WIKI-WIKI BOM-BOM

Para todos los angurrientos del saber, esos que necesitan acumular pila de datos de la más variada índole, en Internet se desató la obsesión por las Pedias (del griego educación, por enciclopedias) y los Wikis (páginas que pueden ser creadas y editadas por cualquier persona). Pero no todos están de acuerdo con el sistema de escritura comunitaria propuesto por Wikipedia. Quienes son los más acérrimos opositores a este método y los sitios que sumaron su apoyo a esta tendencia en alza.

Nada de Wiki. La ConservaPedia se define como la "enciclopedia conservadora en la que se puede confiar". Sus creadores son un grupo apostólico estadounidenses, que consideran a la Wikipedia tendenciosa, anticristiana y poco americana. Fue concebida por el abogado Andy Schlafly, quien contó con el apoyo de 58 estudiantes de Nueva Jersey. Hasta la fecha suma 461.000 páginas editadas. Disponible sólo en inglés.

En tono de farsa. Sin tanta solemnidad, en Uncyclopedia decidieron tomarse a chiste los artículos existentes y se apoyan en el ingenio para captar a los lectores más sagaces. Dividida en categorías tales como: ciencia, política, historia, juegos, entre otras. En la portada de la misma se lee “enciclopedia gratuita que nadie puede editar”. Con un total de 23,384 artículos, sólo en inglés.

Aprehendiendo se aprende. Dentro del rubro educativo asoma ABCPedia, una enciclopedia escolar con varias entradas temáticas. Para los amantes de la lengua española esta WikiLengua, que se presenta como un instrumento para un mejor uso del castellano. Abarca la gramática, la ortografía y el léxico. Todos aquellos que tengan dudas sobre la sexualidad o las funciones de sus órganos, podrán hallar la respuesta en Sexopedia. Y para promover el uso de la energía solar nació SolarPedia.


Quien te ha visto. En la sintonía de cine y televisión se abre paso la Wookieepedia, enciclopedia sobre el mundo StarWars que no admite edición. Unicamente en inglés. Los fanáticos de la serie Lost, también tienen su lugar Wiki en LostPedia, con escenas eliminadas de la 4 temporada y rumores sobre la 5. Y para todos aquellos personajes que escapan a los límites establecidos, nada como la FrikiPedia.

Religión geeks. Una de las secciones más prolíficas es la de tecnología. Allí se dan cita la TechPedia con los últimos adelantos tecnológicos, la WebcamPedia, con cámaras instaladas en distintas capitales mundiales y la SoftPedia, sobre software de código abierto y actualizaciones de los diferentes sistemas operativos. Y para no fallar en los negocios, basta con darse una vuelta por la DealPedia.

Ser Wiki. Y para todos aquellos que quieran tener su propia página Wiki (abreviatura hawaina de WikiWiki que significa rápido) nada más simple que llegar hasta wiki.mailxmail y obtenerlo en un toque.

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EL REINO DEL COLMILLO

En el universo cinematográfico, a los paladines justicieros como a los villanos despiadados les llega el momento del relevo. Una de las amenazas en peligro de extinción son los tiburones, célebre depredador submarino al cual, directores como Samuel Fuller (Shark! - 1969) y Steven Spielberg (Jaws - 1975) galardonaron con el título de “terror de los mares”. Pero la gloria fue del pasado. Hoy, un nuevo carnicero náutico se abre paso desde las profundidades del celuloide. Hablamos del cocodrilo.

Su vertiginoso ascenso no se debe a una mordida implacable, que su lomo correoso transmita mayor espanto o que pueda desplazarse por tierra y agua. La explicación más honesta es que el escualo dejó de asustar. Pero la consagración del reptil anfibio no es definitiva. Todavía le falta alcanzar un éxito masivo que lo convierta en el asesino serial de las costas. Entonces sí, un perseguidor de éxitos lanzará la saga Tiburón vs Cocodrilo y la batalla no dará cuartel.

Una de las producciones más recientes, que lo tienen como protagonista, es Rogue (2007) del realizador australiano Greg McLean. Luego de sorprender con su ópera prima Wolf Creek (2005), McLean regresó con una producción de varios ceros y el flirteo constante con las luces de Hollywood. Si hay algo que demostró en esta vuelta, es que sabe crear climas de suspenso con unas pocas piezas. La introducción de los personajes y la preparación del territorio son realmente fascinantes. Para producir el efecto de aislamiento, combina tomas aéreas de la región australiana con primeros planos de los cocodrilos que flotan por los meandros del litoral.

Y aunque se trata de un típico filme de supervivencia, no es la típica apuesta comercial. En los últimos 20 minutos la historia empieza a tocar suelo convencional y al cierre, termina por confirmar el aterrizaje. El propio director es unn confeso admirador de Steven Spielberg y acaso el afiche (ver foto) se entienda como un homenaje al legenario cartel de Tiburón (1975), donde los dientes del pez están a punto de devorar a su presa.

Uno de los filmes más realistas y tensionantes sobre cocodrilos es Black Water (2007) de la dupla David Nerlich y Andrew Traucki. Lo fascinante de esta historia que pasó sin pena ni gloria, es que no necesita recurrir a criaturas prodigiosas para sembrar el pánico. Basada en hechos reales, narra las vicisitudes de una familia cuyo bote es atacada por un reptil en los bosques australianos. Los sobrevivientes pasan gran parte de la película sobre un árbol, a merced de un bicho feroz que no les concede tregua. Acaso una mala campaña de marketing y un afiche por demás insustancial, hayan privado a muchos fanáticos de esta aventura estremecedora.

Salvo la correcta Lake Placid (1999) de Steve Miner, que tiene el mérito de ser una de las dignas impulsoras del género, el resto de los filmes, son una sucesión de brazos, mutilaciones y dentelladas sin filo. Desde la promocionada Primeval – 2007 (ver foto) con unos carteles más que sugestivos pero de un contenido nulo. Ni hablar de la impresentable Krocodylus (2000) o Crocodile 2: Death Swamp (2002). Pero esto, esto recién empieza.

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TODO DICHO

Para los tímidos, o aquellos que nunca encuentran la palabra justa que concuerde con sus pensamientos, existe una gran cantidad de medios simbólicos para expresar lo que uno tiene en mente. Sin perder la capacidad de ingenio, cuatro ejemplos por demás ilustrativos, según la personalidad del hablante.


Para los más precavidos

A quienes les gusta dirigir la conversación

Esos que se creen dueños de la verdad

Los que se ponen el cassette y no paran

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PERFORANDO EL RUIDO

Hágase la siguiente mixtura: en un cubo vacío agregar un chorro de Velvet Underground con una pizca de Siouxsie Sioux y revolver hasta conseguir una textura Nick Cave & the Bad Seeds. Olfatee el recipiente, su aroma será ligeramente similar a Free Kitten, la banda integrada por Kim Gordon (Sonic Youth), Julie Cafritz (Pussy Galore) y la robusta Yoshimi P-We (Boredoms) en los parches. Estas chicas súper poderosas, acaban de editar Inherit, su cuarto disco.

Para cuando las pistas de Sonic Youth se empiezan a empastar, la amazona neumática de Gordon no anda con vueltas, clava un portazo y se manda a mudar con su banda alternativa, la cual mantiene desde 1992, aunque hace 10 años (Sentimental Education) que no le dedica un ruido. El disco arranca con los nervios de punta y mete guitarras distorsionadas en cada hueco de Erected Girl y Surf's Up. Pero Inherit no es sólo rock and roll, también hay tiempo para hacer las paces con las baladas (Monster Eye) y los climas espaciales (Billboard). Mucho más cumplidor que los anteriores, acaso vale decir, con el peso de la madurez.

Curiosamente, por estos días, los Sonic Youth acaban de lanzar Goodbye 20th Century, un libro de 400 páginas con algunas fotos inéditas y un par de datos sueltos, sirven para trenzar una biografía oficialde este fraks que se mantienen en los escenarios desde hace 30 años. Algunas de las imágenes se pueden ver en el sitio de la revista Rolling Stone.

Esta agrupación neoyorkina del noise experimental, está formada por Jim O'Rourke (productor), Lee Ranaldo (vocalista y guitarra) , Kim Gordon (voz, bajo y segunda guitarra) , Thurston Moore (guitarra y voz) y Steve Shelley (batería). En sus comienzos fueron una banda de corte netamente experimental (Confusion Is Sex - 1983) y de a poco fueron adoptando un sonido más pop (EVOL - 1986). Los muchachos son unos confesos admiradores de la ciencia ficción, incluso su disco Sister (1987) es un homenaje al escritor Philip K Dick. Pero no fue hasta 1990 que firmaron con el sello multinacional Geffen, debutando con Goo, donde graban un tema con el grupo de rap Public Enemy.

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BUSCANDO ALGUN DESTINO

Para consumar el trayecto que va de la infancia a la madurez, la existencia prepara tres categorías de individuos: los genios conflictuados, los mediocres perseverantes y los perdedores sin culpa. Sin tener en cuenta la escala de grises que se esparce en cada rango, la más ventajosa de las posiciones es la intermedia [mediocres perseverantes], porque como bien se retrata en el filme noruego Reprise, es la única que logra llegar a la meta. Ya que los otros dos, se pierden por el camino.

Este filme del director Joachim Trier (cualquier afinidad con Lars Von, es mera coincidencia) se cargó de premios en su paso por los festivales y Reprise, su ópera prima, fue adoptada por muchos jóvenes noruegos como una película de culto. La forma en la que fue rodada es acaso una de las razones de tamaño suceso. La estética de Trier se asemeja a la de esos directores publicitarios, que ofrecen una edición tan de videoclip, como ocurrió con su compatriota Christopher Boe en Reconstruction (2003), que no da tiempo para pensar. El secreto está en disfrutar de las imágenes.

Y aunque es fácil perder el hilo argumental, el espectador queda desbordado por la creatividad y el ritmo que proponen las escenas. El gran desafío de esta métrica consiste en sostener el equilibrio durante todo el metraje. Porque al perder la regularidad narrativa, el mínimo obstáculo hace que la historia aterrice en un pozo sin final. Y es precisamente ese cambio de marcha (caliente/frío) lo que dificulta el acercamiento a Reprise.

De qué va. Erik y Phillip son dos jóvenes que buscan consagrarse como escritores. Uno es talentoso pero depresivo y el otro compensa su falta de capacidad con actitud.

Al hueso. Uno puede juzgar a Reprise como un filme pretencioso, de esos se que se escudan en el título de vanguardia (divino Dogma) para justificar experimentos infames. Pero a ciencia cierta, la película de Trier tiene un arranque muy original, que va decayendo con el transcurso de las escenas. Aunque en líneas generales, logra su objetivo, que no es otro que entretener.

El concepto sobre el que se monta Reprise es sobre un grupo de jóvenes que intentan cambiar los cánones literarios a través de sus textos. Entre tanto, se muestran los conflictos y desintereses de una generación dominada por la tecnología. Pero el mensaje europea de ruptura, matizado por la pulcritud y el respeto de su gente, llega hasta nuestra hoja latinoamericana como una figura demasiado artificial.

En definitiva. Un filme entretenido, con una edición dinámica, que sufre algunos tropiezos, de los que no logra recuperarse plenamente.
Score 6/10

TITULO: Reprise
ESTRENO: Se presentó en la edición 07 del Bafici
ORIGEN: Noruega
AÑO: 2006
DURACION: 105
DIRECTOR: Joachim Trier
REPARTO: Anders Danielsen Lie, Espen Klouman-Høiner, Viktoria Winge, Henrik Elvestad, Christian Rubeck, Odd Magnus Williamson, Rebekka Karijord, Henrik Mestad, Pål Stokka, Sigmund Sæverud
GUION: Joachim Trier, Eskil Vogt
MUSICA: Ola Fløttum, Knut Schreiner
FOTOGRAFIA: Jakob Ihre
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ATRAPADA SIN SALIDA

El potencial de cualquier obra se mide a través de la forma y del contenido. Para que a esta dualidad se la pueda catalogar de original, estos ingredientes deben ser cocinados a la par. Si entendemos que el contenido es lo que se hace, o lo que se presenta dentro de una forma, podemos argumentar que a Leonera, el nuevo filme de Pablo Trapero, cabe atribuirle un significado diferente a lo que el mismo contenido representa. Una condición que lo eleva sobre el resto.

Trapero es uno de los directores que, junto con Lucrecia Martel, Damián Szifrón, Agustina Carri, Daniel Burman y Martín Rejtman, constituyen la avanzada del “nuevo cine argentino”. Con su filme anterior, Nacido y criado (2006) Trapero ensayó un cambio de rumbo, apostó a una historia introspectiva, más del universo de Fabián Bielinsky que del su propia cosecha. El resultado, sin ser desalentador, ofrecía demasiados puntos de fuga. Con Leonera, vuelve a ejercer su rol de cirujano de una realidad menos luminosa.

Una de las virtudes de Trapero es que sus filmes pueden gustar o no, pero siempre llevan su sello personal. Así, la mitad de los personajes que aparecen en pantalla no son actores profesionales, la historia esta concebida desde una óptica bondadosa, que toma partido por los humildes y la tragedia, entendida en el sentido más helénico, es el eje de todos sus relatos.

El film, que gozó de una gran aceptación en el festival de Cannes, contó con un presupuesto de 1 millón de dólares, está ambientado en Olmos, una cárcel real del gran Buenos Aires. Es una coproducción de la productora Matanza Cine con VideoFilmes, la empresa de Walter Salles y Cineclick Asia, de la coreana Youngjoo Suh, productora del director Kim Ki-duk.

De qué va. Julia es acusada de un asesinato que no recuerda haber cometido. Como todas las evidencias la muestran como culpable es enviada a prisión. Por su estado de embarazo, es asignada a un pabellón de mujeres con hijos pequeños o a punto de dar familia.

Al hueso. Películas sobre mujeres subyugadas en un correccional hay a montones. En la mayoría de los casos, se trata de producciones que explotan el costado porno soft de la situación, antes que mostrar un retrato verosímil de los hechos. Pero la apuesta de Leonera se desliza unos metros más sobre terreno resbaladizo. Porque habla sobre algo que nadie se animó a decir o acaso, no se le ocurrió mostrar, como es la crianza de los hijos durante el arresto. Lo positivo del filme es que, en lugar de aprovechar este cuadro desolador para ofrecer un retrato de la violencia carcelaria, destaca la solidaridad de mujeres de distinto rango social en situaciones límites.

En definitiva. Una historia dolorosa, contada sin anestesia ni concesiones, que no carece de momentos afectivos ni de las típicas revueltas de los penales.
Score 7/10

TITULO: Leonera
ESTRENO: 29 de mayo
ORIGEN: Argentina - Corea - Brasil
AÑO: 2008
DURACION: 112 minutos
DIRECTOR: Pablo Trapero
REPARTO: Martina Gusman, Elli Medeiros, Laura García, Rodrigo Santoro Tomás Plotinsky
GUION: Pablo Trapero, Martín Mauregui, Alejandro Fadel, Santiago Trapero
MONTAJE: Pablo Trapero, Ezequiel Borovinsky
FOTOGRAFIA: Guillermo Nieto
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ESPEJITOS DE COLORES

Son muchas las personas que se ganan la vida pensando en como vulnerar la resistencia de los compradores. Esta incitación no se produce en abstracto sino que va asociada con una determinada marca. Así, mientras uno va por la calle, escucha radio, ve televisión o, simplemente vive, el mensaje latente es: si usted usa estas zapatillas se sentirá en el aire, si consume estas hamburguesas será feliz.

Para beneficio de los consumidores y desgracia de los vendedores de humo, Naomi Klein descubrió las trampas que se esconden detrás del marketing, la rueda que hace girar al capitalismo globalizado. Pero esta mujer que lucha contra el poder de la globalización es mucho más que el libro No logo (disponible más abajo). Noami Klein es hija de la generación que se colgó de las ideas de Noam Chomsky para hacerlas suyas. Esta periodista, investigadora y activista, nacida en Montreal, Canadá, colaboró como columnista para los periódicos de progresista como el The Guardian de Londres y The Globe and Mail de Toronto y actualmente es la editora de la revista Saturday Night.



Su trabajo más reciente, llamado La doctrina del shock (el auge del capitalismo de desastre), es una obra de 600 páginas y 4 años de investigación, inspirada en la crisis argentina de 2001. En una entrevista reciente la periodista canadiense sostuvo "este libro no habría sido posible si no hubiera vivido en esa época en Buenos Aires, para sentir y ver el contexto de la crisis y entender el poder de la memoria histórica como fuerza de resistencia."

El trabajo viene acompañado por un cortometraje (ver video) producido por el director Alfonso Cuarón y Naomi Klein, dirigido por Jonás Cuarón. A través de la alusión de los tratamientos psiquiátricos, pretende demostrar que las armas que utiliza el capitalismo son la violencia y la amenaza, para controlar y castigar a quienes no están de acuerdo con sus políticas neoliberales.

Para seguir los pasos de Klein, una buena senda es el debate con el pensador italiano Toni Negri. También se pueden conocer las impresiones que le causó la la Argentina, más algunas entrevistas y artículos recientes.

Naomi Klein No Logo - Upload a doc

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ENTRE SOSPECHAS

El género policial inglés se presenta bajo la forma de un enigma que busca desafiar la imaginación y la capacidad deductiva del lector. El inspector, privilegia el uso de la razón por sobre la fuerza y se apoya en sus cálculos para resolver el acertijo. Basándose en esta premisa literaria, el director Alex de la Iglesia rodó Los crímenes de Oxford, adaptación de la novela homónima del matemático y escritor argentino Guillermo Martínez.

Y si de entrada la película golpea con dinamismo e intriga, los personajes son los suficientemente convincentes para despertar la curiosidad del espectador y los efectos de cámara entregan un detallado panorama de cada ambiente, llega un punto en donde el globo de la tensión se desinfla y el argumento se vuelve demasiado sesudo. Pero esto es casi inevitable.

De algún modo, la visión hollywoodense del cine y la concepción del policial inglés no son del todo compatibles entre sí. Donde la primera dice acción la otra responde sigilo, cuando una exige argumentos planos la otra entrega un laberinto de ideas y mientras una divierte con balas la otra lo hace con reflexiones. Quizás se pensó que de la Iglesia era el vínculo perfecto entre una y otra perspectiva, pero apenas logro pincelar ese tinte macabro que constituye su sello. Lo cual no se traduce en un fracaso, pero tampoco es lo que se esperaba.

De qué va. Un estudiante norteamericano y un prestigio catedrático serán los encargados de ir develando una serie de asesinatos que se cometen en la ciudad de Oxford y cuyo punto de conexión es la lógica.

Al hueso. A mitad de recorrido entre la tibieza de The Da Vinci Code (2006) y la solemnidad de Gosford Park (2001), se posiciona Los crímenes de Oxford. Una historia que se apoya en la actuación del experimentado John Hurt para componer un retrato verosímil de un prestigioso académico devenido en investigador.

El método para que los espectadores se sumen a la trama no da resultados en esta oportunidad, porque la mayoría de las pistas que conducen a la resolución son falsas y la única forma de develar el crimen es adivinando. Algo que no requiere atención pero sí mucha suerte. En algunos tramos, uno llega a perderse entre los callejones de la mente y en otros, se da cuenta que siempre se llega al punto de partida.

En definitiva: una historia bien narrada, con sólidas actuaciones y bastante entretenida. Aunque sin grandes sorpresas en lo argumental.
Score 6/10

TITULO: Los crímenes de Oxford
ORIGINAL: The Oxford Murders
ESTRENO: 8 de mayo del 2008 (En Argentina)
ORIGEN: España, Reino Unido y Francia
AÑO: 2008
DURACION: 110 minutos
DIRECTOR: Alex de la Iglesia
REPARTO: Elijah Wood (Martin), John Hurt (Arthur Seldom), Leonor Watling (Lorna), Julie Cox (Beth), Anna Massey (Sra. Eagleton), Alex Cox (Kalman), Dominique Pinon (Frank), Jim Carter (inspector Petersen)
GUION: Alex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría; basado en la novela de Guillermo Martínez
MUSICA: Roque Baños
FOTOGRAFIA: Kiko de la Rica
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EL SEÑOR LEBLANC

Se puede tener la apariencia de una persona formada, asumir las responsabilidades de un adulto, usar anteojos ridículamente gruesos como los del señor Jean-Marc Leblanc (Marc Labrèche, protagonista del filme L'Age des Tenebres) y sin embargo, mantener las mismas fantasías que un adolescente. Quizás porque la cultura del vacío, como le sucede a muchos, los preparó para morir pero no para ser viejos.

La especialidad del director canadiense Denys Arcand es fotografiar el sufrimiento interno. Cada filme que realiza es una gema que brilla intelectualmente. Gran parte de su talento quedó expuesto en la exitosa Les Invasions barbares (2003) y en la no menos controvertida Jésus de Montréal (1989). Y si bien en esta ocasión la excusa de fondo es la comedia, la tentación es sólo aparente, porque al morder la fruta, no se puede disimular el sabor amargo que deja.

Otro de los vicios de Arcand es la provocación. Pero como ya lo demostró en Le Déclin de l'empire américain (a.k.a La decadencia del imperio americano - 1986), no recurre a esa chicana barata que apuesta al golpe bajo o la burla explícita para satirizar. Sus armas son sutiles y hacen centro en donde más lastiman, en este caso, el proyectil se dirige al ego burocrático de su nación. Incluso, L'Age des Tenebres (o La edad de las tinieblas) se pueden entender como una de versión canadiense de American Beauty (1999).

De qué va. El señor Jean-Marc está casado y tiene dos hijos, su vida es lenta y aburrida en lo exterior, aunque internamente, su mundo está poblado de hermosas jovencitas que le demandan sexo y placer.

Al hueso. Para muchos, la adolescencia fue la etapa más feliz de sus vidas. El gran defecto es que llega cuando uno todavía es demasiado joven y carece de la experiencia necesaria para valorar lo que posee. Lo que sigue, es una suma de responsabilidades a las que ningún ciudadano puede sustraerse: hijos, trabajo y esposa. La aceptación de esta trinidad es el lubricante que hacen girar los engranajes del sistema. Porque crea individuos dóciles, aburridos, que sólo aspiran a ganar dinero para alcanzar el respeto de sus pares.

Y aunque Jean-Marc Leblanc aprendió todo esto con la experiencia y se siente un iluso por haber caído en la trampa del matrimonio, encontró un punto de fuga a través del pensamiento. En el reino de la mente, puede ser un reconocido escritor al que ninguna reportera se le resiste, un compañero sexual especialista en el ménage à tríos o un político admirado por sus votantes.

Acaso el punto más débil aparezca al final. Se trata de una de esas películas a las que les cuesta bajar el telón. Antes de colgar los títulos de cierre, hace varios amagues que terminan por impacientar al espectador. Como pieza de colección, el filme de Denys Arcand cuenta con una participación al inicio y al cierre del cantante Rufus Wainwright.

En definitiva: una alegoría kafkiana que divierte pero también entristece. En la suma de este balance entre alegría, impotencia y angustia, está el secreto de una gran película.
Score: 8/10

TITULO: La edad de la ignoracia
ORIGINAL: L'Âge des Ténèbres
ESTRENO: sin fecha en Argentina
ORIGEN: Canadá
AÑO: 2007
DURACION: 104 minutos
DIRECTOR: Denys Arcand
REPARTO: Marc Labrèche (Jean-Marc Leblanc), Diane Kruger (Véronica Star), Emma de Caunes (Karine Tendance), Rufus Wainwright (el príncipe cantante), Sylvie Léonard (Sylvie Cormier-Leblanc), Caroline Néron (Carole Bigras-Bourque), Didier Lucien (William Chérubin), Macha Grenon (Béatrice), Rosalie Julien (Laurence Métivier)
GUION: Denys Arcand
MUSICA: Philippe Miller
FOTOGRAFIA: Guy Dufaux
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NINGUN SECRETO

Para conmemorar el centenario del escritor Ian Fleming, formador del personaje de James Bond, los festejos previstos incluyen la publicación de una nueva novela del agente más ganador de la pantalla. Pero no se trata de un material que apareció repentinamente en un cajón con llaves o un boceto sin final. La trampa es más sutil aunque menos engañosa que en otras ocasiones.

Porque en realidad, los herederos, que no se durmieron sobre la alfombra roja y piensan prolongar los beneficios hasta remotas generaciones, encargaron al novelista británico Sebastian Faulks, la decimoquinta entrega de la saga. Para revivir a Bond, el requisito que se le impuso a Faulks fue que debía imitar el estilo de Fleming. Pese al hermetismo que rodea a este proyecto, que verá la luz en los próximos días, se sabe que el título será Devil May Care y los acontecimientos se sitúa en plena Guerra Fría, en 1967, y conducirán al intrépido agente por París, Londres y Oriente Medio.

Las aventuras iniciadas por Fleming comprenden catorce novelas y nueve cuentos, escritos entre 1952 y 1964, fecha de su muerte. La última fue Octopussy, publicada en 1966 en forma póstuma. Todos, incluso los relatos breves, fueron llevados al cine. Algunos son fieles adaptaciones y otras no tanto.

Como para no perder el control de la marca Bond, los descendiente de Fleming solicitaron a otros escritores que continuaran la tradición del agente británico. El primero en probar suerte fue Kingsley Amis, quien cuatro años después del fallecimiento de su creador, continuó con una nueva novela. En 1973, John Pearson firmó la Biografía Autorizada de 007, narrada en primera persona. Aunque sin dudas, el que más se entusiasmo con Bond fue John Gardner, quien entre 1981 a 1995 escribió catorce novelas.

El intento más recientemente, estuvo a cargo de Charlie Higson, quien desde el 2005 encontró un nuevo perfil para Bond: las épocas de su juventud. La serie genéricamente llamada Young Bond, narra los años en los que Bond era un simple estudiante de liceo. Además de alcanzar muy escasa repercusión, ninguna de estas novelas fue tomada en cuenta para producir los filmes siguientes. Las últimas películas se basaron en guiones originales para cine tomando algunos elementos de las novelas y cuentos de autor original.

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LA MUERTE DEL LECTOR

En un mundo que se quedó sin tiempo porque todo es urgente y no puede esperar, el hábito de lectura es una de las prácticas más castigadas por la modernidad. Cada vez son menos los individuos que eligen la literatura como medio de entretenimiento o dispersión. Mientras las páginas de los clásicos sufren una invasión de ácaros y polillas, Internet se alió con la televisión para ofrecen diversión instantánea y sin esfuerzos.

Si hay algo que ociosamente se fue perdiendo, es aquella zona neutral del ensueño en donde el autor dialogaba con su lector. Hoy todos los deseos están contaminados por la inmediatez. Esperar casi cien páginas para que Rodion Romanovich Raskolnikov castigue a la vieja usurera, es todo un derroche. Que una magdalena mojada en un té derive en siete novelas, es un abuso de la paciencia. Y si participar en la vida de Leopold Bloom y Stephen Dedalus implica consumir 800 páginas, es una extravagancia que no cotiza en ningún círculo.

Los que se agotaron, aquellos que dijeron basta antes de dar vuelta la siguiente página, quienes hace tres meses abandonaron un libro en la mesa de luz y no sienten culpa, para todos los que acusan fatiga crónica, la salvación llega a través de los audio libros. Porque en lugar de leer, solamente hay que esuchar lo que una voz melodiosa, va refiriendo. Están en formato MP3, se pueden seguir desde la Web, descargar a la computadora o trasladar a cualquier reproductor portátil. Hay muchos gratuitos y algunos pagos.

Un buen punto por donde arrancar con la maratón de sonidos es el sitio Leer escuchando, donde se ofrece desde poesía, cuento y novelas. Una amplia biblioteca virtual es la que se encuentra en Audio libros. Y aquel que de pronto se sintió iluminado por los clásicos, El corazón delator, de Edgar Allan Poe o Don Quijote, de Miguel de Cervantes, son dos alternativas de fierro. Si alguien pensó que los libros recitados en la oreja son un invento moderno, basta con escuchar a Julio Cortázar, recitar algunos de sus trabajos.

Y para quienes busquen mejorar su inglés o actualizar vocabulario, Librivox, AudioBooks For Free, Project Gutenberg y Simply Audiobooks, contienen gran cantidad de títulos y son totalmente gratuitos.

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MUNDO DE SENSACIONES

No todos pueden soportar las embestidas de la realidad con la misma entereza. Para algunos la solución consiste en chocar contra la gruesa epidermis cotidiana y otros, en cambio, eligen aislarse del resto para habitar un mundo paralelo en donde todo es ideal, porque no existe la miseria, la muerte o la venganza. De estas y otras cuestiones se ocupa Ben X un filme belga que escapa a los cánones convencionales.

Uno puede suponer que en aquellas sociedades en donde se practica un capitalismo menos despiadado, los ciudadanos son más permeables al sufrimiento ajeno. Quizás porque se tiene la impresión de que cuando las propias necesidades están cubiertas, es más fácil indignarse por las desigualdades. Pero una buena acción no implica solamente dar de comer a un mendigo o soltar una propina generosa sino también, ceder el paso a los mayores, asistir a los desamparados y aceptar las diferencias del otro.

Pero desgraciadamente, esto no siempre es así. La maldad no es un atributo de los países subdesarrollados o en vías de serlo. Y si algo prueba Ben X es que los atropellos contra los más vulnerables es algo que se da tanto en la costa africana como en los alpes suizos. Existe una justificación casi darwiniana de borrar de la faz de la tierra a los débiles y afligidos. Este concepto ario de exterminar a los perdedores para no avergonzar al resto de la raza, es algo que con una mirada acertada se somete a juicio en este filme.

De qué va. Ben es un joven diferente al resto. Desde pequeño sufrió el acoso y el maltrato de sus pares. El único refugio que encuentra es en los juegos de rol, donde es toda una leyenda virtual.

Al hueso. Lo curioso de este filme de Nic Balthazar es que todo resulta aparentemente simple. Decir que la trama habla sobre una comunidad que sólo se preocupa por lo que ocurre de puertas adentro no sería un resumen fiel, porque es apenas el envase de un conflicto con raíces más profundas. La película intenta abrir una reflexión sobre el papel que ocupa el Estado en una sociedad moderna. ¿Su función es velar por los intereses de los más poderosos o garantizar la igualdad para todos los ciudadanos?

Es cierto, hay un punto en la historia que todo se vuelve un pegote. A medida que avanzan los hechos, la realidad y la ficción se empiezan a trenzar tan hábilmente, que cuesta distinguir una de otra. Pero lejos de aportar algo novedoso o informativo, es como una repetición de algo que fue dicho en miles de formas. Pero toda esa confusión y letargo tiene su premio en el desenlace, donde el panorama se ilumina y el mensaje consigue ser entregado al receptor.

En definitiva. Con una mirada adolescente, por momentos muy ingeniosa y en otros repetitiva, un filme para reflexionar sobre los peligros de una sociedad que sólo respeta a los triunfadores.
Score: 6/10

TITULO: Ben X
ESTRENO: sin fecha en Argentina
ORIGEN: Bélgica
AÑO: 2007
DURACION: 90 minutos
DIRECTOR: Nic Balthazar
REPARTO: Greg Timmermans (Ben), Marijke Pinoy (madre), Laura Verlinden (Scarlite), Pol Goossen (padre), Titus De Voogdt (Bogaert), Maarten Claeyssens (Desmet), Gilles De Schryver (Coppola), Peter De Graef (psiquiatra), An Van Gijsegem (Maaike), Tania Van Der Sanden (Sabine)
GUION: Nic Balthazar
MUSICA: Philippe Ravoet
FOTOGRAFIA: Praga Khan
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DESDE LAS SOMBRAS

Sin que nadie sepa su verdadero nombre ni conozca su apariencia, Banksy es un artista de guerrilla que va por las principales capitales dejando su marca en los espacios públicos o ingresando en los grandes museos (Tate Modern de Londres, el MOMA: Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Brooklyn, el Museo Americano de Historia Natural de Nueva York y el Museo Británico de Londres) para colgar obras de su autoría junto a los clásicos. ¿Quién es este tipo? ¿Un bromista que desgrana la medianera del sistema o un pillo que encontró la estrategia perfecta para llenarse de plata sin dar la cara?

Los jóvenes de toda Inglaterra lo consideran un héroe, las agencias de turismo ofrecen un tour por las calles donde están sus stencils, ya publicó tres libros (Banging your head against a brick wall – 2001, Existencilism – 2002 y Cut it Out - 2004) y se han escrito otros tantos sobre su obra y, aunque nadie conoce su verdadero rostro, hay afiches en las comisarías en donde se piden datos sobre su paradero. Pese cargar con varias ordenes de detención por fraude y atacar al sistema de control estatal y ridiculizar a la fuerza policial, él se define como un artista del graffiti.

Y aunque todos los días se presenta en Londres un impostor que dice ser Banksy, es muy poco lo que se sabe realmente de este personaje. Algunos medios, en tren de suposición, han especulado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse disparado a partir de una broma por la analogía fonética con "robbing banks" (robando bancos en inglés). El único que dice haberlo entrevistado fue un periodista del diario Guardian Unlimited. Aunque la información que suministra es bastante vaga, lo describe como un hombre de unos 35 años, de cabello rubio y mediana estatura, con un acento oriundo de Bristol, ciudad al sur de Inglaterra.


Pero a diferencia de V, el subversivo enmascarado del cómic V for Vendetta, que realiza sabotajes en Londres sin más propósitos que el caos, Bansky no es un marginal que vive en un vagón oxidado y come de los tachos. Además de su obra callejera, trabaja para organizaciones como Greenpeace y aceptó encargos de Puma, MTV o el grupo Blur (diseño la cubierta de Think Tank - 2003), vende cuadros hasta por 25.000 libras en circuitos comerciales o en la galería de su agente, Steve Lazarides.

Lo increíble del caso es que hace unos meses atrás, en una subasta londinense, un individuo pagó más de 300.000 euros por un mural de Banksy en donde hay unos monos con un cartel que reza “ríete hoy que algún día estaremos a cargo”. Entre su clientela internacional se cuentan Brad Pitt y Angelina Jolie. En el año 2000 organizó su primera exposición, en un restaurante-barco llamado Severnshed. Después se mudó a Londres, ciudad que también llenó de dibujos y viajó a Los Ángeles, San Francisco, Barcelona, entre otras ciudades. Su fama y la cotización de sus trabajos fue en aumento. Aquellos visionarios locales que compraron en Severnshed obras por 100 euros, hoy se cotizan en 30.000.

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SUBE LA ESPUMA

Aunque la música alemana carga con el peso armónico de Beethoven + Wagner y las especulaciones realizadas por Kant, Hegel y Adorno, las nuevas corrientes no se embotellaron en el gesto clásico o la pausa teórica y salieron a pintar el pentagrama con símbolos cambiantes. Más allá de la crueldad sonora de Rammstein, Palais Schaumburg y Einsturzende Neubauten o la maquinaria robótica de Kraftwerk y Neu!, algunas bandas y solistas que merece la pena escuchar.

De la revolución musical conocida como Neue Deutsche Welle (Nueva Ola Alemana) que tuvo lugar en los años 70’ poco ha quedado en pie, pero su influencia se extiende hasta el presente y constituye el motor que mueve las pistas de baile y sacude los mechones en los conciertos.

La cuarentona Ina Müller es una suerte de Arjona refinado por los arreglos orquestales y las luces del cabaret. Entre notas de jazz y brotes de soul, Ina le recita odas a la celulitis, a la madurez y a las mujeres solas. Pero en lugar de recurrir a la vulgaridad y la insolencia, se nutre del humor y la poesía. En Dumm kickt gut dispara “Estoy rodeada de intelectuales que pretenden ser lo que no son, y de metrosexuales que se torturan por ser hombres. “¿Dónde están los hombres simples, esos de mentón pronunciado, un poco tontos, pero grandes y apuestos, poco inteligentes, pero buenos en la cama?”

Por el lado del pop, la mejor puerta de entrada la ofrece 2raumwohnung, un dúo compuesto por la sedosa voz de Inga Humpe (Neon Babies, DÖF, Humpe & Humpe) y los sofisticados toques electrónicos de Tommi Eckart. Aunque surgieron a través del mundo de la publicidad su intención musical está bien alejada de los cánones comerciales. Por eso, ninguno tiene reparos en abordar géneros tan alejados a su genealogía sonora como la bossa nova, la salsa o incluso el tango. Para entrar sin giros a su música, nada como 36 Grad (2007) y el que quiera pegar una vuelta más para descubrirlos, lo indicado es Melancholishch Schoen (2005).

Quienes busquen la frescura del clima experimental, T.Raumschmiere se expresa por medio del pop, el rock punk, el hip-hop, bañado con sonidos tecno dance. Aunque su nombre verdadero es Marco Hass, el apodo tiene varias interpretaciones. Por un lado se lo asocia con un personaje de William S. Burroughs que aparece en el cuento The Dreamcops, mientras que en alemán, su significado puede ser tanto cuarto donde se engrasa, mientras que si se quita el punto de la T, la palabra se entendería como una derivación de sueño (Traum). Acaso la complejidad en el nombre sea sólo equiparable a la de su música. Para amigarse con T.Raumschmiere (Marco Hass) lo más accesible sea Radio Blackout (2003), que cuenta con la colaboración de Miss Kittin y la sensualidad de MC Soom T., los menos asustadizos, pueden arrancar en Anti (2002).

Y para demostrar que nada es perfecto, la nueva sensación juvenil es Tokio Hotel (antes de firmar para Sony BMG, Devilish). La banda formada por los gemelos Kaulitz (Bill y Tom), Georg Listing y el retacón Gustav Schäfer tiene una particularidad, cuando tocan en vivo en lugar de botellas de cerveza o escupitajos, les llueven osos de peluche y cartas impregnadas con colonia. Con unos peinados y un sonido que recuerda al rock glamoroso de los ochenta (Poison, Bon Jovi, Europe) estos jovencitos no se destacan por su música sino por una estética MTV for export que les permite facturar millones con esa actitud de chicos obedientes con cara de enojados.

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MUNDO RODANTE

La ilusión es la medicina sanadora de los desamparados. Los infortunados se aferran a ella como el conquistador a sus medallas o el dormilón a su almohada, porque es la única riqueza terrenal que no se agota con el uso. De estas alegrías y otras desdichas trata el filme uruguayo El baño de mi papá, donde se describe con generosa sinceridad el valor del sacrificio.

No es casualidad que la película tenga dos padres rioplatense, uno es Enrique Fernández, quien baraja con pulso de tahúr la sensibilidad de un pueblo acostumbrado a la respetuosa oposición. El otro es César Charlone, que aporta la experiencia fotográfica recibida en Cidade de Deus (2002). Porque salvo cinco o seis actores profesionales, el resto son lugareños que jamás se plantaron frente a una cámara. El gran mérito es que lo hacen con total naturalidad, porque el papel que les tocó es el que representan diariamente con sus familias. En el oficio de los directores se descubre en la forma en que los personajes se dirigen a cámara y entablan diálogos con despreocupación, sin estar pendientes de aquel ojo omnisciente que fiscaliza sus gestos.

De qué va. Beto trabaja como bagallero: compra mercaderías en Brasil y las carga en bicicleta por 60 kilómetros para venderlas en su pueblo. Cansado de estos viajes agotadores, decide realizar el negocio de su vida para que él y su familia no pasen más penurias.

Al hueso. La historia nace en el año 1988, fecha en la cual el entonces Papa Juan Pablo II se traslada al Uruguay. Uno de los destinos previstos por el Sumo Pontífice es la ciudad de Melo, en el departamento de Cerro Largo, que limita con el Brasil. En un barrio de gente humilde, las esperanzas están depositas en aquella visita, como si se tratara de un mesías. Lo nobleza del relato residen en su enfoque casi ingenuo. Porque apreciado desde una lógica burguesa es casi absurdo imaginar que un Papa se encamine a una barriada periférica carente de atractivos y seguridad. Pero sus habitantes creen en los milagros y consideran aquella visita como una señal divina.

Quizás lo más provechoso que tenga El baño de mi papá sea la forma en la que los lugareños se relacionan con su entorno. Acaso sin proponérselo, recrean la esencia de una polis griega. Esta pequeña comunidad se presenta como una unidad política, social y económica autosuficiente, donde no existen relaciones de dependencia que aten a los trabajadores, gobernadores ni estadistas. Aunque sí hay una fuerza del orden que impone su autoridad sobre el resto. Mientras que el bar es una suerte de ágora en donde los hombres se sientan a deliberar asuntos regionales y filosofar sobre la carga de su existencia.

En definitiva. Una historia bella, contada magníficamente y aprovechando un paisaje que tiene la belleza de lo precario. Para disfrutar y reflexionar sobre la condición de los sueños.
Score 7/10

TITULO: El baño de papá
ESTRENO: sin fecha en Argentina
ORIGEN: Uruguay, Brasil y Francia
AÑO: 2007
DURACION: 97 minutos
DIRECTOR: Enrique Fernández y César Charlone
REPARTO: César Troncoso (Beto), Virginia Méndez (Carmen), Virginia Ruiz (Silvia), Mario Silva (Valvulina), Henry de León (Tica), José Arce (Nacente), Nelson Lence (Meleyo), Rosario Dos Santos (Teresa), Hugo Blandamuro (Tarta), Alex Silva (Gordo Luna), Baltasar Burgos (capitán Álvarez)
GUION: Enrique Fernández
MUSICA: Luciano Supervielle y Gabriel Casacuberta
FOTOGRAFIA: César Charlone
SITIO OFICIAL

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