CULTO BIZARRO

El Australian Centre for the Moving Image (ACMI) es una suerte de museo cinematográfico, ubicado en la ciudad de Melbourne. Su función es preservar, difundir y exhibir la cultura de la imagen en todas sus variantes: televisión, cine, medios digitales, videojuegos y arte gráfica. En sus cuatro niveles, se pueden visitar diariamente diferentes exposiciones relacionadas con la cultura del celuloide. Una de las muestras actuales se llama Cult movie poster competition. Se trata de un concurso que premia afiches falsos. A continuación, una selección de los finalistas.

La propuesta consistía en diseñar un póster imaginario, de una película de culto del tipo clase B/Z. El primer puesto fue para Oslem Kesik y su Lesbian Killer Bikini Vampire Girls, le siguió Jazz Feldy con Die Zombiemitfahrer Von der Hölle y Shane Luskie con Attack of the Fembots! El preferido para el staff de Le-Criticón, por unanimidad, fue Invasion of the Baby Snatchers, de Johnny Fernandez.

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EN EL CAMINO

Burlarse de la torpeza ajena es algo tan patético como regocijarse cuando una persona sufre un resbalón en la calle. Ahora, qué ocurriría si el accidentado, luego de dar varias vueltas por la acera, se levanta como si nada y con una sonrisa perfecta extiende su gorro para pedir a los curiosos, una colaboración por su acto. Algo de esta confusa mezcla de sensaciones es lo que ofrece Kabluey, un filme de actitud independiente que desde la gráfica, apuesta a la ternura pero termina por encontrar en el absurdo, la clave para movilizar a los espectadores.

Se trata de esas historias de tono entre confesional y autobiográfico en donde su director, el joven Scott Prendergast, es también protagonista, guionista y forma parte de la producción. En esta ocasión, comparte cartel con Lisa Kudrow, mejor conocida por su papel de Phoebe Buffay en la serie Friends. Pero en lugar de la excéntrica cantautora que se ríe a carcajadas con sus amigos, desempeña un rol amargo, desdichado, que le sirve para exponer sus condiciones actorales pero que también, la aleja de su objetivo principal: demostrar que en solitario, puede triunfar como comediante.

De qué va. El marido de Leslie se fue a la guerra y ella se quedó sola con sus dos hijos. Como no puede trabajar y cuidarlos al mismo tiempo, decide llamar a su cuñado para que la ayude en las tareas domésticas. Pero los pequeños no son nada dóciles.

Al hueso. Tan malo como la falta de ideas es el exceso de las mismas. Porque si hay algo que abunda en Kabluey son las situaciones graciosas. Algunas son aprovechadas en forma lateral y otras, simplemente fluyen. Así, de entrada, el filme se presenta como una crítica a la administración Bush y su reclutamiento permanente de fuerzas de combate. En unos pocos fotogramas, el enfoque se corre ligeramente hacia una familia disfuncional, cuyo sostén principal lleva un año y medio en Irak.
Con la aparición del muñeco gigante el guión vuelve a reinventarse y es a través de la comedia absurda cuando el relato encuentra su mejor registro.

No conforme con los surcos abiertos, el imán del compás vuelve a virar hacia el norte. Y es aquí donde el protagonista, gracias a su disfraz azulado, logra pasar desapercibido a la mirada de todos y puede escuchar las conversaciones más disparatadas de su entorno. Pero en lugar de sacar provecho de esta inmunidad, su director la desperdicia con una nueva metamorfosis argumental. Y van...

En definitiva. Una historia que pese a las interrupciones constantes logra sostener la atención. Las animaciones que llegan luego de los títulos son imperdibles y vale la pena soportar algunas pifias.
Score 6/10

TITULO: Kabluey
ESTRENO: sin fecha en Argentina
ORIGEN: EE.UU.
AÑO: 2007
DURACION: 86
DIRECTOR: Scott Prendergast
REPARTO: Lisa Kudrow (Leslie), Scott Prendergast (Salman), Teri Garr (Suze), Christine Taylor (Betty), Jeffrey Dean Morgan (Brad), Chris Parnell (Frank, gerente de la tienda), Conchata Ferrell (Kathleen), Angela Sarafyan (Ramona), Patricia Buckley (Elizabeth P. ), Landon Henninger (Lincoln).
GUION: Scott Prendergast
MUSICA: Roddy Bottum
FOTOGRAFIA: Michael Lohmann
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VALE LA PENA

Las películas románticas deben sobreponerse a miles de prejuicios. Que son tontas, que no aportan nada útil; sólo aptas para novias sensibles. Son las herederas del folletín, el radioteatro y la telenovela de la tarde. Por más que se intente disfrazar su argumento, remite siempre a la historia de La cenicienta. Así, esta la bella pero humilde que se enamora del millonario apuesto, aunque puede ser a la inversa. Al promediar el metraje llega el conflicto: se pelean, sufren y por fin, la reconciliación y el amor eterno. Pero más importante que el desenlace, lo que se valora en este género son las situaciones (cómicas, dramáticas, apasionadas, afectivas) que se desarrollan entre los protagonistas. Y para demostrar que se puede pasar un buen rato, cinco filmes (más un bonus track) que vale la pena ver.

UN NOVIO PARA MI MUJER
De: Juan Taratuto Con: Adrián Suar (El tenso), Valeria Bertuccelli (La tana), Gabriel Goity (El cuervo), Marcelo Xicarts, Martín Salazar, Luis Herrera. Año: 2008. Duración: 100 minutos. Origen: Argentina. Estreno en la Argentina: 14 de agosto.

Pese a los pronósticos adversos, que insisten en descalificar cualquier producción nacional en la que figure Adrián Suar, el filme logra superar todos estos prejuicios. Parte del mérito es para Taratuto, su director, quien demostró que maneja como nadie el lenguaje de la comedia. Con actuaciones aceptables, personajes que escapan a los estereotipos televisivos y un guión que no subestima la inteligencia del espectador.

¿COMO SOBREVIVIR A MI EX?
(Forgetting Sarah Marshall)
De: Nicholas Stoller. Con: Jason Segel (Peter Bretter), Kristen Bell (Sarah Marshall), Mila Kunis (Rachel Jansen), Russell Brand (Aldous Snow), Paul Rudd (Chuck/Kunu), Jonah Hill (Matthew), Bill Hader (Brian Bretter), Jack McBrayer (Darald), Maria Thayer (Wyoma). Año: 2008. Duración: 112 minutos. Origen: Estados Unidos. Estreno en la Argentina: directo al video.

La historia no puede tener un peor arranque. Un tipo que sin ningún justificativo estético aparece totalmente desnudo en pantalla. Lo que prometía ser un homenaje al mal gusto, de a poco, empieza a girar hacia una comedia de situaciones bien hilvanadas, con personajes amigables, de bajo perfil cinematográfico. La clave está en no hacerse demasiadas ilusiones.

DEFINITELY, MAYBE
De: Adam Brooks. Con: Ryan Reynolds (Will Hayes), Elizabeth Banks (Emily), Isla Fisher (April), Rachel Weisz (Summer Hartley), Derek Luke (Russell McCormack), Abigail Breslin (Maya Hayes). Año: 2008. Duración: 112 minutos. Origen: Reino Unido y Estados Unidos. Estreno en la Argentina: sin fecha.

Un padre soltero intenta explicarle a su hija como fue que conoció a su madre y quien es esa misteriosa mujer. Lo mejor del filme está en el método elegido para narrar la historia y en un cierto parentesco con Cuando Harry conoció a Sally (1989). Por supuesto, el guión no brilla por su originalidad aunque consigue manter la atención, lo que no es poca cosa.

THE PROMOTION
De: Steven Conrad. Con: Año: Seann William Scott (Doug), John C. Reilly (Richard), Jenna Fischer, Lili Taylor, Fred Armisen, Gil Bellows, Bobby Cannavale, Rick Gonzalez, Chris Conrad. 2008. Duración: 85 minutos. Origen: Estados Unidos. Estreno en la Argentina: sin fecha.

Comedia dramática en donde dos aspirantes compiten por un puesto de gerente para una cadena de supermercado. Lo curioso es ver las bajezas de la que son capaces estos dos hombres de familia para conseguir un incremento en sus salarios. Lo valioso es que en lugar de terminar en una apología del capitalismo, muestra las frustraciones que provoca el discurso industrial de auto-superación.

LOCURA DE AMOR EN LAS VEGAS (What Happens in Vegas)
De: Tom Vaughan. Con: Cameron Diaz (Joy McNally), Ashton Kutcher (Jack Fuller), Rob Corddry (Steve Hader), Treat Williams (Jack Fuller padre), Dennis Miller (juez Whopper), Lake Bell (Tipper), Queen Latifah (Dra. Twitchell), Dennis Farina (Banger). Año: 2008. Duración: 99 minutos. Origen: Estados Unidos. Estreno en la Argentina: 15 de mayo de 2008.

Una pareja bien mediática, con mucha explosión y gran química para resolver situaciones de enredo. Lo que en términos cinematográficos se traduce en una comedia amena, sin grandes pretensiones estéticas, cuyo único objetivo es entretener a su público. Y lo consigue.

BONUS TRACK

MARRIED LIFE
De: Ira Sachs. Con: Chris Cooper (Harry Allen), Annabel Kershaw (Miss Jones), Pierce Brosnan (Richard Langley), Patricia Clarkson (Pat Allen), Rachel McAdams (Kay Nesbitt), Sheila Paterson (Sra. Walsh), David Richmond-Peck (Tom), Erin Boyes (Becky), Elijah St. Germain (Little Charlie), Terence Kelly (Dr. Anderson), Timothy Webber (Alvin Walters). Año: 2008. Duración: 90 minutos. Origen: Estados Unidos. Estreno en la Argentina: sin fecha.

Una interesante combinación de géneros. Empieza como una comedia de situaciones graciosas, el nudo se desarrolla como drama y para el cierre, adopta un clima de suspenso. Sin que este cambio de marcha resulte forzado o demasiado calculado. Con un interesante elenco que otorga convincentes actuaciones.

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A PUNTO DE JAZZ

Hay una mitad que lo considera un clásico contemporáneo, un talento sólo comparable a la pluma de Salinger. El otro cincuenta por ciento, apenas lo registra. Hablamos del escritor japonés Haruki Murakami. Es el autor de éxitos como After Dark (2004), Kafka en la orilla (2002), Underground (1997), Crónica del pájaro que da cuerda al mundo (1994) y Tokio Blues (1987). Uno de sus textos fue el gérmen de inspiración para el filme Lost in translation (2003) de Sofía Coppola. Muchas de sus novelas llevan el título de una canción de The Beatles. Aunque la crítica literaria lo malcría, no deja de considerarlo un escritor pop de vuelo recortado. En su país, lo ven como un personaje demasiado occidentalizado. Pase y lean, señores…

Mientras su padre era un monje budista, su madre era hija de un mercader de Osaka. Ambos eran profesores de literatura clásica nipona. De ellos heredó el amor por la palabra escrita y esa curiosa fascinación por la modulación del jazz. Esa misma métrica desinhibida e involuntaria, es la que intenta imponer a sus textos. “El ritmo es lo más importante porque es la magia, lo que invita a la audiencia a bailar y lo que yo quiero son lectores que bailen con mis palabras. No quiero que entiendan mis metáforas ni el simbolismo de la obra, quiero que se sientan como en los buenos conciertos de jazz, cuando los pies no pueden parar de moverse bajo las butacas marcando el ritmo”, sostuvo Murakami en un reportaje reciente.

La música viaja también entre las hojas escritas. En varios de sus pasajes suenan Nat King Cole, los Beach Boys, Rossini, Beethoven, la Flauta Mágica de Mozart o Vivaldi. Como el personaje de Rob Gordon en la novela High Fidelity, de Nick Hornby, Haruki trabajó en una tienda de discos durante sus años universitarios y más tarde, manejó un club de jazz en Tokio. Otra de sus grandes pasiones son los felinos. Cuando un gato aparece por alguno de sus textos, es el mejor indicio que algo raro está por ocurrir.

La inspiración literaria le llegó tarde. “Cuando cumplí 29, de pronto y de la nada, tuve esta sensación de que quería escribir una novela; de que podía hacerlo. No podría escribir nada que estuviera a la altura de lo de Dostoievsky o Balzac, por supuesto, pero me dije a mí mismo que eso no importaba. No tenía que convertirme en un gigante literario. Aun así, no tenía idea de cómo escribir una novela ni sobre qué escribir” apuntó en otra entrevista.

Murakami es ante todo un romántico de ley. El tema central de su prosa es la búsqueda del amor, revestido por una gruesa capa de surrealismo y confusión. Pese a ello, no es un hombre enamorado. Sobre su condición conyugal, dispara “Al contrario que a mi mujer, a mi no me gusta la compañía. Llevo casado 37 años y a menudo es una batalla. Estoy acostumbrado a estar sólo. Y me gusta estar sólo”. Tómelo o déjelo. ¿Qué más se puede hacer?

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HASTA LAS CHAPAS

Deben existir pocas agrupaciones que hicieron tanto mérito como Metallica para ganarse la antipatía de la gente. Desde la demanda contra las redes de intercambio musical Napster, la denunciar a los fanáticos que descargaban sus canciones, hasta la repentina cancelación de las giras, alegando estrés o cansancio. La aparición de Death Magnetic, su noveno disco en estudio, es una excelente oportunidad para ajustar cuentas pendientes. Lo que implica que, para la evaluación del material, la leyenda y su panteón de éxitos, no serán tenidos en cuenta. Lo que se dice, contemplación cero. Atención, los señores James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo, favor de acomodarse contra la pared. La función está por comenzar.

La sensación que deja el álbum es que uno se equivocó de caja. Que por una amarga casualidad del inconsciente, en lugar de agarrar el CD de Death Magnetic, uno colocó en la bandeja un lado B de Kill 'Em All (1983) o Ride the Lightning (1984). Lo que se dice un sonido de antropófago, visceral, sin lugar para mariconadas. Porque si bien suena distinto a todo lo anterior, mantiene la esencia de los primeros trabajos. El mensaje del grupo está más que claro, basta de buscar la perfección sonora, de pretender refundar el trash metal. Regresemos a las fuentes, a la fibra originaria de los ochenta. Y desde la tapa del disco no sólo están anunciando diez temas inéditos, también comunican que los jinetes del Apocalipsis acaban de resucitar.

Los tres primeros temas (That Was Your Life, The End Of The Line, Broken, Beat & Scarred) no dan tregua ni descanso. Están inflamados con algunos punteos de Kirk Hammett y la áspera sonoridad vocal de James Hetfield. En el cuarto tema, The Day That Never Comes, los muchachos sirven un refrigero para calmar a las fieras. Entre punteos estilo The Unforgiven y atmósferas que remiten a Fade To Black, se armó este corte de difusión bien redondito. Cyanide es un tema ideal para que el amigo Lars Ulrico exhiba sus técnicas de percusión. Por momentos, los brazos del batero parecen encontrar la fuerza justa para cada golpe, lo que le devuelve a la banda, el sonido tiraparedes de hace unos años. Y por fin llega The Unforgiven III una baladita fierrera que si bien no está a la altura de los dos precedentes, sirve para demostrar que no todo es furia descontrolada en el reino de los metales.

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MARCHA ATRAS

Se sabe, una de las debilidades que tiene la bella Chan Marshall son los covers. Como para despuntar este vicio, hace unos años editó The Covers Record (2000) un disco en donde le rendía homenaje a Bob Dylan, the Rolling Stones, the Velvet Underground, Moby Grape, Michael Hurley. Ese mismo año fue invitada a participar en el programa radial del musicalizador británico John Peel y allí registró un bootle de la colección Peel Session, donde interpretó Wonderwall, una de las versiones más doloridas del hit de Oasis. Tan arregladitos le salen los temas, con ese sonido a heladera de cuatro fríos, que la líder de Cat Power fue invitada a musicalizar un comercial para la compañía automotora Lincol denominado Lift Off. Y como no podía ser de otro modo, se le encargó un tema ajeno.

La canción elegido para promocionar el coche simil nave espacial fue nada menos que Space Oddity, de David Bowie. Antes de pasar a la música, quedan dos reflexiones sueltas: que Marshall queda totalmente exonerada de este escarnio publicitario y que esperamos una versión XL del mismo. Es muy cortito…

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EL ARTE CIENTIFICO

Cien años atrás el futuro era algo inmenso, misterioso, todo por descubrir. Fue por aquel entonces que el biólogo alemán Ernst Haeckel publicó su tratado gráfico llamado Kunstformen der Natur (Obras de arte de la Naturaleza). El mismo estaba constituido por una serie de grabados a mitad de camino entre el arte, la biología y las especulaciones científicas. La obra en su conjunto consta de cien ilustraciones en las que se representan varios tipos de organismos y fue gestada entre 1899 y 1904. Lo interesante del caso es que este volumen incunable, hoy puede ser recorrido en un sitio que rinde homenaje a sus exóticas criaturas.

Lo cierto es que Haeckel era un confeso admirador de Darwin y fue así que este ilustrados de la ciencia se ocupó de difundir la Teoría de la Evolución por todo el reino teutón. Sus dibujos casi cubistas lograron gran repercusión no sólo en el campo de la biología evolutiva, sino también en el arte, la arquitectura y el diseño de principios de siglo XX. Entre los artistas que no ocultaron su admiración por su estilo, se incluyen René Binet, Karl Blossfeldt, Hans Christiansen y Émile Gallé. A continuación, algunas de sus visiones más fabulosas.

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POR EL MUNDO

Como todos los años, se celebra en la ciudad francesa de Perpiñán (Pirineos Orientales) el mayor festival internacional de fotoperiodismo conocido como Visa pour l’Image. En este certamen internacional se presenta una selección de los mejores reportajes fotográficos del año. El jurado está integrado por directores de imagen de los medios más prestigiosos del mundo. La muestra número 20 se desarrolla entre el 30 de agosto al 14 de septiembre de 2008 y entre las temáticas que abarca se cuenta: guerra, naturaleza, medio ambiente, pueblos, religiones, hechos de sociedad y grandes lacras de nuestro tiempo. A un paso del clic, una selección de los finalistas del año anterior.

El gran desafío que encuentra su director general, Jean-François Léroy, es “escapar a la uniformidad y el peligroso viraje hacia la información rosa”, algo que en fotografía se traduce como una superabundancia de retratos, "carentes de reflexión e imaginación". En esa peligrosa distorsión que los principales medios realizan de la realidad, se preocupan por exhibir a la miseria en primer plano, olvidando el contexto que la origina. En referencia a este enfoque, Léroy opina que “son apenas pobres galerías de rostros, y una suma de retratos no cuenta una guerra”.

Biloxi, Mississippi. Centenas de personas evacuaron las ciudades situadas en la costa del Golfo de México. Dillian Chancey es un niñito de 7 años que escapó junto con sus padres a las embestidas de Katrina. Biloxi fue uno de los pueblo más castigados por el huracán.


Tanzania. Dos hilanderas (Rukia Ibrahim y Ferhla Yahaya) trabajan como operarias en la compañía A-Z Textiles Mills LTD, ubicada en Arusha, Tanzania. Su trabajo consiste en remover aquellos hilos que se atoraron en las bobinas gigantes.

Gujiao, Shanxi, China. Para desempeñarse como mineros, los granjeros llegan a Gujiao desde las regiones más pobres de China. El pago mensual que reciben los trabajadores es de unos 150 Euros por mes, sin niguna cobertura social, si seguro por accidente.

Bulgaria. Un grupo de jóvenes se arrojan a las aguas heladas del Lago Sofia, en Epiphany para tratar de atrapar la cruz. Según la creencia popular, aquel que logre conseguir el crucifijo, gozará de buena salud durante todo el año.

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DE NO CREER

El regreso a escena de la serie de ciencia ficción The X Files tiene mucho de banda de rock legendaria que luego de un largo alejamiento vuelve a juntarse para un concierto. Y se sabe, en esta reaparición no hay mística ni tampoco la necesidad de alcanzar la gloria. Esos valores forman parte del pasado. Los más románticos supondrán que la motivación de Fox Mulder y la Dr. Dana Scully es volver a paladear las mieles del éxito. Por el contrario, los siempre desconfiados argumentarán que I Want To Believe guarda como única finalidad engrosar las billeteras. Y en cierta forma, cada una de las partes encontrará un justificativo en estas líneas.

La dirección del filme estuvo a cargo de Chris Carter, de quién otro si no. Recordemos que Carter es un productor y guionista estadounidense que, a finales de los noventa, era el equivalente de lo que hoy representa Jeffrey Abrams (Lost). Así, luego de producir cuatro temporadas de Los expedientes secretos X, se despachó con Millennium (1996-1999), acaso la mejor serie sobre asesinatos místicos, interpretada por Lance Henriksen. Pero la estrella de Carter se opacó y hasta hoy, que vuelve con su criatura pródiga, no se tenían noticias de él.

De qué va. La trama se enfoca en la desaparición de una agente del FBI en las colinas de Virginia. La única pista de los investigadores son una serie de restos humanos enterrados en la nieve.

Al hueso. Como era de suponer, The X-Files: I Want to Believe, segundo largometraje de la dupla Mulder-Scully, podría pasar tranquilamente por un capítulo de la serie. Y eso está muy bien. Pero si uno empieza a hilar en fino, descubre infinidad de matices dentro de la escala de grises. La pregunta en rigor es ¿Se trata de un capítulo de esos que uno quiere volver a ver o es apenas uno entre tantos? La respuesta es inapelable, el filme podría pasar, con gran discreción, como uno de esos capítulos de relleno del tercer año, en donde todo lo que sucede es prácticamente intrascendente. Con el agravante, claro está, que fue engordado debidamente, como para avalar su traspaso a la pantalla grande.

Pero todavía queda en pie la cuestión del misterio. Como cualquier serie, hay un núcleo de enigmas que nunca llegan a resolverse cuando están en curos. Esta era una buena oportunidad como para entregar un cierre digno a las cuatro temporadas. Lo cierto es que apenas se menciona el tema central (la desaparición de la hermana de Mulder por un complot alienígena) un par de veces. Incluso, el componente sobrenatural, que fue el motor de The X Files, no está presente. Una trama aburrida, lenta, que sobre el final recupera la memoria. Pero a esa altura, ya es demasiado tarde.

En definitiva. Los fanáticos de la serie recibirán una gran decepción y aquellos que nunca la vieron, se toparán con un filme más, que sin ser muy original, entrega algo de suspenso.
Score 5/10

TITULO: Los expedientes secretos X: Quiero creer
ORIGINAL: The X-Files: I want to believe
ESTRENO: 14 de agosto (en la Argentina)
ORIGEN: EE.UU.
AÑO: 2008
DURACION: 106 minutos
DIRECTOR: Chris Carter
REPARTO: David Duchovny (Fox Mulder), Gillian Anderson (Dana Scully), Amanda Peet (Dakota Whitney), Billy Connolly (padre Joseph Crissman), Alvin ‘Xzibit’ Joiner (agente Mosley Drummy)
GUION: Chris Carter, Frank Spotnitz
MUSICA: Mark Snow
FOTOGRAFIA: Bill Roe

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NO RECOMENDABLES

Aunque no existe algo más subjetivo que el gusto estético, hay infinidad de casos en que el consenso entre las partes se da en forma integral, porque en realidad, no hay argumentos para discutir. En un aporte más a la comunidad cinéfila, cinco títulos que prometían un momento placentero y terminaron por convertirse en una tableta para el sueño. Sin mucho para agregar, las cinco películas nominadas son:

THE LIFE BEFORE HER EYES
Drama-Ciencia Ficción. De: Vadim Perelman. Con: Uma Thurman, Evan Rachel Wood, Eva Amurri, Oscar Isaac, Brett Cullen. Guión: Emil Stern (Novela: Laura Kasischke). Año: 2007. Duración: 90 minutos. Origen: EE.UU.
Hay películas que uno se pregunta ¿Me habrá agarrado en un mal día o realmente puede ser tan mala? Diana experimentó un episodio traumático en el colegio y sus consecuencias se extienden al presente. Rodeada de una gran confusión, la película se vale de la estrategia del engaño para subsistir. Con un final impresentable, cerrado como para que nadie más pueda volver a abrirlo.

DOOMSDAY: El día del juicio
Ciencia Ficción. De: Neil Marshall. Con Rhona Mitra, Malcolm McDowell, Bob Hoskins, Alexander Siddig, Nora-Jane Noone, David O'Hara. Año: 2008. Duración: 105 minutos. Origen: Gran Bretaña.
Del mismo director de la aterradora The Descent (2005), el filme tiene un arranque prometedor, buenos efectos y un clima inquietante. Pero lentamente, la historia empieza a girar hacia una parodia absurda, donde salvajes con pelos erizados y el rostro empolvado, salen gritando de sus cuevas para comer carne humana. Para ver con el dedo en la tecla FF.

ZOHAN: LICENCIA PARA PEINAR (You don't mess with the Zohan)
Comedia. De: Dennis Dugan. Con: Adam Sandler, Rob Schneider, Henry Winkler, Donna Feldman, John Farley, Barry Livingston, Jacki R. Chan. Año: 2008. Duración: 94 minutos. Origen: EE.UU. Estreno en la Argentina: 18 de septiembre.
Si hay algo que Adam Sandler le aportó al género de la comedia fue ternura y sensibilidad. Pero a medida que pasaban las películas, el papel de chico rico que reniega de su fortuna se repetía. En Zohan interpreta a un agente israelí del Mossad que finge su muerte para poder trasladarse a Nueva York y convertirse en peluquero. Que vuelva el muchacho triste y con plata, por favor!!!

YOUNG PEOPLE FUCKING
Comedia. De: Martin Gero. Con: Aaron Abrams, Diora Baird, Sonja Bennett, Callum Blue, Kristin Booth, Josh Cooke, Josh Dean, Ennis Esmer. Año: 2007. Duración: 90 minutos. Origen: Canadá.
Lo que prometía convertirse en una mirada desestructurada sobre la sexualidad adolescente, se transformó, con el pasar de las escenas, en un programa de auto ayuda genital para solterones aburridos. Mejor y mucho más divertido, las pornosoft de la medianoche en el cable.

EL ULTIMO GRAN MAGO (Death defying acts)
Drama-romance. De: Gillian Armstrong. Con: Uma Thurman, Evan Rachel Wood, Eva Amurri, Oscar Isaac, Brett Cullen. Año: 2007. Duración: 90 minutos. Origen: Reino Unido y Australia. Estreno en la Argentina: 11 de septiembre.
La vida de Harry Houdini contada con tan mala vocación y escasa voluntad, que de entrada, uno se da cuenta que lo que está a punto de ver es una soberana inmundicia. Actuaciones desganadas, situaciones forzadas y una completa falta de atractivos para el espectador, hace de este argumento, el peor filme sobre magos de los que se tenga memoria. Porque no hay truco que la pueda salvar. (cuak)

Cualquier crítica o desaprobación, será bien recibida por los formadores del consenso.

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LA LIGA SANTA

La industria del videojuego se convirtió en el edén del entretenimiento y sin despeinarse, desbancó de su pedestal a los grandes estudios cinematográficos. Para los financistas, siempre ávidos de público joven, la adaptación de cualquier juego taquillero es una inestimable oportunidad comercial. El problema es que este traspaso no siempre entrega buenos resultados y por lo general, los fracasos exceden a los laureles. En un nuevo intento por aunar fuerzas llega Mutant Chronicles, un filme que toma como modelo un juego de rol tecno-fantástico en donde un puñado de héroes tienen por objetivo salvar al planeta de unas criaturas bestiales.

Con una estética retro y paisajes apocalípticos, el filme a cargo del novato Simon Hunter reúne un elenco de figuras que van desde el fiero Ron Perlman (Hellboy – 2004/08), Thomas Jane (The Mist - 2007) y un papel transitorio de John Malkovich, que apenas justifica su inclusión en los créditos. Por algunos inconvenientes que nunca saldrán a la luz, el filme no pudo ser estrenado comercialmente en los Estados Unidos y sólo consiguió cartel en Rusia y Grecia. Debido a estos aplazamientos, es posible que Voltage Pictures, su productora, decida editarlo directamente en video.

De qué va. Corre el año 2707 y el mundo está gobernado por cuatro corporaciones (Bauhaus, Capitol, Imperial y Mishima) que luchan entre sí para control la totalidad del planeta. Pero una quinta fuerza, más poderosa que las anteriores, aparecerá en el campo de batalla.

Al hueso. Si uno tuviera que ser estricto y privilegiar la valorización especializada, se podría concluir que Mutant Chronicles es la sumatoria de cuanto proyecto original manejó el cine en los últimos lustros. Desde la ambientación de Sky Captain and the World of Tomorrow (2004), la sequedad narrativa de Sin City (2005), la mística grupal de The League of Extraordinary Gentlemen (2003), la épica de The Lord of the Rings y como postre, cualquier título de George Romero, que ofrezca zombies en su menú.

A esta altura, con todo lo referido sobre MC uno pensaría que se trata de la peor película de todos los tiempos. Pero curiosamente, no es así. Primero, porque Simon Hunter es conciente de cuáles son las debilidades y fortalezas de su presupuesto y con gran habilidad, se dedica a exponer lo que abunda (un argumento, personajes interesantes) y a disimular aquello que escasea (efectos de calidad, decorados sobrenaturales). Y en el inventario general, consigue un producto que sin ser fuera de serie, se vuelve muy divertido.

En definitiva. Un guión llamativo que logra meter al espectador en un mundo demolido por una guerra retro-futurista.
Score 6/10

TITULO: Mutant Chronicles
ESTRENO: Sin fecha de estreno en la Argentina
ORIGEN: EE.UU.
AÑO: 2008
DURACION: 110 minutos
DIRECTOR:Simon Hunter
REPARTO: Thomas Jane (Mayor 'Mitch' Hunter), Ron Perlman (hermano Samuel), Devon Aoki (Valerie Duval), Sean Pertwee (Cap. Nathan Rooker), Benno Fürmann (teniente Maximillian von Steiner), John Malkovich (Constantine), Anna Walton (Severian), Tom Wu (Juba Kim Wu), Steve Toussaint (Cap. John McGuire)
GUION: Philip Eisner
MUSICA: Richard Wells
FOTOGRAFIA: Geoff Boyle
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RUINAS CIRCULARES

Escondidos sobre la faz de la tierra existen miles de escenarios dignos de un relato de ciencia ficción. Se trata de instalaciones abandonadas que de tan corroídas, transmiten la sensación de un desastre global. La desolación de los alrededores y la vegetación que se expande sin control, hacen suponer que la población mundial fue erradicada por obra de un cataclismo. Los rastros que indicaban la presencia del hombre, de a poco empiezan a desaparecer entre los escombros. Acaso unos pocos individuos hayan escapado al desastre y circulen sin consuelo por un mundo deshabitado.

Los paisajes presentados a continuación pueden recorrerse en forma individual, o como una sucesión de pasadizos que se conectan a través de las cavidades en los muros, los metales herrumbrosos o cualquier otro punto de fuga en las imágenes. Feliz viaje.

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EN COMPLICIDAD

Hay un reducido número de actores que son capaces de remontar una película sin necesidad de piruetas ni amenazas. Porque para convencer, no necesitan recurrir a la belleza o la fuerza, sino que apelan a algo menos superficial como el talento. A este grupo de privilegiados pertenece Frances McDormand, cuya soltura frente a cámara y convicción emocional, hacen de Miss Pettigrew Lives for a Day una comedia entrañable. La acompaña, eso sí, un elenco de figuras de segundo orden, tal es el caso de Amy Adams (Charlie Wilson's War - 2007) y el versátil de Ciarán Hinds (There Will Be Blood - 2007) que le dan el pie justo para que la protagonista pueda desplegar todo su histrionismo.

Esta producción inglesa a cargo del indio Bharat Nalluri pretende rescatar el espíritu de la screwball comedies (comedia disparatada). Este género tuvo su apogeo en Hollywood durante los años treinta y se asentaba en diálogos rápidos y personajes excéntricos. A menudo, la gracia estaba en la inversión de roles, unas veces sexuales y otras sociales, como en este caso. Por lo general, las mujeres son las encargadas de alimentar la trama con sus conflictos. El filme se basó en una adaptación de la novela homónima que Winifred Watson escribió en 1938, considerada como un sofisticado cuento de hadas en los albores de la Primera Guerra mundial.

De qué va. La señora Guinevere Pettigrew es una institutriz londinense educada bajo los rigores del puritanismo anglicano, lo que le impide aceptar algunos vicios de sus patrones y por tanto, mantener un trabajo. Hasta que conoce a la actriz y cantante Delysia Lafosse.

Al hueso. Es indudable que la comedia ligera es la variedad más subestimada en la industria del entretenimiento. Y aunque gran parte del material que se estrena comercialmente no cuenta con el apoyo del público cinéfilo, entre tanta impureza, se filtran algunas sorpresas. Este es el caso de Miss Pettigrew Lives for a Day, una historia que va levantando temperatura progresivamente. La efectividad de la trama está muy ligada al desarrollo de los personajes. El primer cuarto del filme, en términos de esparcimiento, es el menos relevante, porque se utiliza para ambientar el relato. Una vez se matizan las bajes, odios y amores del elenco, la trama se encargará de enredarse por los caminos menos esperado y, en algunos casos, por otros senderos más obvios.

En definitiva. Sana y divertida, un filme que no apela a la grosería o los defectos físicos para hacer diverir.
Score 7/10

TITULO: Miss Pettigrew Lives for a Day
ESTRENO: Sin fecha en la Argentina
ORIGEN: Gran Bretaña
AÑO: 2008
DURACION: 92 minutos
DIRECTOR: Bharat Nalluri
REPARTO:Amy Adams (Delysia Lafosse), David Alexander (vendedor de almendras), Clare Clifford (Margery), Christina Cole (Charlotte Warren), Stephanie Cole (Miss Holt), Beatie Edney (Mrs. Brummegan), Shirley Henderson (Edythe Dubarry), Ciarán Hinds (Joe Blumfield), Sarah Kants (Annabel Darlington), Frances McDormand (Guinevere Pettigrew)
GUION: David Magee, Simon Beaufoy (Novela: Winifred Watson)
MUSICA: Paul Englishby
FOTOGRAFIA:John de Borman
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RITMO COLOSAL

Aunque los platillos constituyen una pieza clave de cualquier banda de rock, los bateros son tipos subestimados que viven confinados en su mundo de cilindros. En los recitales, las cámaras no llegan a enfocarlos, en las tapas de los discos quedan relegados a la segunda fila, nunca son líderes, jamás les hacen reportajes. Además de los nombres fáciles como John Henry "Bonzo" Bonham, Lars Ulrich, David Eric Grohl y Charles Robert Watts, qué otro viene a la memoria sin hacer un esfuerzo. Gordos, forzudos y peludos, son los adjetivos que la gente usa para identificarlos. Se han dicho miles de cosas sobre ellos, salvo que son un prodigio de las virtudes orgánicas.

Una investigación llevada a cabo por la Universidad de Chichester determinó que los bateristas de rock poseen la misma resistencia física que un jugador de fútbol de primera división. Según apuntó el doctor Marcus Smith, especialista en medicina deportiva, en un concierto, los bateristas pueden quemar entre 400 y 600 calorías, un número similar al que consume cualquier jugador de la Premier League inglesa en una hora de juego. Como para que la comparación tenga mayor peso, Smith sostuvo que un oficinista, en 60 minutos de trabajo, elimina apenas 100 calorías.

Siguiendo con los análisis, se conectó a un batero a un aparato que mide ritmo cardíaco y consumo de oxigeno, para conocer los niveles de ácido láctico en la sangre. Los resultados no fueron menos sorprendentes. Se descubrió que su ritmo cardiaco subió en promedio entre 140 y 150 latidos por minuto, llegando hasta los 190. Una marca a la que sólo acceden los deportistas de elite. Mientras que un futbolista consigue este desempeño dos veces a la semana, los bateristas, cuando salen de gira, lo alcanzan diariamente.

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AMIGOS SON LOS AMIGOS

Las historias protagonizadas por chicos están recubiertas por un manto de impunidad que disculpa cualquier error o distracción que se produzca durante el filme. Como ocurre con la producción inglesa Son of Rambow, hay algunos pasajes en donde la atención se dispersa y uno llega a evadirse por completo del relato y en otros, su poder de evocación es tan profundo que es imposible escapar a los propios recuerdos. Esta comedia independiente que fue muy bien recibida en el festival de Sundance y recibió múltiples elogios de la prensa británica, se basa en un guión emotivo aunque un tanto superficial.

El filme fue dirigido por Garth Jennings y el equipo de producción conocido como Hammer and Tongs. La mayor experiencia de Jennings proviene del campo del videoclip, donde su especialidad son los grandes éxitos. Así, en su carta de presentación figuran los nombres de The Best of R.E.M.: In View 1988-2003 (2003), Pulp Anthology (2002), The Best of Blur (2000), de quien filmó al menos un clip. Como cineasta realizó una película que pasó desapercibida pero que mereció una mejor suerte. Se trata de The Hitchhiker's Guide to the Galaxy (2005), donde la mirada candorosa de un adulto era la clave para disfrutar un admirable tejido de ideas.

Y aunque el trabajo del equipo Hammer and Tongs consigue algunas marcas originales, Son of Rambow toma prestados demasiados elementos de otros filmes similares. En plan comparativo, se podría decir que de Stand by Me (1986) extrae el culto de la amistad, de Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain (2001), el sentido mágico de la realidad y de Edward Scissorhands (1990) la tristeza como núcleo motor. Y si bien es superior a la moralista Juno (2007) no logra la química de Littlle Miss Sunshine (2006).

Al hueso. Dos compañeros de colegio, uno fascinado con los dibujos y el otro con su cámara de video, deciden sumar su talento para realizar un filme sobre Rambo, el héroe del momento.

Al hueso. En los años 80’ estaban de moda los casetes de video, los pelos en punta y las ropas multicolores, la música de The Cure y las hazañas de Rambo. Sobre este registro sentimental se mueve Son of Rambow, una trama en apariencia inofensiva que esconde más de un ajuste de tuercas. Desde la óptica de un niño educado en los firmes preceptos de una comunidad religiosa y su compañero abandonado en una mansión por unos padres ausentes, en el argumento se enfatiza que el mundo infantil no se rige por prejuicios ni dogmas, porque sólo reconoce como valor la moneda de la fraternidad.

La única mancha es que entre algunas anécdotas de camaradería y momentos de sana tensión, se interponer algunos baches del libreto que le quitan consistencia a la narración. Y si bien recurre al cliché para solucionar algunos conflictos, lo hace con una ingenuidad tan honesta que no merece ningún reproche.

En definitiva. Una historia para ver en familia, donde la vida ochentona vuelve a ser parte de la realidad, al menos por un rato.
Score 6/10

TITULO: Son of Rambow
ESTRENO: sin fecha en la Argentina
ORIGEN: Reino Unido-Francia
AÑO: 2007
DURACION: 96 minutos
DIRECTOR: Garth Jennings
REPARTO: Neil Dudgeon (Brother Joshua), Bill Milner (Will Proudfoot), Jessica Hynes (Mary Proudfoot como Jessica Stevenson), Anna Wing (abuela), Will Poulter (Lee Carter), Tallulah Evans (Jess Proudfoot), Emilie Chesnais (maestra de francés)
GUION: Garth Jennings
MUSICA: Joby Talbot
FOTOGRAFIA: Jess Hall
SITIO OFICIAL

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