PAREDES QUE HABLAN

El arte puede ser expresado a través de diferentes materiales y sobre cualquier tipo de superficie. Desde una hoja de papel con un garabato, un grano de arroz entallado o un espacio público con graffities. Así, el artista italiano llamado Blu, viaja por las distintas capitales del orbe para dejar su sello personal en muros y fachadas de edificios. Uno de sus trabajos más curiosos fue bautizado con el título de Muto y su escenario fueron las calles de Buenos Aires y la ciudad suiza de Baden.

Para llevar a cabo está pared animada [ver video], Blu recurrió al aerosol, una cámara fotográfica y la posterior edición de video, donde se le imprimió la técnica de Stop Motion. Las tomas exteriores le demandaron un mes de pintadas, con un ritmo que fluctuaba entre 8 y 10 horas diarias. Las fotos las tomó el mismo sin necesidad de un trípode. Otras de las herramientas que se valió fueron tachos de pintura, pinceles y una escalera de gran tamaño. Algunos de los gráficos que componen a Muto pueden ser vistos en la central eléctrica de Zapiola y Matienzo, la barrera de Mariano Hacha y, el playón ubicado en Avenida Monroe y la vía. La música es de Andrea Martignoni y la producción de Mercurio Film.


MUTO a wall-painted animation by BLU from blu on Vimeo.

Pero lejos de ser un artista subterráneo, Blue es un grafitero con chapa. Tal es así que realizó una exposición en las afueras del museo Tate Modern, en Londres. Sobre sus obras se han escrito muchos artículos y también, se filmó un documental sobre sus viajes por el mundo, llamado Megunica, dirigido por Lorenzo Fonda.

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CON LA POLVORA MOJADA

Hay discos que crecen a contrapelo del rumor y aunque sus cuerdas sean tensadas con dinamita no consiguen afinar. El conflicto va más allá de una mala campaña de comunicación lanzada por el sello o los ambiguos mensajes del artista. Lo cierto es que el cedé no consigue despegar en las pistas y pasa desapercibido por el dial. Esto le sucede a Babasónicos con el lanzamiento de Mucho y también a Madonna. Porque se habla de muchas temas pero nadie se mete con Hard Candy.

Para el que se guía por las estadísticas, el corte 4 Minutes con Justin Timberlake, capitaneó los charts mundiales durante algunas semanas y de a poco, empezó a recular. En el ranking de sencillos nacionales se desplazó hasta la décima posición y viaja en caída libre. Pero no todas son pálidas. Hay muchos países en los todavía mantiene el liderato. En cuando al disco, vale reconocer que las ventas arrancaron con fuerza y rápidamente, se alzó con el anillo de oro y platino. Pero fue un envión sin arrestos. Aunque no se puede hablar de fracaso, este undécimo disco es uno de los que menos réditos le dejó a la “chica material”.

Mientras tanto, doña Louise Veronica Ciccone, que soplará 50 velitas en agosto, entró en una guerra sin cuartel contra la sociedad norteamericana. Al parece las discriminaciones que sufre por su medio siglo la tienen más preocupada que el escaso vuelo que logró Hard Candy. Agitando su dedo índice frente al micrófono la diva señaló "Nuestra sociedad no solo sufre de racismo y sexismo, también discrimina por la edad”. Y a continuación, con una gota en el lagrimal salpicó "¿Se supone que uno tiene que morirse? Nunca he sido una conformista".

Y para colmo de males, su propio hermano, un tal Christopher Ciccone, está escribiendo las memorias de Madonna. Las mismas serán publicadas a mediados de julio por un sello editorial de Simon & Schuster. Christopher trabajó en numerosas ocasiones con su hermana mayor. Como para sacárselo de encima, la “diosa del pop” lo contrató para diseñar y dirigir su gira Girlie Show en 1993 y como director artístico de su documental Madonna: Truth or Dare de 1991. Pero según manifestó la portavoz de la cantante, Liz Rosenberg, los hermanos ya no tienen una relación cercana y el bueno de Christ no quiere perder su nivel de ingresos.

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TIEMPO DE JUVENTUD

Las historias para adolescentes son uno de los platos preferidos de los estudios de cine, aunque jamás los sirven a la temperatura adecuada. O son de tono moralizantes (Dead Poets Society -1989), completamente irrelevantes (American Pie - 1999) o demasiado localista (Juno - 2007). Tomando un gajo de cada flor, Charlie Bartlett logra plantar un relato que por momentos deja un sabor solemne, en otros desabrido y en algunas ocasiones, hasta resulta picante.

Sin duda el gran logro del director Jon Poll es haber dado con los personajes que requería cada papel. La elección de Robert Downey Jr. como el rector Gardner no es sólo acertada sino también creíble. Incluso el propio Charlie Bartlett (Anton Yelchin), estrella en ascenso que estará en Star Trek (2009) y Terminator Salvation: The Future Begins (2009), empieza con cierta timidez y de a poco, se va comiendo las dudas.

Si hay algo que Poll sabe desde la primer escena, es hacia donde rumbear el conflicto. Y con esa ventaja de unos metros, logra dosificar la intriga a través de amagues argumentales, sin valerse de engaños ni contramarchas. Porque el público, en su rol de detective, intenta anticiparse a las circunstancias. Porque de entrada, todo hace suponer que es el típico filme de rebeldía juvenil, luego gira hacia el borde social: niños ricos en colegios pobres, el primer amor [no], relación familiar [menos] y así hasta que uno se cansa o lo descubre.

De qué va. Charlie es un estudiante brillante de 17 años que asiste a una escuela privada pero que, por reiterados problemas de conducta, su madre debe cambiarlo a un colegio público. Allí se encontrará con otro tipo de gente que no está acostumbrado a tratar en los círculos que frecuentaba.

Al hueso. Si hay algún mérito en Charlie Bartlett es el tono con que expresa sus inquietudes. Las diálogos entre los compañeros, salvo algún que otro traspié, no alcanzan la modulación de patetismo ni la categoría de humillante. Las conversaciones con los padres, salvo algún que otro traspié, no llegan a ser superficiales ni tampoco una discusión entre sordos. Lo que habla de un filme con buenas intenciones, pero que está lejos de ser perfecta.

Tiene algunas falencias, es cierto, y algunas son demasiado graves como para obviarlas. La idea superadora del muchachito emprendedor que pretende convencer a todo el establecimiento de que, pese a recurrir a métodos ilegítimos, sus intenciones son honorable y merecen el indulto, es un noción de justicia que los Estados Unidos pretende universalizar. Con esa misma lógica, alguien que mata a un ladrón en lugar de asesino se convierte en un héroe. Y no es así.

En definitiva. Una historia llevadera y amena, que va de menos a más y logra lo que se propone, divertir al público.
Score 6/10

TITULO: Charlie Bartlett
ESTRENO: sin fecha en la Argentina
ORIGEN: EE.UU
AÑO: 2007
DURACION: 97 minutos
DIRECTOR: Jon Poll
REPARTO: Anton Yelchin (Charlie Bartlett), Robert Downey Jr. (Rector Gardner), Hope Davis (Marilyn Bartlett), Kat Dennings (Susan Gardner), Tyler Hilton (Murphey Bivens), Megan Park (Whitney Drummond), Jonathan Malen (Jordan Sunder)
GUION: Gustin Nash
MUSICA: Christophe Beck
FOTOGRAFIA: Paul Sarossy
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EL SECRETO PROFESIONAL

El éxito, como tantos otros factores de riesgo, tiene la particularidad de volverse viral. Este bacilo infeccioso encuentra en el cine comercial la forma más conveniente para su propagación. Así, basta que surja un personaje con un desarrollo atractivo para que las imitaciones empiecen a ramificarse por el sistema mercantil. Durante los años 80, los psicópatas enmachetados fueron el blanco de todas las imitaciones. Ahora, le llegó el turno al mago. Se abre el telón.

Uno de los promotores de esta figura magnetizada fue sin dudas el buenazo de Harry Potter. Los seis éxitos de taquilla consecutivos que transcurren en la escuela Hogwarts de hechicería, fueron el campanazo de alerta que despertó el apetito de los carroñeros. Pero como el molde era ancho y quedaba mucha tela por cortar, empezaron a despuntar los retazos que, de a poco, fueron dando forma al taumaturgo del siglo XIX.

Aprovechando que al delantero Potter ese año le tocaba hacer banco, en forma casi simultánea aparecieron The Prestige (2006) de Christopher Nolan y The Illusionist (2006) de Neil Burger. Pero mientras el filme de Nolan contaba con Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Caine como tridente ofensivo, The Illusionist apostaba por la dupla de ataque Edward Norton + Paul Giamatti y unos metros más retrasada, se mostraba Jessica Biel.
Y si bien en ambos casos la ambientación, el período en el que transcurre y los desafíos de los magos son semejantes, el resultado obtenido es muy diferente. Mientras el filme de Burger no supera la calificación de discreto, The Prestige logra transformar un relato de época, en una trama en donde no falta el cuentito de amor, la intriga y el misterio.

Otros de los que se sumó al fervor del hechizo fue Woody Allen con la comedia Scoop (2006). Lo curioso del caso es dos de los intérpretes de The Prestige (hablamos de Hugh Jackman y la belleza narcótica de Scarlett Johansson) repetían papeles. Claro que el oficio de sibilino quedó reservado para el propio Allen, quien en los 96 minutos de Scoop, se dedica a repetir gestos, obsesiones y miradas que usó para películas anteriores. Lo que se dice un plagio por partida doble.

Y si se habla de ilusionistas y videntes, no puede quedar afuera el gran Harry Houdini. Sus habilidades consistían en evadirse de sacos atados con candados o peceras de vidrio llenas de agua. El cine intentó honrar en varias ocasiones la memoria de este escapista estadounidense de origen judío. Acaso Houdini (1953) de George Marshall, con Tony Curtis en el papel estelar, sin ser una gran película, haya sido la versión más digna. El último intento quedó en manos de Gillian Armstrong con su Death Defying Acts (2007). Los encargados de dar vida al relato fueron Catherine Zeta-Jones y Guy Pearce. El filme tiene un comienzo muy alentador, pero con el pasar de los artificio, la monotonía invade la pantalla y el único truco que uno ansía, es el de los títulos finales.

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COSA DE NEGROS

En el hip hop existen varias vertientes musicales. Los Gangsta rap, que cuenta entre sus filas a tipos realmente malos como Snoop Dogg, Dr. Dre, 50 Cent, están en picada. El hip hop travestido en rhythm and blues es propiedad de Timbaland (alias Timothy Z. Mosley), un moreno machazo que endulza el rap con gotitas de erotismo. Es el productor de moda y en su lista de clientes aparecen Nelly Furtado, Rihanna, Justin Timberlake, Björk y Madonna. El grupo N.E.R.D., que para producir utiliza el apodo The Neptunes fueron, durante 5 años, los chicos mimados del ecosistema sonoro. Pero su pastiche electrónico se pasó de moda.

Hoy, el trío formado por Pharrell Williams, Chad Hugo y Shae Haley vuelve a la carga con Seeing Sounds. Y en el regreso hay mucho de macho en celo que marca territorio. El grupo parece decir, acá estamos, esto es lo que hacemos: podemos ayudarte. Y para demostrar que su sonido evoluciona y que están dispuestos a mover todas las perillas del tablero, aparecen con un disco que, más que una obra conceptual parece un catálogo filarmónico.

Pero claro, después de cuatro años de exilio voluntario los N.E.R.D. necesitan probar que están en condiciones de ser consumidos sin complicaciones. Que ese lapso de quietud no fue para recobrarse del Knock Out de Timbaland sino para refinar su fórmula del ruido. Porque salir a batallar con las mismas armas de In the search of... (2002) sería una cruzada perdida, simplemente, porque los Gnarls Barkley ofrecen algo parecido pero a un costo mucho más accesible.

El germen del cambio se aloja en los primeros temas de Seeing Sounds, que son los que definen la placa. Time For Some Action es el tema de apertura y es donde se presentan las nuevas rimas melódicas. La batería se extiende hasta Everyone Nose, donde la frase “All The Girls Standing In The Line For The Bathroom” se convierte en un mantra de descarga. El track más logrado es Anti Matter, que no abandona el nervio de sus orígenes y consigue introducir una variante musical al agotado pentagrama del hip hop. Acaso la otra sorpresa sea Sooner or Later, una baladita de negro urbano, que no desaprovecha las influencias sonoras de Prince y Teddy Riley. El resto discurre entre un pop revoltoso y un soul atropellado, que sin caer en la frivolidad, suena a más de lo mismo.

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MATADORES

Las películas inglesas y su fina ironía resulta una combinación tan característica como el té de las cinco con scones. Aunque la mezcla de los ingredientes siempre es moderada, en algunos casos el humor negro es el ingrediente predominante y en otros, como ocurre con In Bruges, la violencia febril es el eje sobre el que se enrama la historia.

Uno de los aciertos del debutante Martin McDonagh es haber elegido la ciudad belga de Brujas para el rodaje que, a modo de bonus track, ofrece un interesante catálogo turístico. Y es que aquel bastión medieval no es simplemente un título decoroso. La metrópoli flamenca, con sus canales subfluviales, el museo Groeningue y sus cuadros de Jan Van Eyck, El Bosco, Van der Weyden o Memling, la Basílica de la Santa Sangre, la convierte en un actor más en escena, que exprime al máximo su participación.

Aunque la única referencia de McDonagh es Six shooter (2004), un cortometraje de 27 minutos que le valió un premio Oscar, su filme fue elegido para inaugurar el Festival de Sundance y las críticas en su mayoría, le fueron favorables. Otro de los méritos de este director es haber logrado correr a Ralph Fiennes (Harry) del papel de caballero estatua que parece haberse calzado en Sunshine (1999) y no nunca más quiso aflojar. Sí, en esta oportunidad hace de un mafioso malhablado y se nota que lo disfruta.

De qué va. Sin tener muy en claro los motivos, Ray y Ken son enviados a la ciudad de Brujas por Harry, su jefe, por dos semanas. Mientras esperan alguna orden concreta se dedican a pasear por los alrededores y de a poco, la visión de la localidad los irá cambiando.

Al hueso. Sin ser un gran filme, In Bruges tiene la decencia de conocer sus limitaciones y no aspirar a más de lo que tiene para ofrecer. Así, entre descargas de fogueó y puñetazos de karate, se deslizan algunas líneas ingeniosas como cuando Ken le pregunta a un enano “¿Sos de los Estados Unidos?” y el pequeño le confiesa “sí, pero no tengo la culpa”, a lo que le replica “entonces trata de no gritar ni decir groserías”.

Salvo el giro de Ralph Fiennes, los dos protagonistas (Brendan Gleeson y Colin Farrell) desarrollan el papel de dos rufianes hostiles pero de buen corazón, que ya vistieron en más de una ocasión. Acaso el costado menos justificable sea la pulsión que siente su director por retratar la sangre. Cuando uno menos se lo espera, ríos de hemoglobina surcan la carótida de los personajes, mientras uno se pregunta si era necesaria semejante demostración de gore.

En definitiva. El filme ofrece grandes momentos de diversión intercalados con acción, buen elenco y mejor puesta.
Score 6/10

TITULO: Escondidos en Brujas
ORIGINAL: In Bruges
ESTRENO: Sin fecha en Argentina.
ORIGEN: Reino Unido y Bélgica.
AÑO: 2008
DURACION: 107 minutos
DIRECTOR: Martin McDonagh
REPARTO: Colin Farrell (Ray), Brendan Gleeson (Ken), Ralph Fiennes (Harry), Clémence Poésy (Chloë), Jérémie Rénier (Eirik), Thekla Reuten (Marie), Jordan Prentice (Jimmy)
GUION: Martin McDonagh
MUSICA: Carter Burwell
FOTOGRAFIA: Eigil Bryld
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EL IMPERIO DEL ROCK

El rock es uno de los movimientos más contradictorios de la cultura moderna. Nació como una expresión de protesta que fue adoptada por millones de jóvenes, pero cuando las ideologías se apagaron y el paradigma reinante pasó a ser la reputación, los músicos, se aprovecharon de aquel público que los idolatraba, para construir un mito que de a poco se resquebraja. A continuación, algunos signos que prueban que el rock está muerto.

Los chicos de Metallica son unos machotes que en el año 1998 reclamaban justicia para todos (…And Justice for all) pero dos años más tarde, iniciaban su juicio contra Napster por fomentar la piratería, al tiempo que don Ulrich, entregaba a la justicia un documento con 300 mil nombres de usuarios (fanáticos sería el término) que habían bajado temas de la banda. Pero la botonería no termina. Hace poco, el grupo invitó a unos bloggers a un recital de su nuevo disco y cuando aparecieron las primeras reviews en Internet, mandaron a sus abogados para que se las obliquen a sacar.

Alguien puede dudar que, después de 35 años de batallar en los escenarios, los AC/DC necesite un acuerdo exclusivo con un supermercado para vender su nuevo disco. De no creer. La noticia reza que luego de ocho años de silencio (Stiff Upper Lip fue lo último) el grupo australiano firmó un acuerdo con Wal-Mart Stores Inc para distribuir su nuevo trabajo.

Y cuando las monedas hacen ruido, nada tan decadente como ver a los chicos rebeldes vestidos de traje y corbata, jurando en una corte. Por esta situación pasaron Yoko Ono por Lennon, Sir James Paul McCartney por The Beatles y también, The Beach Boys y su litigio por el nombre. Ah, no olvidar a Courtney Love y los ex Nirvana (hoy Foo Fighters).

Pero el negocio debe continuar. Incluso si la formación original se desvanece. Así, The Door le buscaron un reemplazante a James Morrison para salir de gira y los sobrevivientes de INXS encontraron un substituto de Michael Hutchence en un concurso de talentos. Tampoco se puede pretender que los fanáticos recuerden el nombre de los integrantes de Creedence Clearwater Revival o Megadeth. Mientras imitadores de Pink Floyd, Queen y The Beatles, llenan estadios, la fiesta parece no tener final. Glorias del pasado como The Stooges, Sex Pixtols, Led Zeppelin, salen de sus tumbas para participar del negocio.

Uno de los culpables de la decadencia musical fue MTV. Que empezó como una cadena de música alternativa que pasaba videoclips las 24 horas del día, para terminar con una programación que va de citas de amor, novelas adolescente a enchulado de autos. Y si bien el reality de Los Osbourne tenía momentos divertidos, era triste ver a Ozzy en aquel papel decadente.

Hoy las estrellas salen a roquear por TV. Desde el impresentable programa de
Gene Simmons, con todo el merchandising kissero que trata de imponer a costa de cualquier bajeza. Otro de los canales que apostó por el reciclaje fue VH1. Para SuperGroup convocó al guitarrista Ted Nugent, Scott Ian (Anthrax), Sebastian Bach (Skid Row), Evan Seinfeld (Biohazard) y Jason Bonham (hijo de John Bonham, de Led Zeppelin). La otra perla del canal es El rock del amor donde un botoxeado Bret Michaels (líder de Poison) debe seleccionar una esposa entre veinte pariticipantes.

Continuará……

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LA COMUNIDAD

Se hacen películas pensando en el público masivo, hay otras menos directas, reservadas para los cinéfilos y existe una tercer categoría que se especializa en producir éxitos para los festivales. Sobre esta métrica resbaladiza se desplaza Stellet Licht (Luz silenciosa), una producción mexicana que, como no podía ser de otra forma, obtuvo el Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes, se alzó con el Premio de la Crítica en Río de Janeiro y fue elegida para representar a México en la entrega de los Oscars.

Acaso el gran acierto de su director Carlos Reygadas (el mismo de Batalla en el cielo - 2005) haya sido mostrar al mundo que en su país, existe una comunidad llamada Menonitas, descendientes directos del movimiento anabaptista del siglo XVI, contemporáneo de la Reforma Protestante. Esta comuna está radicada en el estado de Chihuahua y su idioma es una derivación del alemán antiguo con alguna filiación con la lengua neerlandesa. Ahora, el procedimiento que escogió para narrar su historia es otro tema.

Se puede aceptar que el filme carezca de banda sonora y en su lugar, los silencios sean la única cortina de fondo. Es de un gran mérito que muchos de los personajes que aparecen en pantalla no sean actores profesionales. Pero lo que cuesta tolerar es que Reygadas deje su cámara inmóvil durante seis minutos para retratar el amanecer. Y ese es apenas el inicio. Como un fiel discípulo de Andréi Tarkovski o un poco elocuente homenaje a Theodor Dreyer, cada plano, cada avance, puede extenderse unos dos minutos en promedio. Sin demasiada narración en juego, la totalidad del metraje es de 142 minutos, algo que un hábil editor podría haber llevado a la mitad.

De qué va. Johan es un granjero menonita del norte de México, padre de siete hijos, casado con Esther, que en apariencia, lleva una vida feliz y ordenada. Pero una astilla moral hace que su existencia sea ardua y problemática.

Al hueso. Cuando un director decide exponer las costumbres de una comunidad religiosa, puede optar por el tono ligero de Witness (1985), aquel filme de Peter Weir donde Harrison Ford se metía en un kibutz; buscar algo fragmentado como Water (2005) de Deepa Mehta, que denuncia los abusos del sistema de castas en la India o, girar la rosca al extremo para que destile Stellet Licht. A mitad de camino entre el documental y la ficción, el filme de Reygadas logra, por momentos, seducir al espectador y en otros, aburrirlo y alejarlo. Acaso porque no es una película para juzgar desde el aspecto emocional sino desde la técnica. En ese caso hay que decir que tanto la fotografía como el manejo de la luz son de una prolijidad rayana con la visión.

En definitiva. Una película que no logra conmover desde lo argumental, porque su apuesta más consistente se apoya en lo estético. Sólo para especialistas.
Score: 5/10

TITULO: Luz silenciosa
ORIGINAL: Stellet Licht
ESTRENO: Sólo en festivales
ORIGEN: México, Francia y Holanda
AÑO: 2007
DURACION: 142 minutos
DIRECTOR: Carlos Reygadas
REPARTO: Cornelio Wall Fehr (Johan), Miriam Toews (Esther), María Pankratz (Marianne), Peter Wall (padre), Elisabeth Fehr (madre), Jacobo Klassen (Zacarías), Irma Thiessen (Sara), Alfredo Thiessen (Alfredo), Daniel Thiessen (Daniel), Autghe Loewen (Autghe), Jackob Loewen (Jackob), Elisabeth Fehr (Anita)
GUION: Carlos Reygadas
MONTAJE: Natalia López
FOTOGRAFIA: Alexis Zabé
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EN BREVES INSTANTES

Involucrarse en un filme requiere, como mínimo, 90 minutos de tiempo. Para quien no disponga esa cantidad y pretenda cargar imágenes breves en sus pensamientos, puede recurrir a los cortos. Uno de los referentes en la materia es Future Shorts, se trata de un festival internacional de cortometrajes que se ocupa de recopilar los mejores exponentes del género y los da a conocer en diferentes capitales del orbe.

La casa central se ubica en Londres y la red internacional está constituida por 16 países, que proyectan regularmente las selecciones de Future Shorts en salas o bares. Entre los que se cuentan: Reino Unido, Dinamarca, España, Colombia, Kenia, Bangladesh, Japón, Estados Unidos, Italia, México, Rusia, Colombia, entre otros. Los trabajos exhibidos son bastante amplios y las categorías que incluyen van desde el corto de ficción a los videoclips, animaciones en 3D, diseños con Flash, pasando por el cine experimental, el collage fotográfico y los documentales.

Entre las novedades más recientes se cuenta el corto Ver llover, de la mexicana Elisa Millar, ganador de la edición 2007 del Festival de Cannes y el videoclip Pa’ bailar con Julieta del grupo Bajo Fondo Tango Club, dirigido por Alma Har'el. Claro que como esta muestra todavía no desembarcó por Buenos Aires, sólo queda verlos por Internet. A continuación, una selección de los tres cortos más ingeniosos. Para ver más, se puede ir al sitio exclusivo que el festival abrió en Youtube.

Lucky


Paintballing


This is Me

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WIKI-WIKI BOM-BOM

Para todos los angurrientos del saber, esos que necesitan acumular pila de datos de la más variada índole, en Internet se desató la obsesión por las Pedias (del griego educación, por enciclopedias) y los Wikis (páginas que pueden ser creadas y editadas por cualquier persona). Pero no todos están de acuerdo con el sistema de escritura comunitaria propuesto por Wikipedia. Quienes son los más acérrimos opositores a este método y los sitios que sumaron su apoyo a esta tendencia en alza.

Nada de Wiki. La ConservaPedia se define como la "enciclopedia conservadora en la que se puede confiar". Sus creadores son un grupo apostólico estadounidenses, que consideran a la Wikipedia tendenciosa, anticristiana y poco americana. Fue concebida por el abogado Andy Schlafly, quien contó con el apoyo de 58 estudiantes de Nueva Jersey. Hasta la fecha suma 461.000 páginas editadas. Disponible sólo en inglés.

En tono de farsa. Sin tanta solemnidad, en Uncyclopedia decidieron tomarse a chiste los artículos existentes y se apoyan en el ingenio para captar a los lectores más sagaces. Dividida en categorías tales como: ciencia, política, historia, juegos, entre otras. En la portada de la misma se lee “enciclopedia gratuita que nadie puede editar”. Con un total de 23,384 artículos, sólo en inglés.

Aprehendiendo se aprende. Dentro del rubro educativo asoma ABCPedia, una enciclopedia escolar con varias entradas temáticas. Para los amantes de la lengua española esta WikiLengua, que se presenta como un instrumento para un mejor uso del castellano. Abarca la gramática, la ortografía y el léxico. Todos aquellos que tengan dudas sobre la sexualidad o las funciones de sus órganos, podrán hallar la respuesta en Sexopedia. Y para promover el uso de la energía solar nació SolarPedia.


Quien te ha visto. En la sintonía de cine y televisión se abre paso la Wookieepedia, enciclopedia sobre el mundo StarWars que no admite edición. Unicamente en inglés. Los fanáticos de la serie Lost, también tienen su lugar Wiki en LostPedia, con escenas eliminadas de la 4 temporada y rumores sobre la 5. Y para todos aquellos personajes que escapan a los límites establecidos, nada como la FrikiPedia.

Religión geeks. Una de las secciones más prolíficas es la de tecnología. Allí se dan cita la TechPedia con los últimos adelantos tecnológicos, la WebcamPedia, con cámaras instaladas en distintas capitales mundiales y la SoftPedia, sobre software de código abierto y actualizaciones de los diferentes sistemas operativos. Y para no fallar en los negocios, basta con darse una vuelta por la DealPedia.

Ser Wiki. Y para todos aquellos que quieran tener su propia página Wiki (abreviatura hawaina de WikiWiki que significa rápido) nada más simple que llegar hasta wiki.mailxmail y obtenerlo en un toque.

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EL REINO DEL COLMILLO

En el universo cinematográfico, a los paladines justicieros como a los villanos despiadados les llega el momento del relevo. Una de las amenazas en peligro de extinción son los tiburones, célebre depredador submarino al cual, directores como Samuel Fuller (Shark! - 1969) y Steven Spielberg (Jaws - 1975) galardonaron con el título de “terror de los mares”. Pero la gloria fue del pasado. Hoy, un nuevo carnicero náutico se abre paso desde las profundidades del celuloide. Hablamos del cocodrilo.

Su vertiginoso ascenso no se debe a una mordida implacable, que su lomo correoso transmita mayor espanto o que pueda desplazarse por tierra y agua. La explicación más honesta es que el escualo dejó de asustar. Pero la consagración del reptil anfibio no es definitiva. Todavía le falta alcanzar un éxito masivo que lo convierta en el asesino serial de las costas. Entonces sí, un perseguidor de éxitos lanzará la saga Tiburón vs Cocodrilo y la batalla no dará cuartel.

Una de las producciones más recientes, que lo tienen como protagonista, es Rogue (2007) del realizador australiano Greg McLean. Luego de sorprender con su ópera prima Wolf Creek (2005), McLean regresó con una producción de varios ceros y el flirteo constante con las luces de Hollywood. Si hay algo que demostró en esta vuelta, es que sabe crear climas de suspenso con unas pocas piezas. La introducción de los personajes y la preparación del territorio son realmente fascinantes. Para producir el efecto de aislamiento, combina tomas aéreas de la región australiana con primeros planos de los cocodrilos que flotan por los meandros del litoral.

Y aunque se trata de un típico filme de supervivencia, no es la típica apuesta comercial. En los últimos 20 minutos la historia empieza a tocar suelo convencional y al cierre, termina por confirmar el aterrizaje. El propio director es unn confeso admirador de Steven Spielberg y acaso el afiche (ver foto) se entienda como un homenaje al legenario cartel de Tiburón (1975), donde los dientes del pez están a punto de devorar a su presa.

Uno de los filmes más realistas y tensionantes sobre cocodrilos es Black Water (2007) de la dupla David Nerlich y Andrew Traucki. Lo fascinante de esta historia que pasó sin pena ni gloria, es que no necesita recurrir a criaturas prodigiosas para sembrar el pánico. Basada en hechos reales, narra las vicisitudes de una familia cuyo bote es atacada por un reptil en los bosques australianos. Los sobrevivientes pasan gran parte de la película sobre un árbol, a merced de un bicho feroz que no les concede tregua. Acaso una mala campaña de marketing y un afiche por demás insustancial, hayan privado a muchos fanáticos de esta aventura estremecedora.

Salvo la correcta Lake Placid (1999) de Steve Miner, que tiene el mérito de ser una de las dignas impulsoras del género, el resto de los filmes, son una sucesión de brazos, mutilaciones y dentelladas sin filo. Desde la promocionada Primeval – 2007 (ver foto) con unos carteles más que sugestivos pero de un contenido nulo. Ni hablar de la impresentable Krocodylus (2000) o Crocodile 2: Death Swamp (2002). Pero esto, esto recién empieza.

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TODO DICHO

Para los tímidos, o aquellos que nunca encuentran la palabra justa que concuerde con sus pensamientos, existe una gran cantidad de medios simbólicos para expresar lo que uno tiene en mente. Sin perder la capacidad de ingenio, cuatro ejemplos por demás ilustrativos, según la personalidad del hablante.


Para los más precavidos

A quienes les gusta dirigir la conversación

Esos que se creen dueños de la verdad

Los que se ponen el cassette y no paran

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PERFORANDO EL RUIDO

Hágase la siguiente mixtura: en un cubo vacío agregar un chorro de Velvet Underground con una pizca de Siouxsie Sioux y revolver hasta conseguir una textura Nick Cave & the Bad Seeds. Olfatee el recipiente, su aroma será ligeramente similar a Free Kitten, la banda integrada por Kim Gordon (Sonic Youth), Julie Cafritz (Pussy Galore) y la robusta Yoshimi P-We (Boredoms) en los parches. Estas chicas súper poderosas, acaban de editar Inherit, su cuarto disco.

Para cuando las pistas de Sonic Youth se empiezan a empastar, la amazona neumática de Gordon no anda con vueltas, clava un portazo y se manda a mudar con su banda alternativa, la cual mantiene desde 1992, aunque hace 10 años (Sentimental Education) que no le dedica un ruido. El disco arranca con los nervios de punta y mete guitarras distorsionadas en cada hueco de Erected Girl y Surf's Up. Pero Inherit no es sólo rock and roll, también hay tiempo para hacer las paces con las baladas (Monster Eye) y los climas espaciales (Billboard). Mucho más cumplidor que los anteriores, acaso vale decir, con el peso de la madurez.

Curiosamente, por estos días, los Sonic Youth acaban de lanzar Goodbye 20th Century, un libro de 400 páginas con algunas fotos inéditas y un par de datos sueltos, sirven para trenzar una biografía oficialde este fraks que se mantienen en los escenarios desde hace 30 años. Algunas de las imágenes se pueden ver en el sitio de la revista Rolling Stone.

Esta agrupación neoyorkina del noise experimental, está formada por Jim O'Rourke (productor), Lee Ranaldo (vocalista y guitarra) , Kim Gordon (voz, bajo y segunda guitarra) , Thurston Moore (guitarra y voz) y Steve Shelley (batería). En sus comienzos fueron una banda de corte netamente experimental (Confusion Is Sex - 1983) y de a poco fueron adoptando un sonido más pop (EVOL - 1986). Los muchachos son unos confesos admiradores de la ciencia ficción, incluso su disco Sister (1987) es un homenaje al escritor Philip K Dick. Pero no fue hasta 1990 que firmaron con el sello multinacional Geffen, debutando con Goo, donde graban un tema con el grupo de rap Public Enemy.

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BUSCANDO ALGUN DESTINO

Para consumar el trayecto que va de la infancia a la madurez, la existencia prepara tres categorías de individuos: los genios conflictuados, los mediocres perseverantes y los perdedores sin culpa. Sin tener en cuenta la escala de grises que se esparce en cada rango, la más ventajosa de las posiciones es la intermedia [mediocres perseverantes], porque como bien se retrata en el filme noruego Reprise, es la única que logra llegar a la meta. Ya que los otros dos, se pierden por el camino.

Este filme del director Joachim Trier (cualquier afinidad con Lars Von, es mera coincidencia) se cargó de premios en su paso por los festivales y Reprise, su ópera prima, fue adoptada por muchos jóvenes noruegos como una película de culto. La forma en la que fue rodada es acaso una de las razones de tamaño suceso. La estética de Trier se asemeja a la de esos directores publicitarios, que ofrecen una edición tan de videoclip, como ocurrió con su compatriota Christopher Boe en Reconstruction (2003), que no da tiempo para pensar. El secreto está en disfrutar de las imágenes.

Y aunque es fácil perder el hilo argumental, el espectador queda desbordado por la creatividad y el ritmo que proponen las escenas. El gran desafío de esta métrica consiste en sostener el equilibrio durante todo el metraje. Porque al perder la regularidad narrativa, el mínimo obstáculo hace que la historia aterrice en un pozo sin final. Y es precisamente ese cambio de marcha (caliente/frío) lo que dificulta el acercamiento a Reprise.

De qué va. Erik y Phillip son dos jóvenes que buscan consagrarse como escritores. Uno es talentoso pero depresivo y el otro compensa su falta de capacidad con actitud.

Al hueso. Uno puede juzgar a Reprise como un filme pretencioso, de esos se que se escudan en el título de vanguardia (divino Dogma) para justificar experimentos infames. Pero a ciencia cierta, la película de Trier tiene un arranque muy original, que va decayendo con el transcurso de las escenas. Aunque en líneas generales, logra su objetivo, que no es otro que entretener.

El concepto sobre el que se monta Reprise es sobre un grupo de jóvenes que intentan cambiar los cánones literarios a través de sus textos. Entre tanto, se muestran los conflictos y desintereses de una generación dominada por la tecnología. Pero el mensaje europea de ruptura, matizado por la pulcritud y el respeto de su gente, llega hasta nuestra hoja latinoamericana como una figura demasiado artificial.

En definitiva. Un filme entretenido, con una edición dinámica, que sufre algunos tropiezos, de los que no logra recuperarse plenamente.
Score 6/10

TITULO: Reprise
ESTRENO: Se presentó en la edición 07 del Bafici
ORIGEN: Noruega
AÑO: 2006
DURACION: 105
DIRECTOR: Joachim Trier
REPARTO: Anders Danielsen Lie, Espen Klouman-Høiner, Viktoria Winge, Henrik Elvestad, Christian Rubeck, Odd Magnus Williamson, Rebekka Karijord, Henrik Mestad, Pål Stokka, Sigmund Sæverud
GUION: Joachim Trier, Eskil Vogt
MUSICA: Ola Fløttum, Knut Schreiner
FOTOGRAFIA: Jakob Ihre
SITIO OFICIAL

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ATRAPADA SIN SALIDA

El potencial de cualquier obra se mide a través de la forma y del contenido. Para que a esta dualidad se la pueda catalogar de original, estos ingredientes deben ser cocinados a la par. Si entendemos que el contenido es lo que se hace, o lo que se presenta dentro de una forma, podemos argumentar que a Leonera, el nuevo filme de Pablo Trapero, cabe atribuirle un significado diferente a lo que el mismo contenido representa. Una condición que lo eleva sobre el resto.

Trapero es uno de los directores que, junto con Lucrecia Martel, Damián Szifrón, Agustina Carri, Daniel Burman y Martín Rejtman, constituyen la avanzada del “nuevo cine argentino”. Con su filme anterior, Nacido y criado (2006) Trapero ensayó un cambio de rumbo, apostó a una historia introspectiva, más del universo de Fabián Bielinsky que del su propia cosecha. El resultado, sin ser desalentador, ofrecía demasiados puntos de fuga. Con Leonera, vuelve a ejercer su rol de cirujano de una realidad menos luminosa.

Una de las virtudes de Trapero es que sus filmes pueden gustar o no, pero siempre llevan su sello personal. Así, la mitad de los personajes que aparecen en pantalla no son actores profesionales, la historia esta concebida desde una óptica bondadosa, que toma partido por los humildes y la tragedia, entendida en el sentido más helénico, es el eje de todos sus relatos.

El film, que gozó de una gran aceptación en el festival de Cannes, contó con un presupuesto de 1 millón de dólares, está ambientado en Olmos, una cárcel real del gran Buenos Aires. Es una coproducción de la productora Matanza Cine con VideoFilmes, la empresa de Walter Salles y Cineclick Asia, de la coreana Youngjoo Suh, productora del director Kim Ki-duk.

De qué va. Julia es acusada de un asesinato que no recuerda haber cometido. Como todas las evidencias la muestran como culpable es enviada a prisión. Por su estado de embarazo, es asignada a un pabellón de mujeres con hijos pequeños o a punto de dar familia.

Al hueso. Películas sobre mujeres subyugadas en un correccional hay a montones. En la mayoría de los casos, se trata de producciones que explotan el costado porno soft de la situación, antes que mostrar un retrato verosímil de los hechos. Pero la apuesta de Leonera se desliza unos metros más sobre terreno resbaladizo. Porque habla sobre algo que nadie se animó a decir o acaso, no se le ocurrió mostrar, como es la crianza de los hijos durante el arresto. Lo positivo del filme es que, en lugar de aprovechar este cuadro desolador para ofrecer un retrato de la violencia carcelaria, destaca la solidaridad de mujeres de distinto rango social en situaciones límites.

En definitiva. Una historia dolorosa, contada sin anestesia ni concesiones, que no carece de momentos afectivos ni de las típicas revueltas de los penales.
Score 7/10

TITULO: Leonera
ESTRENO: 29 de mayo
ORIGEN: Argentina - Corea - Brasil
AÑO: 2008
DURACION: 112 minutos
DIRECTOR: Pablo Trapero
REPARTO: Martina Gusman, Elli Medeiros, Laura García, Rodrigo Santoro Tomás Plotinsky
GUION: Pablo Trapero, Martín Mauregui, Alejandro Fadel, Santiago Trapero
MONTAJE: Pablo Trapero, Ezequiel Borovinsky
FOTOGRAFIA: Guillermo Nieto
SITIO OFICIAL

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