspenso, combinado con algunas gotitas de intriga. Pero lo que se presentaba como un filme convencional aunque entretenido, se viene abajo y de los escombros, nace una parodia al género de horror, que no aporta nada original y encima se apropia, sin pedir permiso, de los recursos más convencionales.

Uno puede tolerar que en el filme se muestre un baño de sangre si a cambio, se le hace entrega de un argumento inteligente, con situaciones de tensión y dramatismo. Ahora, si la carnicería llega escoltada por las incoherencias más desopilantes, no hay justificativo que la salve del fuego. Como para entender esta burla al espectador, imaginemos que el maniático está acorralado en una habitación sin ventanas. Llega la policía y cuando abre la puerta, el cuarto está vacío. Uno supone que la fuga va a tener una explicación, pero no. Desapareció. Y sí, la pregunta que cualquiera se haría mientras bajan los títulos es ¿por qué la elegí? Vaya a saber.

En definitiva. Una verdadera pérdida de tiempo, ideal para ver en el cable, un viernes a la noche, mientras se prepara una cena romántica.
Score 3/10

TITULO: Untraceable
ORIGINAL: Sin rastro
ESTRENO: 24 de abril (en Argentina)
ORIGEN: EE.UU
AÑO: 2008
DURACION: 100 minutos
DIRECTOR: Gregory Hoblit
REPARTO: Diane Lane (Jennifer Marsh), Billy Burke (detective Eric Box), Colin Hanks (Griffin Dowd), Joseph Cross (Owen), Mary Beth Hurt (Stella), Daniel Liu (Tom Moy), Perla Haney-Jardine (Annie), Peter Lewis (Richard Brooks), Chris Cousins (David Williams), Brynn Baron (Sra. Miller)
GUION: Robert Fyvolent, Mark R. Brinker y Allison Burnett
MUSICA: Christopher Young
FOTOGRAFIA: Anastas Michos
SITIO OFICIAL

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TORMENTA DE IDEAS

Muchos consideran a la escritura como el arte de la soledad. Será porque la concentración está asociada al aislamiento o porque los grandes escritores cultivaron el destierro voluntario. Para revertir este concepto bizantino, un grupo de cinco pensadores italianos asociaron sus ideas para dar forma a Wu Ming: la primer escritura colectiva de masas.

Pero la noción Wu Ming (según su pronunciación en mandarín, puede significar “cinco nombres” o “anónimo”) va mucho más allá de una ruptura con la individualidad del intelecto. Aunque estos boloñeses se dedican a publicar Best Seller, son partidarios de promover la guerrilla comunicativa y el sabotaje cultural. Su reclamo apunta a una libertad de expresión absoluta y a privilegiar la importancia de la obra sobre el reconocimiento de quien la produce.

En consecuencia con esta postura, sus libros están enmarcados bajo la ley del Copyleft. Es decir, que se permite apropiar del contenido del mismo, siempre y cuando se cite a la fuente y no guarde fines comerciales. Por eso, mucho de sus textos se pueden leer gratis en diferentes páginas. Incluso, tienen un sitio oficial en español con varias traducciones libres de su obra.
En varias entrevistas, lo Wu Ming se promocionan como "un laboratorio de creaciones literarias". Entre sus logros se cuenta la invención de un género titulado “la novela histórica”, cuyo objetivo es una reconstrucción tan detallada de época que el personaje de ficción termina por convertirse en un ente real. Uno de sus expresiones más celebradas es aquella que sostiene que "las historias son hachas de guerra que hay que desenterrar".

El colectivo Wu Ming se dio a conocer en el año 2000, con la novela Q, que firmaron bajo el mote colectivo de Luther Blisset. Este nombre, hace referencia a un jugador de fútbol jamaiquino, que a principio de los ochenta pasó por el club AC Milán. Por mera simpatía o consonancia lingüística, el movimiento cultural europeo se apropió del nombre Luther Blissett y lo utilizó como un seudónimo para suscribir acciones ligadas a la estética o la política.

Ya en 2003, y bajo su actual designación, publicaron 54. Este año regresaron con Manituana, primera entrega de una trilogía sobre la Revolución Norteamericana. Además, son coautores de la autobiografía de Vitaliano Ravagli, antifachista y veterano de las guerras de liberación en Indochina ("Hachas de guerra", Tropea, 2000) y de Esta revolución no tiene rostro. Y aunque el nombre verdadero de estos letrados no es ningún secreto(Roberto Bui, Giovanni Cattabriga, Luca Di Meo, Federico Guglielmi, Riccardo Pedrini) públicamente, prefieren darse a conocer como Wu Ming 1, 2, 3, 4 y 5. Que así sea.

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ENTRE CANIBALES

Quizás uno de los proverbios más coreados por el común de la gente, sea aquel que dice “no hay mal que por bien no venga”. En esa máxima del optimista, que encuentra un consuelo aun en las circunstancias más desgraciadas, se mira The Savage, un típico producto del cine independiente norteamericano, con un guión bien elaborado y convincentes actuaciones de sus figuras.

Uno de los grandes méritos que tiene el filme es la sinceridad. Gran parte de la responsabilidad cae sobre de la directora Tamara Jenkins, que siempre tuvo en claro que es lo que se iba a contar y como. Luego de algunos cortos (Family Remains 1993) que revelaron su talento para captar conflictos filiales, en su segundo largometraje, (Slums of Beverly Hills – 1998 fue el debut) Jenkins vuelve a ofrecer un nuevo enfoque sobre las relaciones familiares disfuncionales. Aunque tampoco es cuestión de olvidarse de Alexander Payne, quien sin duda habrá aportado su experiencia en la caracterización de personajes bonachones (Sideways -2004) y los complicados reveses en las relaciones humanas (Election - 1999).

De qué va. Los hermanos Savage son dos intelectuales que deben enfrentar una carga que nunca hubieran imaginado: hacerse cargo de un padre senil, con el que nunca los unió una gran relación.

Al hueso. The Savage confecciona uno de los retratos más convincentes de una sociedad individualista, donde los problemas personales están siempre por delante de los ajenos. En esa exacerbación del egoísmo, es inadmisible que alguien vaya a dedicarle su tiempo a otra persona, ni mucho menos, concederle algún favor ocasional. Y cuando no queda más remedio, porque se trata de un familiar directo, el proceso se debe cumplir rápido y sin vuelta. Para que termine cuanto antes.

La historia sobrevuela una segunda trama, que es una consecuencia inmediata de la primera. ¿Qué hacer con los octogenarios? En el modelo actual de belleza, el principal mecanismo de seducción no es la hermosura sino la eterna juventud en lo físico y mental. Y como nadie anhela envejecer, enfrentarse a un anciano es exponerse a la fuente del contagio. Es aceptar que somos humanos y vamos camino a la muerte. Lo que no sospechan los hermanos Savage es que en realidad, no están cuidando a su padre, sino a ellos mismos. Están perdidos de tanto materialismo acumulado, de esa soledad que los convirtió en seres hoscos, sin amor, que no soportan el dolor del otro, porque creen que con el suyo es demasiado. Pero la vida siempre sorprende, incluso, cuando sólo queda una vuelta de página para terminar el capítulo.

En definitiva. Para ver y reflexionar, sin golpes bajos, con algunos toques de humor, yendo directo al problema, sin escalas ni intermediarios.
Score 7/10


TITULO: La familia Savage
ORIGINAL: The Savages
ESTRENO: 1º de mayo (en Argentina)
ORIGEN: EE.UU.
AÑO: 2007
DURACION: 113 minutos
DIRECTOR: Tamara Jenkins
REPARTO: Laura Linney (Wendy Savage), Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), Philip Bosco (Lenny Savage), Cara Seymour (Kasia), Peter Friedman (Larry), Gbenga Akinnagbe (Jimmy), Tonye Patano (Srta. Robinson), Guy Boyd (Bill), David Zayas (Eduardo), Debra Monk (Nancy Lachman)
GUION: Tamara Jenkins
MUSICA: Stephen Trask
FOTOGRAFIA: Mott Hupfel
WEB OFICIAL: http://www.lafamiliasavages.es/

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EL ACTO EN CUESTION

Desde que el artificio se estacionó en un rincón oblicuo a la realidad (algo que los especialistas apellidan minimalismo) es que el arte se convirtió en una razón de artistas. Y desde que el vacío puede ser vestido de vanguardia y gozar de un aplauso sin palmas, se instaló la decadencia. Una cifra más en la muerte anunciada del artista tuvo lugar estos días en Alemania.

La crónica del matutino Rheinischen Post destaca la curiosa visión de Gregor Schneider, un esteta cultural cuya mayor ambición es exponer en un museo, a una persona moribunda y erradicar así, uno de los últimos tabúes sociales.
Este ilustrado teutón de 39 años, en declaraciones exclusivas al diario Die Welt manifestó que "la muerte y el camino hacia ella son desgraciadamente hoy en día un sufrimiento”. Por eso, su intención es mostrar la belleza que hay en lo sin vida.

Sin que el repulgue mandibular oscile con sus inflexiones orales, el artista aclaró, para que celebridades de la talla del Canibal de Rotemburgo no se apersonen en la muestra “la puesta se va a desarrollar con el consentimiento de los allegados de la víctima”. Pero como sabe que nadie querrá asumir semejante riesgo, redobló el monto y si ningún museo acepta la propuesta, podría usar su casa en la ciudad de Mönchengladbach para el acto en cuestión. Y para demostrar que voluntad no le falta, ya encontró un nombre para la instalación: Das Tote Haus Ur (algo así como "La hora de la muerte"). Que actitud más optimista.

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