JUSTICIERO MALDITO

Deben existir pocas figuras provenientes del cine clase B que gocen del prestigio y la reputación del señor Bruce Campbell. La especialidad de este cazador de mutantes son las comedias de terror, género al que consagró gran parte de su carrera cinematográfica. Pero que los filmes hayan sido de bajo presupuesto no implica que la historia también lo sea. Incluso, algunos títulos como la trilogía The Evil Dead (1982, 1987, 1993) que lo tuvo como protagonista, es considerada en todo el mundo una obra de culto por su mezcla de sangría diabólica y situaciones inverosímiles.

Si hay algo para reconoce de este actor es que en lugar de convertirse en una estrella polirubro prefirió conservar su estilo histriónico y el bajo perfil en el cartel. Además de trabajar junto a Sam Raimi en Evil Dead I y II, más Army of Darkness (acá Noche Alucinante y El Ejército de las Tinieblas) brilló en Bubba Ho-tep (2002) donde interpretaba a un émulo de Elvis internado en un hospicio, que se enfrenta a un mal ancestral. Su estreno más reciente es My Name is Bruce (2007) donde deberá liberar a un pueblo de una legión infernal.

El hombre con el mentón acordonado tuvo varias apariciones fugaces en las tres películas de Spider-Man, hizo el papel de un demonio en el episodio de The X-Files "Terms of Endearment, en Escape from L.A. (1996) de John Carpenter se calzó la mascarilla del cirujano plástico y dio la cara en varios filmes de los hermanos Cohen. También, prestó su voz para algunos videojuegos.

Como todo actor que no acepta las reglas de la industria, padeció el rechazo y la arbitrariedad de los productores. En un principio, su amigo Sam Raimi lo había elegido para protagonizar Darkman (1990) pero a último momento, el estudio decidió sacarlo del medio y darle el papel al desabrido Liam Neeson. Algo semejante le ocurrió con The Phantom (1996) donde fue relegado por el galán de entonces, el hoy ignoto Billy Zane.

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LA DECADENCIA DEL IMPERIO

No por repetitivas, las escenas que pinta Terry Rodgers dejan de tener una fuerte crítica social. Este artista figurativo se encarga de retratar en grandes lienzos y con llamativos colores, la decadencia de la burguesía norteamericana. En sus pinturas al óleo, la desnudez del cuerpo forma parte de un paisaje tan característico como los vasos a medio llenar o los collares que penden de cuerpos esculturales. El observador de la obra es también una suerte de vouyear al que se le abren las puertas de una mansión en donde se celebran los excesos. Bienvenidos, la función está por comenzar. Aflojen sus cinturones.

Incluso, en algunas obras, el erotismo desinhibido se presenta como parte de un compromiso social más que como un rito de amor colectivo. Los rostros de hastío e indiferencia de la W.A.S.P. (acrónimo de White, Anglo-Saxon and Protestant) y su entorno de influencias, no hacen más que reflejar el desencanto de aquellos individuos cuyo porvenir es como una línea constante en el horizonte.

Es el propio Rodgers quien sostiene “Mi esperanza es que al final, estas pinturas muestren seres humanos genuinos, frágiles, que intentan proyectar algunos de sus temores. Cada uno de ellos es único en su extensa individualidad -en sus cabellos, sus ojos, sus labios, sus manos- y todos; independientemente el uno del otro, pelean y luchan encontrando soluciones simples superficiales, escapes efímeros a las adivinanzas eternas de la conciencia”.

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AL BORDE DEL KO

Como es verdad que las apariencias engañan y no siempre lo que brilla es oro, la sumatoria de distinciones acumuladas por un filme -más los elogios de una crítica cómplice- hacen que muchas veces el espectador se sienta en desnivel. Porque lo que vio en la pantalla no se condice con las expectativas que la industria generó en los meses previos a su estreno. Mientras hace un bollo con la entrada y la arroja a un tacho, piensa que el desarrollo escapó a su entendimiento. Y que la culpa fue suya por no haber captado el mensaje del director. Algo de esto ocurre con The Wrestler, una película que navega con viento a favor en todos los festivales en los que participa, pese a que la embarcación no es apta para surcar aguas profundas.

Tanto el guión como la dirección estuvieron a cargo de Darren Aronofsky, un tipo súper respetado con un estilo muy personal. Pero a diferencia de sus trabajos anteriores (Pi - 1998, Réquiem por un sueño - 2000) donde la trama era quien daba sentido a los personajes; en esta oportunidad se da a la inversa: el placer está más en la contemplación que en la acción. Incluso, llama la atención que en las casi dos horas de metraje no aparezca un sólo villano. Pero pudo haber sido peor. El papel protagónico fue concebido para Nicolas Cage y a último momento lo reemplazó Mike Rourke.

De qué va. Randy “El carnero” Robinson (Mickey Rourke) es un luchador que durante los ochenta conoció la gloria. Pero en la actualidad, su vida está en decadencia y su única compañía es Cassidy (Marisa Tomei) una bailarina de lap-dance.

Al hueso. En su concepción, The Wrestler, tiene demasiados puntos en contacto con Rocky Balboa (2006). En ambos casos, los protagonistas fueron celebridades que pasaron al olvido y para sobrellevar esta desdicha viven añorando el pasado. Pero mientras el filme de Sylvester Stallone mezcla en partes iguales la melancolía con la emoción, en el caso de Aronofsky, el único estímulo es la ternura que pueda despertar Randy. Y aunque es verdad que algunas veces logra conmover con sus actitudes de niño adulto, hay otras que producen indiferencia. Lo que termina resultando demasiado insustancial.

Y si bien es meritoria la angustia y el aire romántico que Mike Rourke le imprime al luchador, también en cierto que es el mismo papel que vino desempeñando a lo largo de toda su carrera. Quizás, los años de frustración y las semejanzas con la realidad del actor, hayan logrado más un reflejo autobiográfico que una verdadera interpretación. Lo que no deja lugar a dudas es que en The Wrestler logró su actuación consagratoria, aquella por la que será recordado por muchos años.

En definitiva. No es una película insostenible, aunque tampoco una obra maestra. Simplemente, intrascendente. Se puede ver y olvidar con la misma facilidad con que se cambia de canal.
Score 5/10

TITULO: El luchador
ORIGINAL: The Wrestler
ESTRENO: 19 de febrero, en la Argentina
ORIGEN: Estados Unidos
AÑO: 2008
DURACION: 115 minutos
DIRECTOR: Darren Aronofsky
REPARTO: Mickey Rourke (Randy Robinson), Marisa Tomei (Cassidy), Evan Rachel Wood (Stephanie), Ernest Miller
GUION: Darren Aronofsky y Scott Franklin
MUSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFIA: Maryse Alberti
MONTAJE: Andrew Weisblum
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LISTA CANTADA

Siguiendo la metodología de Rob Gordon, aquel memorable personaje de High Fidelity que no paraba de confeccionar listas de todo lo que se le cruzaba por la mente, vamos a iniciar nuestra sección de preferencias. Vale señalar, para aquellos que vieron el filme de Stephen Frears y se lanzaron al libro de Nick Horby (o viceversa) que una vez más, la adaptación cinematográfica superó a la historia original del papel. O como debió reconocer Obi-Wan Kenobi, el alumno terminó por aventajar a su maestro. Sin demasiadas consideraciones y con una desfachatez que apenas avergüenza vamos a seleccionar las 10 canciones más representativas de la música nacional. Para la elección, se tuvo en cuenta la calidad del intérprete. Acá están, estas son:

1 Alfonsina y el mar
De: Ariel Ramirez y Félix Luna. Interpretada por: Mercedes Sosa.

2 Naranjo en Flor
De: Homero Aldo Expósito (letra) y Virgilio Hugo Expósito (música).
Interpretada por Roberto Goyeneche.

3 El fantasma de Canterville
De: Charly García. Interpretada: Porsuigieco.

4 Luna tucumana
De: Atahualpa Yupanqui. Interpretada: Atahualpa Yupanqui.

5 Todas las hojas son del viento
De: Luis Alberto Spinetta. Interpretada: Pescado Rabioso.

6 Por una cabeza
De: Alfredo Le Pera y Carlos Gardel. Interpretada: Carlos Gardel.

7 Superlógico
De: Carlos Indio Solari y Skay Beilinson. Interpretada: Patricio Rey y los
redonditos de Ricota.

8 No me arrepiento de este amor
De: Miriam Alejandra Bianchi. Interpretada: Gilda.

9 Carta de un león a otro
De: Chico Novarro. Interpretada: Juan Carlos Baglietto.

10 Noches en los jardines de España
De: Manuel de Falla. Interpretada: Martha Argerich - Daniel Barenboim.

¿Cuál estaría faltando?

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EL RETO SUPREMO

Si alguien decide mirar Slumdog Millionaire ¿Quieres ser millonario? (así de insistente es la traducción local) sin ningún condicionamiento previo, la primer sorpresa es que el filme está ambientado en la India y en consecuencia, los actores son completamente ignotos para el público occidental. Lo curioso del caso es que la dirección está a cargo del británico Danny Boyle (Trainspotting - 1996). Aunque todas estas cuestiones se diluyen a los cinco minutos de rodaje, no es un dato menor que la película obtuvo 11 nominaciones a los premios de cine de Gran Bretaña, fue una de las preferida en los Globos de Oro y es una de las candidatas más firmes para los Oscars. ¿Será para tanto?

Si algo demostró Danny Boyle con Exterminio (2002) es que le sobra oficio para llevar adelante una producción de bajo presupuesto. Pero en esta oportunidad el desafío era mucho más arriesgado. Porque para contar esta historia necesitaba despuntar las convenciones y desaciertos del cine de Bollywood, lograr que el espectador no se sienta traicionado o aun peor, que la distancia en la que transcurren los hechos no se cristalice en indiferencia. Para aflojar estos nudos eligió un estilo narrativo dinámico, todo despliegue y espectáculo, que no deja espacio a las reflexiones superficiales o las semejanzas de ningún tipo.

De qué va. Tras el fallecimiento de su madre, Jamal Malik y su hermano Salim quedan abandonados a su suerte. En el camino se les unirá Latika, una huérfana que está dispuesta a afrontar los peligros de vivir en las calles de Bombay.

Al hueso. Se podría decir que Slumdog Millionaire ¿Quieres ser millonario? está dividida en dos, o mejor dicho, que una segunda trama se suelda a la principal sin dejar huellas externas. La primer parte se presenta como una aproximación sociológica de Mumbai, sus calles atestadas de mendigos, las privaciones de sus habitantes y el posterior ascenso en plena globalización. La otra, es una novela de amor que se instala en la pantalla con disimulada naturalidad y se queda hasta el final.

Para sostener esta estructura, Danny Boyle y Loveleen Tandon, que codirige el filme, utilizan una narración que se va ensamblado en cuartos, con tomas rápidas y colores impactantes que cautivan la atención de la platea. Y lo más importante de todo, que la adaptación que Simon Beaufoy realiza del libro Q & A, de Vikas Swarup, está muy bien lograda y funciona perfectamente en cualquier cine del mundo.

En definitiva. Una película bien contada, mejor filmada y con todos los condimentos de amor, acción y drama que tienen los grandes títulos. Para no dejar pasar.
Score 8/10

TITULO: Slumdog Millionaire ¿Quieres ser millonario? ORIGINAL: Slumdog Millionaire
ESTRENO: 19 de febrero en la Argentina
ORIGEN: Reino Unido - India
AÑO: 2008
DURACION: 120 minutos
DIRECTOR: Danny Boyle y Loveleen Tandon
REPARTO: Dev Patel (Jamal Malik), Freida Pinto (Latika), Madhur Mittal (Salim), Anil Kapoor (Prem Kumar), Irrfan Khan (inspector de policía).
GUION: Simon Beaufoy
MUSICA: A.R. Rahman.
FOTOGRAFIA: Anthony Dod Mantle
MONTAJE: Chris Dickens
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DE A TRES

Con toda la polémica y la expectativa que despiertan las películas de Woody Allen, su aporte para el año en curso es Vicky Cristina Barcelona. Siguiendo el trazado de El sueño de Cassandra (2007), su filme anterior, para esta ocasión borró el tono de comedia que lo caracteriza y en lugar de su repetido arsenal de sainetes decidió apostar por un drama pasional, en donde no abunda la risotada ocurrente ni tampoco la ansiedad policial. Además de un argumento sobrio pero entretenido, el gran mérito del hijo de Manhattan reside en la dirección de actores. Los tres protagonistas lucen convincentes; acaso inspirados por los parlamentos desprejuiciados logran despegarse de su ego actoral para entregarse a sus personajes.

Una peligrosa tendencia o un curioso método de financiación que aparece en ciertos filmes como Escondidos en Brujas (2007) de Martin McDonagh, es la propaganda turística disimulada dentro del metraje. Y si bien la mirada que Woody realiza de la cuidad de Oviedo, los diseños del arquitecto catalán Antoni Gaudí y las esculturas de Miró en la cuidad condal, no desentonan con la estética general, hay un excesivo interés por el paisaje que no resulta cómodo al espectador más aprensivo. Será mejor decirlo ahora y no esperar a que en un futuro, se pueda contratar un paquete vacacional desde la propia sala de cine.

De qué va. Cristina (Scarlett Johansson) y Vicky (Rebecca Hall) son dos turistas norteamericanas que llegan a Barcelona a pasar la temporada de verano. Hasta que conocen a Juan Antonio (Javier Bardem), un pintor con mucho encanto que sigue cautivado por María Elena (Penélope Cruz), su antigua pareja.

Al hueso. En Vicky Cristina Barcelona no estamos ante el típico producto de la factoría Allen, donde un talento frustrado (puede ser él mismo o un alter ego) acumula penas y desamores a lo largo de 90 minutos de parodia. Tampoco es una obra lúcida, que ofrezca múltiples puntos de reflexión. Si embargo, uno puede reconocer el sello de su autor, aunque nadie haya informado que se trata de una película suya.

Desde lo formal, recurrió nuevamente a la idea de cuento animado o teatro cinematográfico, donde una voz en off (la de Christopher Evan Welch) va narrando los acontecimientos. Un recurso que le sirve para saltar de una escena a otra con total prolijidad. Los puntos más altos van por el lado de la producción, donde todos los detalles están cuidados y no se trasluce esa falta de compromiso que caracterizan a La primicia (2006) y La maldición del escorpión de jade (2001).

En definitiva: Un guión que no brilla por su ingenio pero tampoco permite que decaiga la atención. Algo que sus seguidores van a agradecer.
Score 6/10

TITULO: Vicky Cristina Barcelona
ESTRENO: 5 de febrero (En Argentina)
ORIGEN: España y Estados Unidos
AÑO: 2008
DURACION: 96 minutos
DIRECTOR: Woody Allen
REPARTO: Javier Bardem (Juan Antonio), Patricia Clarkson (Judy Nash), Penélope Cruz (María Elena), Kevin Dunn (Mark Nash), Rebecca Hall (Vicky), Scarlett Johansson (Cristina), Chris Messina (Doug), Zak Orth, Carrie Preston, Pablo Schreiber.
GUION: Woody Allen
PRODUCCION: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Gareth Wiley
FOTOGRAFIA: Javier Aguirresarobe
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DE TIRO CORTO

Entre el calor, la proximidad de las fiestas y los oscuros vaticinios para el 2009, lo menos que uno tiene ganas de hacer es involucrarse con una película densa, con diálogos sesudos y largos planos secuencia. Para quien pretenda “matar su tiempo” sin obtener a cambio una reflexión metafísica sobre la finalidad de la raza o la ausencia de Dios, acá marchan seis filmes menores para ver con el cubo de pochoclos entre las piernas. Si hay algo que caracteriza a estos títulos es que en algún punto de la trama, la acción se pasa de rosca y la historia puede terminar en cualquier disparate. En algunos casos esto ocurre y en otros, se logra recuperar. Que nadie diga que no fue advertido.

DEATH RACE
De: Paul W.S. Anderson. Con: Jason Statham (Jensen Ames), Joan Allen (Hennessey), Tyrese Gibson (Machine Gun Joe), Ian McShane (Coach), Natalie Martinez (Case), Max Ryan (Slovo Pachenko), Jason Clarke (Ulrich). Año: 2008. Duración: 105 minutos. Origen: EE.UU.

Basada en Death Race 2000 (1975) un clásico de la productora de Roger Corman, donde un grupo de presos alojados en Isla Termal, una cárcel del año 3000, deben competir en una carrera donde todo está permitido. Los vehículos cuentan con ametralladoras, misiles, bombas de napalm y todo lo que uno puede imaginarse.

JCVD
De: Mabrouk El Mechri. Con: Jean-Claude Van Damme, François Damiens (Bruges), Zinedine Soualem (el hombre con sombrero), Karim Belkhadra (el vigilante). Año: 2008. Duración: 96 minutos. Origen: Francia, Bélgica y Luxemburgo.

A los 47 años de edad, el astro de las artes marciales está en plena crisis existencial. Sin trabajo, separado de su esposa y distanciado de su hija. Así que decide volver a Bélgica, su hogar, para encausar su vida. Aunque lo peor de todo está por llegar. Entre la parodia y la acción, un filme que lleva como título las iniciales de su protagonista.

SPLINTER
De: Toby Wilkins. Con: Shea Whigham (Dennis Farell), Paulo Costanzo (Seth Belzer), Jill Wagner (Polly Watt), Rachel Kerbs (Lacey Belisle). Año: 2008. Duración: 82 minutos. Origen: EE.UU.

Esta película de terror independiente, tiene un argumento interesante, que la sangre y los gritos de las víctimas logran disimular con eficacia. Atrapados en una estación de servicio en el medio de la ruta, una pareja deberá sobrevivir a una amenaza que se apodera del cuerpo.

THE OBJECTIVE
De: Daniel Myrick. Con: Jonas Ball (Benjamin Keynes), Matthew R. Anderson (Oficial Wally Hamer), Michael C. Williams (Sgt. Trinoski), Sam Hunter ( Sgt. Tim Cole), Jeff Prewett (Sgt. Pete Sadler), Chems-Eddine Zinoune (Abdul). Año: 2008. Duración: 90 minutos. Origen: Marruecos/EE.UU.

El director de The Blair Witch Project (1999) apuesta por un filme seco, de bajo presupuesto, donde el terror y lo sobrenatural se dan la mano. Los hechos se desarrollan cuatro meses después de la invasión a Afganistán. Un grupo de soldados de las fuerzas especiales y un reportero, deben enfrentarse a un enemigo que supera sus fuerzas.

EL JUEGO DEL MIEDO V
De: David Hackl. Con: Tobin Bell (Jigsaw), Costas Mandylor (Hoffman), Scott Patterson (agente Strahm), Betsy Russell (Jill), Mark Rolston (Erickson), Carlo Rota (Charles), Julie Benz (Brit), Greg Bryk (Mallick), Laura Gordon (Ashley), Mike Butters (Paul), Meagan Good (Luba). Año: 2008. Duración: 92 minutos. Origen: EE.UU.

Aunque es más de lo mismo, el único justificativo para ver esta saga que promete no terminar nuca es, simplemente, que entretiene. La trama gira en torno a los últimos días de Jigsaw, un asesino con cara de buen tipo y espíritu de justiciero, que ejecuta a sus víctimas con un método brutal. Personas impresionables, abstenerse.

TRES DIAS
De: F. Javier Gutiérrez. Con: Víctor Clavijo (Alejandro), Mariana Cordero (Rosa), Eduard Fernández (Lucio), Daniel Casadellá (Emilio), Ana de las Cuevas (Raquel), Elvira de Armiñán (Clara), Juan Galván (Nico), Vicente Romero (Marcial), Pepe Salas (don Miguel), Antonio Dechent (Urbano), Alejandro Muñoz (Josema), Miguel Zurita (Damián). Año: 2008. Duración: 93 minutos. Origen: España.

Aunque ofrece el mejor argumento de las seis, está contado desde una óptica más intimista, donde no predominan los efectos especiales ni los típicos héroes. Por la televisión se anuncia que un meteorito va a chocar contra la tierra en las próximas 72 horas. Un joven holgazán que vive en el pueblo de Laguna, deberá aliviar del horror a sus sobrinos pequeños.

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PARA RECORDAR

Hay algunos videos que como los vinos de buena cepa mejoran con el reposo. Este es el caso de Remind Me, del dúo noruego Röyksopp que inspirados en la sistematización de la sociedad contemporánea lograron una verdadera obra maestra. Esta suerte de infografía animada pertenece al álbum Melody AM (2001), una placa a mitad de camino entre la decadencia del Downtempo y el ascenso del Hip-hop. Por este clip, Torbjorn Brundtland y Svein Berge recibieron el MTV Europe Music Award al mejor video del año, en el 2002.

La dirección estuvo a cargo de Ludovic Houplan & Hervé de Crécy, mientras que la cantante invitada fue Erlend Oye (Kings of Convenience). Otra de las facetas de esta dupla oriunda de la ciudad de Tromso, es la de productores. No sólo ejercen como tales en sus trabajos, sino que también lo han hecho recientemente con otros artistas como Boy George y Felix Da Housecat.
Y como justo para esta fecha se cumple un aniversario de la fundación de la banda, en la página oficial se pueden descargar un tema gratuito titulado Happy Birthday. Qué originales, verdad.

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EL OFICIO DEL SONIDO

El luthier es un artesano que se dedica a inventar o reparar artefactos musicales. Aunque la acepción francesa del término «luthérie» hace referencia a quien ajusta instrumentos de cuerda, el concepto se extiende a cualquier artífice que se entrega a la fabricación de dispositivos sonoros. Este oficio que despuntó durante el Renacimiento, encontró su apogeo en la ciudad de Cremona, Italia y logró perpetuarse en profesión gracias a la dinastía Stradivarius, Guarnieri, Amati, todos ellos grandes violeros. El propósito de estos hacedores fue practicar modificaciones a los instrumentos convencionales para experimentar nuevas cadencias. Aquí nomás, algunas rarezas que si bien no parecen muy funcionales, alcanzan un registro bastante armonioso.

Armónica de cristal. Está compuesta por una serie de recipientes de cristal organizados de mayor a menor sobre un eje paralelo que al ser accionado por una pedalera, hace que las pocillos rueden. Para alcanzar ese sonido cristalino, mientras estás cazuelas giran, hay que rozarlas con las yemas de los dedos humedecidas. Este artefacto fue perfeccionado por Benjamin Franklin en 1761 y tanto Mozart, Beethoven como Richard Strauss, compusieron piezas para ser ejecutadas con este trasto. En muchas partes de Europa fue prohibido por que se suponía que causaba locura, depresión y muerte por envenenamiento.

Guitarra habanera. Su caja de resonancia es un estuche de habanos cubanos, aunque puede ser confeccionada con embalajes menos lujosos. Su origen se remonta a los Estados Unidos, en los estados de Mississippi, Louisiana, Georgia o Alabama, donde los esclavos que trabajan en las plantaciones de algodón, tabaco y maní, utilizaban herramientas caseras para fabricar sus primeras guitarras, que más tarde, dieron origen al género del blues. Entre los bluseros que utilizaron este particular instrumento se cuentan: Blind Willie Jonson, Lightnin Hopkins, Albert Collins, George Benson, Fenton Robinson, Albert King, entre otros virtuosos.

Arpa giratoria. La phonoharp es un instrumento que combina la encorsetada lírica decimonónica con la autonomía moderna del DJ. Fue diseñada por el compositor Walter Kitundu y es ideal para quienes realizan improvisaciones en vivo. En realidad, se trata de una bandeja de discos con veintisiete cuerdas de nylon, tensadas en un rango de cinco octavas. El sonido del útil es similar al koto japonés. Para repicar sus cuerdas se pueden utilizar los dedos o cualquier aparejo en forma de púa.

Rueda de mandolina. Elaborada por Ken Butler, este artista de vanguardia proyecta instrumento que se basan la forma del teclados y la guitarra. Muchos de los objetos que diseña tienen una función estética y sólo unos pocos pueden ser ejecutados. Para materializar sus invenciones, Butler recicla toda clase de elementos. Desde armas, linternas, tableros de ajedrez, respaldos de asiento, botas, manuales, a los que les agrega un mástil sobre el que va adosado el diapasón y posteriormente, las cuerdas de la mandolina.

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GUERRA TOTAL

Por más mediaciones y tratados que se firmen, las guerras van a seguir existiendo más allá de George W. Bush, Dmitri Medvedev, Shimon Peres, Mahmoud Abbas, Osama bin Laden o Barak Obama. Los pueblos primitivos peleaban por el control del territorio, la dominación del otro o simplemente, por miedo o codicia. En la actualidad, las disputas tienen un carácter político y un costado social. Alguna vez Thomas Malthus dijo que epidemias, enfermedades, guerras y otros flagelos, contribuyen a frenar el crecimiento demográfico de la población. Algo que visto desde una perspectiva macro no resulta tan descabellado hoy en día. En este recorrido por imágenes, seis enfrentamientos entre dos bandos que replican una de las artes más antiguas de la humanidad: la guerra.

La estación ferroviaria de Chattrapati Shivaji, en Bombay, en el estado de Maharashtra, India, sufrió el ataque de un grupo armado con fusiles AK47. También arrojaron algunas granadas entre el público. El balance: 55 muertos y cientos de heridos. Los terroristas se dieron a la fuga tras el ataque.


Todo comenzó con la muerte de un estudiante de 16 años. Los disturbios entre jóvenes universitarios y la policía de Atenas, que también se trasladó a otras ciudades griegas, se prolonga por más de cinco días. En medio de esta crisis social y política, una huelga general de los sindicatos se sumó a la protesta.


El frente afgano se hace sentir en Pakistán; donde cerca de noventa vehículos resultaron calcinados esta semana en las terminales de Al Faisal y Fort World Logistic. El mismo cuadro se presentó en Peshawar, donde una docena de vehículos de combate que transportaban provisiones para las fuerzas de seguridad especiales de la OTAN, fueron incinerados por supuestos grupos talibán.


En Bisie, Congo, el coronel Samy Matumo, jefe de una unidad rebelde del ejército explota las minas ubicadas entre las montañas. Por unas pocas monedas, los hombres deben excavar las laderas con precarias herramientas y luego transportar el mineral sobre sus espaldas unos 50 kilómetros.


El carguero ucraniano, el MV Faina, trasladaba 33 tanques de guerra T-72, armas y una gran cantidad de munición hacia el puerto de Mombasa, Kenia, cuando fue interceptado por un grupo de piratas en sus precarias lanchas. Entre los barcos secuestrados figura el Sirius Star que transportaba petróleo.


Una de las decisiones más difíciles para Barak Obama es la promesa de enviar unos 7 mil soldados norteamericanas para resistir las embestidas del ejército talibán. En la foto, dos soldados accionan un mortero desde su pequeño bunker de contención. En Afganistán hay cerca de 65 mil efectivos, de las cuales 31 mil son estadounidenses.

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LA CIUDAD DE LA FURIA

Con películas tan sangrientas como taquilleras, el cine norteamericano convirtió a la mafia mediterránea en un género cinematográfico. Realizadores como Martin Scorssese «Casino – 1995, Goodfellas - 1990», Francis Ford Coppola «The Godfather I, II, III» y Sergio Leone «Once Upon a Time in America - 1984» se encargaron de trasmitir los códigos de honor y los valores de esta organización familiar. Para obtener algún rédito de este filón, los italianos intentaron contar su versión de la historia en más de una oportunidad, pero nunca encontraron el tono exacto. Gomorra es un nuevo intento empujado por el director romano Matteo Garrone, quien se sube al éxito del best seller homónimo del periodista Roberto Saviano, publicado ya hace unos años atrás.

El imperio facineroso de Italia está seccionado en tres clanes: la Ndrangheta «Calabria», la Cosa Nostra «Sicilia» y la Camorra «Nápoles». Sus miembros se denominaban a sí mismos mafiosos «hombres de honor» y carecen por completo del glamour y el refinamiento con que los pinta Hollywood. Son hombres bestiales, de grandes abdómenes y escasa retórica. El libro de Saviano fue traducido a más de 30 idiomas y logró que Camorra y Gomorra –acaso por su parentesco auditivo- sean aceptados como sinónimos. Aunque semejante notoriedad no es gratuita. Los regentes del crimen organizado han puesto un precio a la cabeza de Saviano, lo que obligó al autor a exiliarse de su patria y vivir con una escolta permanente.

De qué va. Describe la vida en cinco barrios napolitanos y las personas que, directa o lateralmente, están ligadas al mundo delictivo. Desde un sastre de alta costura, dos salteadores de medio pelo, un pagador, un niño que busca ser reclutado y un empresario que maneja desechos tóxicos.

Al hueso. Lo intenta dejar explícito el filme es que la Camorra no es una estructura verticalista, sino una denominación genérica para un grupo de familias que se reparten el territorio de Nápoles y la Campania. Algunas de estas camarillas operan en conjunto y otras, están enfrentadas a muerte. Este sistema está integrado por niños que vigilan cada coche que circula por los suburbios de Secondigliano, traficantes de las calles de Scampia, fabricantes de indumentarias de moda, inversores financieros, políticos y organizaciones internacionales.

Para no correr la misma suerte del autor, Matteo Garrone borró todos los nombres propios y registros certificados, para adaptar libremente los 11 episodios del libro en cinco situaciones sociales. Lo que dio como resultado una exposición deshilachada, que no logra establecer un vínculo afectivo o sindical entre los diferentes interlocutores. Y aunque el relato parece destinado a un público conocedor del tema, también es cierto que logra trasmitir el poder que manejan estas redes criminales.

En definitiva. A mitad de camino entre el documental y la ficción, el filme logra entretener de a ratos. En esta inestabilidad narrativa se mezclan pasajes de gran impacto con planos demasiado repetitivos.
Score 6/10

TITULO: Gomorra
ESTRENO: sin fecha en la Argentina
ORIGEN: Italia
AÑO: 2008
DURACION: 135 minutos
DIRECTOR: Matteo Garrone
REPARTO: Toni Servillo (Franco), Gianfelice Imparato (Don Ciro), Maria Nazionale (Maria), Salvatore Cantalupo (Pasquale), Gigio Morra (Iavarone), Salvatore Abruzzese (Totò), Marco Macor (Marco), Ciro Petrone (Ciro), Carmine Paternoster (Roberto), Zhang Ronghua (Xian), Simone Sacchettino (Simone)
GUION: Maurizio Braucci, Ugo Chiti, Gianni Di Gregorio, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso y Roberto Saviano; basado en la novela "Gomorra" de Roberto Saviano
MONTAJE: Marco Spoletini
FOTOGRAFIA: Marco Onorato
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CAZA VAMPIROS

El folklore de los vampiros se inició con las primeras caravanas de gitanos que atravesaron los montes Cárpatos y trajeron a Eslovaquia el mito de seres anochecidos que se alimentaban con la sangre de sus semejantes. En 1431 estás tribus nómadas se cruzaron hasta Rumania para establecerse al norte de Transilvania. La leyenda de esta raza con prominentes colmillos y poderes de ultratumba fue enriqueciendo la mitología de los Balcanes y de allí se propagó al resto de Europa. El miedo que causaban estas criaturas demoníacas entre los habitantes fue tal, que en mercados y conventos se vendían unos pertrechos para repeler ataques. Algunas de las reliquias mata vampiros, en un clic.

Este arcón de caoba custodia una pistola de un solo disparo, balas de plata, harina de ajo, una daga de azogue, una cruz de ébano, una clava con una estaca de madera, un suero especial y otros elementos más. Las municiones fueron confeccionadas por el armero belga Nicolas Plomdeur.

El estuche es una suerte de kit de supervivencia para aquellos individuos que se desplazan por el este de Europa durante largas travesías. El cofre contiene los siguientes adminículos: balas elaboradas con plata pura, brotes de ajo, azufre en polvo, estacas de roble, crucifijo de marfil, manual de instrucciones. Varios frascos con especias purificadoras. El equipo fue subastado en el año de 1851 en una exposición en la ciudad de Londres.

Según algunos tratados de la época, como el volumen confeccionado por el profesor Blomberg, la estaca debe ser de un rosal silvestre, álamo o fresno. En lugar de utilizar cualquier otro tipo de madera, el mejor reemplazo es un hierro al rojo vivo. En sus páginas se recomienda revestir un muro de la cripta con espejos para que el bicho no vuelva a levantarse. Las primeras víctimas del vampiro serás sus familiares próximos, luego sus vecinos y demás habitantes del pueblo.

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VOLVER AL PASADO

En teoría, los desplazamientos temporales pueden practicarse en dos direcciones: el porvenir o hacia lo ya acontecido. En ambos casos, la motivación del explorador es modificar sucesos consumados o que están a punto de definirse. Desde la óptica científica no existe algo que impida cumplir estos trayectos. En particular los viajes al pasado, ya que no contradicen las leyes físicas fundamentales como el principio de conservación de la energía o el segundo principio de la termodinámica. Apoyado en esta premisa transitoria, Los cronocrímenes del español Nacho Vigalondo ofrece una interesante combinación de géneros y situaciones.

Aunque el filme se destaca por una austera puesta escénica, su presupuesto modesto y un reparto sin pretensiones, su recorrido triunfal por diferentes festivales internacionales -fue premiado en Amsterdam, Austín y Philadelphia- y el hecho de que Tom Cruise haya adquirido los derechos para realizar una remake en Hollywood, despertó enormes expectativas entre el público que tuvo que aguardar cerca de un año hasta su estreno definitivo en las salas comerciales.

De qué va. Una pareja se está acomodando en su nueva vivienda de campo. Mientras la esposa parte al pueblo a conseguir algo para cenar, el hombre empieza a investigar los alrededores con sus binoculares. Entre la espesura del monte descubre lo que podría ser un asesinato o una violación.

Al hueso. Si hay algo que se destaca en la obra de Nacho Vigalondo es el ritmo constante de la historia, que se sostiene de principio a fin gracias al empuje de un guión muy elaborado, que no permite distracciones o bostezos. Este filme de ciencia ficción con toques de suspenso y unas gotitas de humor negro, comparte esa idea de eterno retorno que alguna vez insinuó Lost Highway (1997) de David Lynch, fue llevada al límite por Harold Ramis en Groundhog Day (1993) y encontró una curiosa vuelta en Lola rennt (1998) del alemán Tom Tykwer.

Pero a diferencia de estas tres obras maestras del género, lo que le falta a Los cronocrímenes para acceder a dicho pedestal es el desarrollo de un desenlace convincente. Aunque la idea que procura transmitir se llega a interpretar, resulta insuficiente para una trama tan directa. Dejando la vaga sensación que fue una decisión precipitada o acaso improvisada.

En definitiva. Entretenido y muy bien logrado. El cine español demuestra una vez más que para abordar el género fantástico, con buenas ideas y destinado al gran público, no se necesitan efectos fabulosos ni figuras rutilantes.
Score 7/10

TITULO: Los cronocrímenes
ESTRENO: Sin fecha en la Argentina
ORIGEN: España
AÑO: 2007
DURACION: 90 minutos
DIRECTOR: Nacho Vigalondo
REPARTO: Karra Elejalde (Héctor), Bárbara Goenaga (chica), Nacho Vigalondo (chico), Candela Fernández (Clara).
Producción: Esteban Ibarretxe, Javier Ibarretxe y Eduardo Carneros.
GUION: Nacho Vigalondo
MUSICA: Chucky Namanera
FOTOGRAFIA: Flavio Labiano
MONTAJE: José Luis Romeu.
SITIO OFICIAL

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ZOOLOGIA FANTASTICA

El bestiario «o bestiarum vocabulum» es un catálogo en donde se reseñan criaturas de orden ilusorio o real. Estos volúmenes acompañados por majestuosas ilustraciones, tuvieron su auge en la Edad Media y sobrevivieron hasta nuestros días. Aunque estas enciclopedias zoológicas eran obra de naturalistas, exploradores y aventureros de la época, nunca fueron concebidas como textos científicos, por lo que no debía darse crédito a lo que allí se apuntaba. Algunas de estas aberraciones fueron incluidas por Jorge Luis Borges en El libro de los seres imaginarios, escrito junto con Margarita Guerrero. Parte de esta fauna quimérica es empleada por el cine, la literatura fantástica y los videojuegos. A continuación, una selección de bestias que habitan en la imaginación de los hombres.

Siguiendo los dictados de la cábala, un rabino construyó un ser artificial al que nominó Golem, para que tañera las campanas de la sinagoga y se dedicara a los quehaceres diurnos. Su existencia se apagaba durante las noches, por obra de una inscripción mágica que el mentor retiraba de sus dientes y que atraía las fuerzas siderales del universo. Una tarde, antes de la oración de la noche, el rabino se olvidó de remover el sello con la palabra Emet y la criatura enloquecida, corrió por las callejas oscuras y destrozó todo aquello que tuviera enfrente. Hasta que el religioso logró detenerlo y rompió la palabra que lo animaba. Aquel organismo se desplomó en el acto y los despojos de barro aún se muestra en la sinagoga de Praga. La figura del golem pertenece al folclore judío. El nombre parece derivar del término gelem, que significa «materia en bruto».

Alien, cuya denominación científica es Linguafoeda acheronsis «lengua mortífera de Archeron» es un espécimen que habita en colonias como los insectos himenópteros. Su dieta se basa en carne y para reducir a sus presas, además de una gran destreza y la capacidad de adherirse a cualquier superficie, utiliza su cola como arpón. Posee un particular ciclo de reproducción. Es una creación del diseñador industrial suizo H.R. Giger. Basándose en sus paisajes biomecánicos, desarrolló junto al guionista Dan O’Bannon la criatura xenoforme y algunos escenarios del filme Alien, el octavo pasajero (1979) de Ridley Scott.

El Behemot «también llamado Bahamuth» aparece mencionado en la Biblia, en el Libro de Job (40,15-24) junto al Leviatán, otro monstruo. Según explica Borges, “llegó a los desiertos de Arabia, donde los hombres alteraron y magnificaron su imagen. De hipopótamo o elefante lo hicieron pez que se mantiene sobre un agua sin fondo y sobre el pez imaginaron un toro y sobre el toro una montaña hecha de rubí y sobre la montaña un ángel y sobre el ángel seis infiernos y sobre los infiernos la tierra y sobre la tierra siete cielos”.

Al basilisco se lo considerado una serpiente con cuernos en la cabeza en forma de corona. De hecho, su nombre significa «pequeño rey». Su lugar de pertenencia es el desierto y su fuente de poder está en la mirada. Según Plinio, un vistazo del basilisco alcanza para romper piedras y quemar el pasto. A sus pies caen rendidas las aves y se pudren los frutos de los árboles; cuando su lengua toca el agua de cualquier río queda contaminado por décadas. Hay varios métodos para combatirlo. Uno de los más efectivos es el olor de la comadreja. El espejo es otra de las armas, ya que el reflejo de su propia imagen lo desintegra.

Garuda es una figura mitológica de la antigua India. La leyenda indica que nació de un huevo depositado quinientos años atrás y al romper la cáscara, su cuerpo se expandió hasta tocar el cielo, las montañas se alejaron con el viento producido por el aleteo de sus alas y los rayos que brotaban de su cuerpo incendiaron las cuatro esquinas del mundo.
Vishnu, segundo dios de la Trinidad que preside el panteón brahmánico, suele cabalgar en la serpiente que llena el mar, o en el ave garuda. A Vishnu lo representan azul y provisto de cuatro brazos que sostienen la clava, el caracol, el disco y el loto; a garuda, con alas, rostro y garras de águila y tronco y piernas de hombre.

El hipogrifo nace de la cruza entre una yegua y un grifo macho, lo que desemboca en una criatura mitad águila con una parte de león. Su cabeza, alas, pecho y patas delanteras corresponden al ave rapaz y el resto del cuerpo al caballo. Se alimenta de insectos, gorriones y pequeños roedores. Construye su nido sobre montículos de tierra, donde plantan un solo huevo que se desgaja veinticuatro horas más tarde. Se los puede domesticar para utilizar como montura. Cuando uno se aproxima a esta bestia, hay que mirarlo fijamente a los ojos, sin apartar la mirada un instante. Una reverencia indicará las buenas intenciones. Si el hipogrifo devuelve el saludo, es señal de que no hay peligro.

Los Nagas son originarios de la mitología hindú. Se trata de espíritus míticos del agua que ocasionalmente se dejan ver sobre la tierra. Se los representa con cuerpo de serpiente y torso o cabeza humana. Son seres de sangre fría, con piel escamada, ojos luminiscentes y pueden medir de tres a seis metros. En algunas circunstancias suelen adoptar formar humanas; son poseedores de una belleza y una inteligencia sin igual. Aunque no son agresivos, para defenderse pueden recurrir a la magia o bien a una mordedura tóxica. Habitan en climas cálidos y pantanosos, construyen sus viviendas en pozos cerca de templos abandonados o ruinas hieráticas.

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A CONTRAMANO

Para qué guardar algo que nadie atesora, habrá sido el razonamiento de MTV y su vasto imperio musical. Porque desde hace algún tiempo, colgaron del sitio MTV Music parte de su colección de videos para que cualquiera (en teoría) los pueda revisar. La librería contiene más de 16 mil entradas, que incluyen conciertos, unpluggeds y algunos especiales. Hasta acá todo fenómeno. Salvo que la calidad de reproducción no es buena y la resolución es de 320 por 271, demasiado pequeña. Eso sí, en apariencia el material se puede compartir con facilidad al igual que sus API. Está claro que el gran competidor a vencer es el poderoso YouTube, donde prácticamente aparece todo lo que uno sale a buscar y sin restricciones. Por algo será que le va tan bien.

Es acaso entendible que, salvo alguna excepción, el rock en español brille por su ausencia. Tampoco es pura magia y algunas búsquedas suelen fallar. Como la intención era ubicar el cover de I Started a Joke, hecho por Faith No More, en su lugar asomó la versión original de los Bee Gees, interpretada por Robin Gibb. Nada mal. Pero al hacer clic, aparece una leyenda que indica que el video se puede ver sólo en Estados Unidos. En conclusión, la cadena adolescente mejor siga producciendo sus realities en continuado y se olvide del rock.
Por cierto, este video, mitad corto cinematográfico mitad musical, habla de un dandy venido a menos y su público matinal. Una verdadero obra maestra de las desilusiones cotidianas.

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